¿Qué pasaría si las paredes del edificio de animación de Walt Disney Studios pudiesen hablar? Esta la sencilla premisa de la que parte este cortometraje, siendo además lo que una de las últimas leyendas de Disney, Burny Mattinson, se pregunta mientras sale del edificio; y, como no podía ser de otro modo en el mágico y maravilloso mundo de Disney, lo hacen. Cuando el edificio queda vacío Mickey y Minnie salen de los retratos de las paredes y empiezan a llamar a todos los demás personajes que han visto la luz a lo largo de los 100 años de historia desde que se fundara en 1923, que van desde los eternos amigos de Mickey, Goofy y Donald, a algunos de los más recientes como Flash, el perezoso de Zootrópolis, o, incluso, la protagonista de Wish. Todo ellos se reúnen de forma ordenada frente al edificio para una foto familiar que, sin duda alguna, puede ser histórica… y hasta aquí.

No voy a romper la magia contando el giro de guion que hace que aquellos que realmente hemos crecido y vivido de la mano de las pelis de este estudio se nos erice la piel en un momento tan perfecto que los que somos de lágrima fácil conectemos, pero si lo que quieres es algo que, en la práctica, apenas tiene argumento ―o que el que tiene es muy simple―, y juega con nuestros sentimientos, Érase una vez un estudio es precisamente eso, ya que va más allá de la historia, de los personajes o de los cientos de tributos que se esconden en sus escasos diez minutos; como sus propios creadores han dicho se trata de una carta de amor a estudio a Walt Disney Animation Studio.

Y es que se ha cuidado hasta el más mínimo detalle, ya que se ha recuperado grabaciones de la época de actores que ya no están con nosotros, para que Peter Pan o el Genio también pudieran participar de este gran momento… ¡y qué momento! Porque cuando… Ay, he dicho que no lo contaría, pero es que es imposible contenerse… cuando el Gallo de Robin Hood entona los primeros acordes de When You Wish Upon a Star sientes como la piel se te eriza en ese momento que si bien parece grandioso, también es muy sutil, ya que unas pocas voces cantando una canción en apariencia sencilla, a la vez que todo se resuelve de forma maravillosa para que, como sucede en los mejores cuentos, no haya un final mejor.

La lista de personajes que aparecen es interminable, hasta el punto que en momento de la foto final, si paramos el reproductor de Disney+ ―ya que la forma más normal de ver este corto es en la plataforma del estudio―, veremos que no solo se reduce a los de los largometrajes, sino que también aparecen los de los cortos o, incluso, Oswald, el conejo con lo que realmente empezó todo y sin la ausencia del cual no habría nacido Mickey Mouse, algo que marcaría un antes y un después en Disney y en la historia del cine.

Lo cierto es que no hay nada más que decir, ya que después de su estreno el pasado verano en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy, el corto no ha hecho más que recolectar elogios, no solo por el mensaje que envía, sino por la genialidad en cuanto a sencillez, hasta el punto de postularse para las nominaciones a los Oscar; y, si lo ganara, sería más un premio a la larga vida del estudio que no al corto en sí, casi como un Oscar honorífico a una larga trayectoria y, lo más sorprendente de todo, la supervivencia en un medio tan voraz como el cine.

Aunque en los largometrajes están recibiendo más varapalos que en otras épocas, lo cierto es que Disney sigue teniendo estos momentos de lucidez al producir pequeñas maravillas como esta, que harán las delicias de los aficionados de todas las edades, a la vez que nos hará sentir lo mismo que sentimos la primera vez que vimos algunas de nuestras pelis favoritas y que marcaron nuestra infancia. En muchos aspectos, aunque el corto se dedica póstumamente a Burny Mattinson y hay una clara referencia a Walt Disney, también se nota que se ha hecho para es público que no ha fallado nunca y que transmite el amor por las pelis de Disney a sus hijos. Esperemos que esto solo sea un punto y seguido y las nuevas generaciones puedan celebrar otro centenario tan especial como este.

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Hay algunos momentos en la vida —más bien pocos— en los que uno oye como un coro de ángeles entona, desde el cielo, un canto celestial que nos ayuda a comprender que estamos ante un momento mágico e irrepetible: el descubrimiento del amor, el nacimiento de un hijo… o el minuto 2:00 del cortometraje de Uncharted, en el que, por fin, vemos cumplido lo que muchos fans alrededor del mundo afirmábamos desde la primera entrega de la serie, que Nathan Fillion era el candidato perfecto —con permiso de Jaime Cantizano— para meterse en la piel del ya legendario Nathan Drake.

El actor canadiense, conocido por ser Castle, siempre fue la mejor opción, no solo por su forma de actuar desenfadad, sino también por su aspecto —en el que no hacen falta demasiados retoques de maquillajes—, incluso en el nombre, todo eran señales para que él fuera el escogido y por fin, aunque solo sea durante unos escasos quince minutos, podemos verle en toda su gloria y su esplendor como el personaje de los videojuegos.

Pero la grandeza de este cortometraje sin ánimo de lucro —seguro que a Naughty Dog y a Sony les ha aparecido el símbolo del dólar en los ojos al verlo—, es que a pesar de su brevedad y de su escaso presupuesto, es, sin duda alguna, la mejor adaptación que se haya podido hacer jamás de un videojuego, no solo de la franquicia de Uncharted, sino de cualquier otro.

En cada segundo de este corto rezuma el estilo del juego, no solo el tono de la historia, sino también la ambientación e, incluso, la manera de filmar la acción. En ningún momento se tiene miedo de mostrar su origen, ya que en más de una ocasión se imitan secuencias, como los movimientos de cámara entre los vídeos y el más puro gameplay; así como las escenas de lucha; o cuando, en pleno tiroteo, se sigue al protagonista como si fuera un videojuego, haciendo sentir que solo te falta el mando para meterte de lleno en una nueva aventura de Nathan Drake.

Es inevitable que la cinta cojee, por ejemplo, en el argumento, al fin y al cabo, estamos hablando de apenas quince minutos, cuando los videojuegos dedican horas a desarrollar un argumento, incluso más que una película. Sin embargo, lo que por un lado parece flojo, lo refuerzan con cualquier otro elemento, con cosas tan pequeñas como escoger un Jeep rojo para asemejarse al que suele aparecer en los videojuegos, o con una breve investigación al más puro estilo Uncharted, o una banda sonora que, aunque no igual, lo suficientemente parecida como para darle empaque a todo el conjunto.

Y si no fuera poco con la presencia de Nathan Fillion en el papel protagonista —que se ha esforzado en imitar los gestos del personaje que interpreta—, a su lado también aparecen otros actores que, aunque no muy conocidos, mantienen el nivel interpretativo como Geno Sengers, Mircea Monroe y Ernie Reyes Jr.; esos por no hablar de Stephen Lang. Al principio no me convenció demasiado la elección del villano de Avatar para el papel de Sully —siempre me había imaginado a alguien más en la línea de Robert De Niro o de Bruce Campbell—, pero en seguida uno ve como el actor se mete en la piel del personaje sin ningún tipo de dificultad, con el puro, el bigote y el pelo blanco, consigue hacernos ver en seguida al bueno de Victor Sullivan. En este sentido, los detalles del corto están muy cuidados, ya que no solo recurren a los referentes claros, sino cosas tan discretas pero elementales como las cartucheras de Nate, el anillo que cuelga de su cuello o, incluso, su ropa.

Podría seguir hablando y hablando de las virtudes de este cortometraje, y defendiéndolo como la punta de lanza de la cultura libre, pero creo que entraría en senderos que prefiero no explorar. Lo importante es que estamos ante un logro del amor por el arte, por encima del deseo de hacer caja con todos los productos que se ofrecen al público; además de todo un disfrute que se puede disfrutar una vez tras otra a través del canal de YouTube del propio director completamente gratis.

A modo de postdata, dejadme enviar un mensaje a los responsables —los que sean, porque cambian tan a menudo que es imposible seguirles el rastro— de la película que se está preparando desde hace años con Tom Holland como el joven Nate: pensad en incluir a Nathan Fillion y al resto del equipo de este corto en la peli, aunque solo sea como un cameo, ya que seguro que mejora la recepción que tiene el público… ¡Ah, sí! Y para la próxima, haced como hicieron con Deadpool, dejaos guiar por los deseos del público, que al final es el que paga.

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Un sheriff del viejo Oeste, acosado por la culpa, llega a un acantilado en mitad del desierto, y a medida que avanza, a su mente llegan recuerdos de vivencias pasadas: disparos, una persecución en diligencia, un accidente, y una muerte… la de su padre. A lo largo de los años, ese hombre carga con lo que le sucedió cuando era pequeño, cuando, sin querer, al intentar salvar a su padre, apretó el gatillo que no debía apretar, y un disparo acabó con la vida de su padre, también sheriff. Ahora, al borde del mismo acantilado que se llevó a su padre, solo parece hallar un camino que seguir… ¿se arrojará al vacío? ¿volverá atrás en el último instante?

En 2015 se estrenó Borrowed Time —en castellano traducible por Tiempo prestado—, un cortometraje ambientando en el Lejano Oeste que, a pesar de ser animación, su contenido es mucho más adulto, cruel y duro de lo que podría aparentar. De la mano de un grupo de profesionales que han pasado por los estudios de Pixar y Blue Sky, nos llega este magnífico que surgió cuando decidieron aprovechar sus ratos libres para llevar a cabo un proyecto más personal. Aunque la factura y el talento Pixar es palpable, en seguida descubrimos que eso solo es un marco ideal para presentar una historia redonda. En apenas siete minutos, se nos presentan todos los elementos esenciales para configurar un buen western: tiroteos, persecuciones a caballo —en este caso en diligencia—, sangre, venganza, etcétera, etcétera. Todo ello hace que, al segundo de empezar el visionado te olvides por completo que se trata de animación y veas este corto como lo que es: una de las mejores historias del oeste jamás escritas.

A parte de la animación y de estos elementos que configuran un marco perfecto en el que desarrollar un argumento, con lo que realmente nos cautiva Borrowed Time es con sus personajes. Aunque solo son dos —tres si contamos el desdoblamiento que tiene uno de ellos entre su versión joven y su versión adulta—, llenan la pantalla y te olvidas de que en ningún momento vemos a los villanos que los persiguen, y ni tan siquiera se ve un caballo, pero son elementos que se intuyen. Normalmente, los personajes de los cortometrajes —de animación o no— tienden a ser muy planos cuando la historia es profunda, o viceversa, haciendo que siempre le falte algo al espectador. En el caso de Borrowed Time no es así, ambos personajes están perfectamente perfilados, consiguiendo una conexión inmediata con el público, y además la historia en la que se ven envueltos roza la perfección. Lo que demuestra esto es que si unos personajes son buenos, junto con una animación y una ambientación perfecta, una cinta puede prescindir de todos los elementos colaterales y meramente secundarios, para centrarse en lo que realmente importa.

Este tipo de cortometrajes tienen dos ventajas muy importantes. En primer lugar, para los realizadores, al tener que producir solo siete minutos pueden llevar a límite su talento en cada fotograma, aunque forme parte de un trabajo voluntario y llevado a cabo por un pequeño equipo. Y, para los espectadores, esto desemboca en un auténtico placer concentrado; como cuando uno se come una trufa de chocolate negro, el disfrute es más bien breve, pero es tan gratificante, que no importa… además permite repetir tantas veces como se quiera. Por este motivo, podríamos analizar casi fotograma a fotograma, y podríamos descubrir en que un solo paisaje, según la iluminación, se nos presenta como un escenario positivo o negativo —siempre aparece el acantilado, pero en el pasado es a mediodía, y en el presente es al ocaso—; también veríamos que hay cierta conexión entre padre e hijo, no solo porque ambos sean sheriff, sino por detalles como el bigote, el sombre y, evidentemente, el reloj que se convierte en la pieza clave de la historia; pero también hay diferencias, el padre se ve un hombre grande y radiante, mientras que el hijo, seguramente por la culpa de haber matado a su padre, siempre va de negro, de luto… Todos estos detalles, y muchos más que se van descubriendo a cada visionado, nos demuestran que para contar una historia no hacen falta dos horas y miles de millones de dólares, sino solo talento bien utilizado.

Personalmente, Borrowed Time es uno de esos cortometrajes que me tocan la fibra, no solo por la historia cargada de sentimiento, sino también porque no tiene ni un punto negativo al que poder criticar, por lo que, siempre que lo veo, no puedo evitar decirme: «por cosas como esta vale la pena ser aficionado al cine».

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Como viene siendo habitual en anteriores cortos de «How to…», el narrador nos explica lo esencial de un deporte como es el golf, mientras que Goofy no hace más que complicarse la vida para seguir las instrucciones del narrador. Desde un principio se nos presenta el golf como un deporte pausado y tranquilo, ideal para que sus jugadores se relajen mientras van de un hoyo a otro. Sin embargo, cuando Goofy empieza a jugar —y como nos ha demostrado en otros cortometrajes— la cosa se enreda, por un lado porque parece ser que las actividades físicas se le resisten, aunque no cesa en el intento; mientras que, por el otro, toda la acción desemboca en una situación en el que el golf deja de ser un deporte relajado y pasar a ser un deporte de contacto y muy, pero que muy activo… Sobretodo cuando te persigue un toro enfurecido.

En How to Play Golf se recurre de nuevo a un elemento que podrías llamar habitual en los «How to…» de Goofy, la silueta como personaje activo del corto. Si primero fue la sombra y después el perfil humanizado, aquí se simplifica la imagen de este personaje a un simple monigote de líneas que, sin embargo, es un genio del golf, que no hace más que intentar enseñar a Goofy a jugar. Lo divertido de la combinación entre este personaje y Goofy es que este, una vez más, es capaz de otorgarle una humanidad de la que carece; a la vez que cruzan la cuarta pared interactuando con el público.

En este cortometraje, Goofy añade a su variedad emocional la irascibilidad de Donald, perdiendo el control cuando no consigue hacer un buen swing.

How to Play Golf nos ha dejado gags para los anales de la animación, como la alocada persecución final entre Goofy, la silueta y un toro al son de la banda sonora de The Lone Ranger.

La entrada How to Play Golf (Jack Kinney, 1944) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

«Todo el mundo debería aprender a nada», con estas simples palabras el narrador abre este cortometraje en el que veremos a Goofy aprender a nadar, primero en seco sobre un taburete a la vez que se juega el físico ante el tráfico mientras nada como los buscadores de perlas, salvavidas y… ranas.

Una vez dominada la teoría de la natación debemos aprender a cambiarnos en una típica caseta de playa, algo que hoy se podría traducir en hacerlo en la parte trasera de un coche. En esta parte del cortometraje también conocemos lo perjudicial de comer mucho antes de nadar. Seguidamente, a pesar de que Goofy no es un lince en los deportes, el narrador lo conduce a probar el salto del trampolín, que Goofy practica sin la menor gracia.

Visualmente, How to Swim contiene algunos de los mejores gags de Goofy, desde el que ya hemos comentado de la natación sobre un taburete, al intento de cambiarse en el interior de una caseta de playa —algo que nos puede recordar el camarote de los Hermanos Marx en Una noche en la ópera (1936)—, o el salto de trampolín, tanto en la parte del salto, como en el gancho final de encontrar la piscina vacía.

Este cortometraje bien podría considerarse una continuación del de Hawaiian Holiday (1937), tanto por el bañador de Goofy como por la tonadilla que no deja de sonar.

Uno de los elementos que regresa a la serie de cortometrajes de Goofy es la sombra o silueta. En esta ocasión, una silueta de aspecto humano parece que al principio es un inofensivo perfil para que Goofy se guie, sin embargo, en seguida descubrimos que es igual de malintencionada que la sombra de The Art of Self Defense (1941), ya que utiliza la cabeza de Goofy como trampolín.

La entrada How to Swim (Jack Kinney, Lou Debney, 1942) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Goofy se encuentra en una estación de esquí dispuesto a aprender todo sobre este deporte. Quién dice dispuesto, dice durmiendo a pierna suelta, tan dormido que incluso el narrador tiene que despertarlo. Una de vez de pie, el aprendizaje empieza con el atuendo. Sin embargo, Goofy comete el error de vestirse llevando los esquís puestos, por lo que los resultados, aún con las palabras del narrador, no acaban siendo como deberían. Preparado para esquiar, Goofy va hacia las pistas para empezar sus descensos, pero, al igual que con la ropa, a pesar de las instrucciones que le da el narrador, nuestro protagonista no hace más que complicarse la vida para acabar perdiendo el control de los esquís y salir volando sin ellos, o incrustarse, cual pájaro carpintero, en una pared de hielo.

Aunque los «How to…» de Goofy no fueron cosa de un día para otro, sino que se fueron gestando ya desde The Fox Hunt (1938), The Art of Skiing fue el primero de ellos, tanto en forma como en contenido. Por un lado Goofy deja de hablar por completo, ni tan solo las conocidas expresiones creadas por Colvig son imitadas, mientras que la única voz que se escucha es la de John McLeish en su papel de narrador, que, queriendo o no, se convierte en el coprotagonista de estos cortos. Por el otro lado, las situaciones en las que se ve inmerso Goofy son deliberadamente cómicas, para provocarnos las carcajadas con esa extraña combinación de elasticidad carente de agilidad y patosería con suerte.

Es importante remarcar que, aunque hablar no habla, en The Art of Skiing aparece, por primera vez el clásico alarido de Goofy, realizado por el cantante tirolés Hannes Schroll, y que sería utilizado a partir de ahora como un recurso habitual del personaje.

La entrada The Art of Skiing (Jack Kinney, Lou Debney, 1941) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Tras la partida de Pinto Colvig debido a una disputa con Walt Disney, Goofy, que empezaba su andadura en solitario se quedó sin voz. Tras utilizar a George Johnson y estrenar los cortos ya grabados por Colvig, los realizadores se dieron cuenta de que los cortos de este personaje debían replantearse para que no fuera tan necesaria su expresión oral, aunque en Goofy and Wilbur ya se podía ver que eran capaces de ello. Por este motivo se optó por estos cortos con un narrador que daba instrucciones que Goofy seguía, más o menos, al pie de la letra.

Mientras el narrador va dando instrucciones, Goofy prueba todas las maneras posibles para emprender el vuelo a bordo de su planeador.

Aunque no lo lleve por título, este cortometraje puede considerarse el primer «How to…» de Goofy. Sin ir más lejos, el libro que consulta constantemente el personaje lleva por título «How to Fly», que bien hubiera podido ser utilizado como título del corto, en lugar de Goofy’s Glider.

En el aspecto visual, Goofy pierde un poco el perfil establecido por Babbitt unos años atrás, para muscularse un poco —como si se hubiera preparado para los gags físicos que estaban por venir— y acentuar esa actitud de despiste constante que lo lleva a provocar todo tipo de accidentes. Un dato curioso es que, en Goofy’s Glider, es la primera vez que el personaje tiene cinco dedos, y no en todas en las escenas. Por ejemplo, cuando cuenta hasta diez antes de tirar de la cuerda del paracaídas.

Otra de las novedades que aparecen en este corto es la música de introducción y conclusión, que a partir de ahora encabezaría los cortos de Goofy, aportándole ese aire tan simpático.

La entrada Goofy’s Glider (Jack Kinney, Lou Debney, 1940) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Mickey, Donald y Goofy abandonan la contaminada y horrible ciudad en una maravillosa caravana, para buscar lugares más agradables. Aunque el coche que tira de ella está un poco destartalado, la caravana tiene de todo: camas, cocina, baño, espacio para el coche, e, incluso, todo un escenario para tener siempre unas vistas perfectas. Y lo más impresionante de todo ello, que lo tiene en un solo habitáculo absolutamente mecanizado.

Todo parece prácticamente idílico, pero, mientras desayunan, y por culpa de un despiste de Goofy —que ha dejado el coche en marcha para sentarse a la mesa—, la caravana se desprende del automóvil y empieza un descenso cuesta abajo, con Mickey y Donald en su interior rezando para no estrellarse, ni caer por un precipicio.

Nuevo cortometraje protagonizado por el trío de estrellas, que una vez más demuestran tener unos roles y unos perfiles bien definidos. Mickey es alguien hábil con recursos, Donald es un cascarrabias y Goofy es un auténtico desastre, pero como nos gusta verlo así. Sin ir más lejos, durante el desayuno, Goofy protagoniza un gag brillante cuando intenta comer algo. Primero ve como unos cajones le arrebatan una patata cocida, después, los mismos cajones, le revientan una sandía en la cara y, finalmente, aunque consigue hacerse con una mazorca, por error de cálculo, acaba convirtiéndola en palomitas al meter un tenedor en el enchufe mientras la sostiene.

Este corto —en el que Pete hace un breve cameo como conductor de un camión— es, sin duda alguna, uno de los más geniales de la época. Ya que, además de que los realizadores demuestran un talento técnico increíble, visualmente tiene una fluidez y un dinamismo incomparables.

La entrada Mickey’s Trailer (Ben Sharpsteen, 1938) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Mickey, Donald y Goofy son los limpiadores del reloj de una torre y, a pesar de sus sorprendentes métodos, se esfuerzan para llevar a cabo su tarea. Sin ir más lejos, Donald se esfuerza tanto que, al limpiar el muelle principal, acaba por desenrollarlo; Mickey tiene un encontronazo con una cigüeña que se niega a abandonar la maquinaria del reloj; y Goofy se encarga de limpiar el interior del campana, a pesar de los golpes que esta recibe. Será uno de estos golpes, que Goofy recibe directo en la cabeza, que lo lleva a tambalearse al borde de la torre, cayendo en numerosas ocasiones, en las que Mickey hará lo imposible para salvar a su amigo.

Clock Cleaners es, sin duda, uno de los mejores cortos protagonizados por el trío de personajes. Tiene una historia que se asemeja a las viejas aventuras de Harold Lloyd, pero los animadores supieron llevarla al terreno de la animación y lograr una auténtica obra de arte. Por ejemplo, además de un tratamiento excelente de los personajes, existe un deseo por mostrar la altura de la torre del reloj, para conseguir transmitir al espectador la sensación de que está a punto de caer junto con Goofy.

A parte de esto, Clock Cleaners tuvo cierta controversia en relación a los diálogos de Donald, en el que incluía frases malsonantes poco apropiadas para una audiencia infantil y —para los años treinta— también adulta. Así que pronto estuvo de no estrenarse, sin embargo, aprovechando la peculiar pronunciación del pato y un par de pinceladas en las líneas esto se corrigió y pudo ver la luz.

Por lo que respecta a Goofy, miembro de pleno derecho del trío, se muestra en todo su esplendor, con una animación muy dinámica y cuidada, que lo convierte en el elástico personaje al que todos queremos ver hacer sus, en este caso, peligrosos equilibrismos.

La entrada Clock Cleaners (Ben Sharpsteen, 1937) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Mickey y Donald son dos compañeros de casa que, tras seis meses de deudas, no puedes pagarlas, y el sheriff —interpretado por Pete— les prepara el desahucio y la confiscación de todos sus bienes. Apurados empiezan a recoger las cosas, ayudados por el repartidor de hielo, Goofy, con la intención de meter en su camioneta todo lo posible antes de que el sheriff lo venda. Cada miembro del divertido trío se hará cargo de una cosa diferente, mientras Mickey carga el baúl, Donald se peleará primero con un desatascador, después con una pecera y, finalmente, con un escape de gas; todo ello, a la vez que Goofy hace lo imposible para cargar un piano en la camioneta.

Es curioso como, a pesar de tratarse de un corto de la serie de Mickey, los auténticos protagonistas son Donald y Goofy. Sus carácteres —ya bien definidos y con muchos detalles— a la vez tan opuestos como simpáticos, los convierten en los personajes perfectos para introducirlos en las tramas tan surrealistas como la que tiene que hacer frente Goofy, cuando el piano cobra vida y se niega a abandonar la casa, o la hilarante escena de Donald y el desatascador.

A pesar de que ya había trabajado en anterioridad con Goofy, esta será la primera ocasión en la que Art Babbitt pondrá todo la carne en el asador, haciendo de Moving Day el ejemplo perfecto de lo que había teorizado un par de años antes al hablar de Goofy y de su forma de ser. Es en este corto donde vemos que el carácter del personaje se mezcla con la forma de moverse y de reaccionar de las cosas. Por ejemplo, aunque hay momentos en los que parece enfadarse con el piano que no cesa de resistirse, en seguida pierde el hilo del enfado y acaba, por ejemplo, disfrutando de un corte de sandía tras reventar la puerta del frigorífico.

La entrada Moving Day (Ben Sharpsteen, 1936) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Un hombre anónimo baja de su furgoneta cargando una cesta con la ropa sucia y se encamina sin titubeos hacia la lavandería. No muy lejos de él, unos pandilleros están acosando y agrediendo a unas chicas, aparentemente prostitutas. A pesar de que no puede evitar fijarse en ello, el hombre sigue su camino hacia la lavandería. Más tarde, mientras espera que termine su colada, ve como el grupo de delincuentes le ofrecen traficar con droga a un chico y, al negarse este, no dudan en empezar a sacudirle. Mientras observa la escena desde un puesto de bebidas, el propietario de este, que va en silla de ruedas, le advierte que si se mete con ellos puede acabar como él, ya que eso fue lo que le pasó. A pesar de la advertencia, el hombre compra una botella de Jack Daniel’s y va de frente contra los pandilleros. Solo armado con la botella de whiskey, el hombre mata, hiere o deja moribundo a todos los pandilleros, dejando para el final a su líder, al que rompe piernas y brazos y lo empapa con el contenido de la botella. Mientras el delincuente implora compasión, el hombre deja un mechero encendido a sus pies y le pregunta: «¿Sabes la diferencia entre justicia y castigo?», y se va. Instantes después, mientras recoge la colada, una de las chicas arroja el mechero sobre el pandillero y este arde entre horribles exclamaciones de dolor. Con la ropa limpia, el héroe anónimo regresa a su furgoneta, mientras recoge sus cosas, el chaval que acaba de salvar, se acerca a él y le dice que se ha dejado una camiseta. El hombre le dice que se la quede, total, tiene un agujero y se va. Mientras la furgoneta se aleja, el chico la desdobla descubriendo el símbolo de The Punisher, revelándonos que el héroe anónimo no era otro que Frank Castle haciendo la colada.

Ocho años después de estrenar la que, de momento, es la mejor película que se ha hecho del Castigador —y cuatro años después de la horrible adaptación del personaje, que es mejor olvidar—, Thomas Jane retoma el papel de Frank Castle para participar en este fan film.

«Quería hacer un fan film de un personaje que siempre he querido y he creído en él. [Dirty Laundry] es una carta de amor a Frank Castle y a sus fans. Ha sido una experiencia increíble ver como todos participábamos solo por diversión. Ha sido asombroso formar parte de esto de principio a fin; esperamos que los amigos de Frank Castlelo disfruten tanto viéndolo como nosotros haciéndolo».

Afirmó el actor en la San Diego Comic-Con de 2012, en la que fue presentado este cortometraje producido por Adi Shankar, uno de los referentes en el mundo de los fan film y los «bootleg», responsable también del sorprendente corto ambientado en el universo de los Power Rangers.

Además de contar la inestimable y necesaria participación de Thomas Jane en el papel de Frank Castle, los responsables de este cortometraje pudieron con la ayuda de Sammi Rotibi —que participó en películas como El señor de la guerra (Andrew Niccol, 2005) y Django Desencadenado (Quentin Tarantino, 2013), y que también está previsto que forme parte del elenco de Batman vs Superman: Dawn of Justice (Zack Snyder, 2016)—, para el papel de líder de los pandilleros; y, lo que es aún más increíble, la participación de uno de los grandes del cine de género, Ron Perlman —al que no le hace falta presentación—, como el tullido Big Mike.

Si nadie nos lo dijera, al tener ante nosotros Dirty Laundry creeríamos estar viendo un producto oficial de Marvel, no solo por contar con actores importantes, sino también por la calidad de la grabación. En muchas ocasiones, los fan film pecan de que se nota demasiado que son fan film, bien por la falta de medios, por la sobreactuación de sus actores o, simplemente, por la simpleza de la trama; en cambio, Dirty Laundry, no tiene ninguno de estos defectos, llegando a ser tremendamente realista, tanto como ficción como fan film. El único defecto, en este sentido, es la sangre, y no por exceso —hoy en día ya estamos acostumbrados eso—, sino porque se nota que es digital, tanto por su extraño comportamiento físico, como la cantidad. Del mismo modo, si bien los huesos de los pandilleros parecen de cristal cuando los toca Frank Castle —que por muy Castigador que sea, no tiene superpoderes—, mientras que la botella de whiskey que usa como arma es excesivamente resistente… Y antes de que nadie proteste, no pienso gastarme los cuartos en una de Jack Daniel’s para descubrir su resistencia.

A pesar de ello, este cortometraje, tanto por su factura como por su protagonista, sirve de un epílogo perfecto para la película de 2004, ayudándonos a pasar por alto otras versiones cinematográficas del Castigador. En este sentido, este corto, así como la mencionada película, junto otras cintas basadas en Marvel, podrían formar parte de lo que podríamos llamar, la Fase 0 del Universo Cinemático de Marvel. Ya que si lo que ahora esta haciendo Marvel es increíble, en muchas ocasiones sería bueno tener en cuenta películas que se hicieron antes de la locura de Los Vengadores y compañía, y que valieron mucho la pena.

La entrada Dirty Laundry (Phil Joanou, 2012) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Jean-Pierre Bertrand es un gran actor que pasa un bache por no conseguir decir la última línea de una película, y, por un problema técnico, se ve obligado a quedarse en Mallorca hasta que se reemprenda el rodaje. Por cosas del destino, en su camino se cruzara Laia, una guía que le han asignado para que lo lleve a donde quiera de la isla, que no dudará en intentar entablar amistad con el arisco actor. Sin embargo, lo que conseguirá será que Jean-Pierre vea la vida de una forma un tanto distinta.

Tras el éxito que tuvo Vale, el corto del año pasado, Estrella Damm no ha dudado en repetir la fórmula para seguir transmitiendo ese buen rollismo veraniego tan propio de su sello «Mediterráneamente», y lo ha conseguido de nuevo y en mayor medida. En esta ocasión, ha contado con Alberto Rodríguez, responsable de la premiada La isla mínima, como director y guionista, mientras que los papeles protagonistas han caído en manos de Laia Costa y Jean Reno, que ha podido hacer gala de su origen español interpretando con un más que correcto castellano. Aunque todo sigue siendo una excusa para promocionar una cerveza, a diferencia de la entrega anterior, la aparición de la marca es más sutil, aunque tampoco pasa desapercibida, sin embargo eso no le resta valor al cortometraje, que además no duda en mostrarnos lo más típico del Mediterráneo, como las calas, el mar y la buena comida, de tal forma que se podría confundir con un documental de viajes protagonizado por Jean Reno, ya que la naturalidad de la interpretación es más que destacable.

Muchos podrán decir que este cortometraje —así como el anterior y los que espero que sigan en años venideros— es pueril, superficial y totalmente innecesario, sin embargo es gracias a este tipo de productos que, un servidor, disfruta del cine, ya que con apenas un cuarto de hora consigue arrancarte una sonrisa que te dura todo el día o más.

La entrada Las pequeñas cosas (Alberto Rodríguez, 2016) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Lo sorprendente de este corto es el principal responsable, Juan Cruz. Este director y guionista de L’Hospitalet de Llobregat, habituado a trabajar en el género de la comedia y todas sus variantes, se atreve con un corto de terror futurista, muy alejado del humor costumbrista.

Para hacer que Domonic resulte redondo, además de una buena idea y de un genial y atrevido director, cuenta con la ayuda inestimable de la participación de dos grandes actores del cine español, de la talla de José Coronado y Terele Pávez. El primero borda su papel de hombre aterrorizado; mientras que la segunda —habitual en las películas de Álex de la Iglesia— realiza un trabajo impecable como imagen interactiva del sistema inteligente de gestión del hogar y madre de Cronado, interpretando, una vez más, una temible versión de la clásica bruja, aunque esta vez, un poco más futurista.

Domonic, que se estrenó durante el Festival de Málaga de la pasada primavera de 2015, y, en mi humilde opinión —que para gustos, los colores—, este corto junto Ultravioleta son los mejores que nos ha dejado la Primera Edición de Cinergía. Tanto porque, por un lado, ofrecen ese mensaje de eficiencia energética, como, por el otro, este es suficientemente sutil para que no se convierta el cortometraje en un video publicitario o educativo.

La verdad sea dicha, esperemos que la Segunda Edición de Cinergía, en la que ya sabemos que participarán Isabel Coixet, Paco León y Santiago Segura, sea tan buena como esta.

La entrada Domonic (Juan Cruz, 2015) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Si nos miramos Inquilinos sin prestar atención a los responsables creativos que hay detrás, por el toque humorístico del corto, así como la presencia de unos personajes tan tópicos como las «abuelas», creeríamos estar viendo una obra de Álex de la Iglesia o de Santiago Segura… ¡Pues no!

Manuela Velasco y Fele Martínez interpretan a una joven pareja que se esta mudando a su nuevo piso, sin embargo, a pesar de tener la calefacción a tope, en el piso sigue haciendo un frío de mil demonios. Cuando llegue el técnico, interpretado por Antonio de la Torre (Caníbal, Balada triste de trompeta), descubrirán que, a pesar de tenerlo todo debidamente instalado, hay algo más en esa casa que provoca esa perturbadora bajada de temperatura… Puede que las antiguas inquilinas, muertas en el ascensor, tengan algo que ver.

Inquilinos se estrenó el 2 de diciembre de 2014 durante el festival de la Madrid Premiere Week, demostrando el proyecto Cinergía seguía un buen camino. Ya que, si bien en Ultravioleta nos olvidábamos de la faceta energética, y en 1:58 su presencia era excesiva, en este caso se llega a un correcto punto medio, en el que descubrimos lo importante de las revisiones técnicas… Aunque el problema provenga de otro mundo.

La entrada Inquilinos (Jaume Balagueró, 2014) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Mientras todos esperan Assassin’s Creed protagonizada por Michael Fassbender, pocos son los que recuerdan que no sería la primera ficción que nos da esta franquicia de videojuegos.

La historia nos sitúa en los momentos previos a la historia del videojuego, a modo de prólogo, en el que Giovanni Auditore, un reconocido banquero de Florencia, nos descubre que es un assassin, cuyo objetivo es acabar con Rodrigo Borgia antes de que consiga hacerse con el poder del Vaticano y de toda Italia.

Una introducción perfecta para disfrutar aún más del posterior videojuego, ya que de esta forma descubrimos la historia al completo de los Auditore, y entendemos muchos de los detalles que se cuenta a continuación, como la relación de Giovanni y, su hijo, Ezio.

Romano Orzari es Giovanni Auditore, dando una magnífica interpretación de este pequeño personaje en el videojuego, pero aquí toma por completo el protagonismo. Mientras que su enemigo, Rodrigo Borgia, está interpretado por Manuel Tadros.

La curiosidad reside en que la cara y el comportamiento de Auditore y Borgia en Assassin’s Creed II fue extraída de los mismos actores que se pusieron en la piel de estos personajes durante el rodaje de este mediometraje.

La batuta del film le fue entregada a Yves Simoneau, un reconocido director de películas y series televisivas, como Napoleón (2002) y Los juicios de Nuremberg (2000), por lo tanto no es producto destinado en exclusiva a los «consoleros», sino también a los buenos aficionados al cine.

Este film, presentado en forma de miniserie en televisión, tiene una factura perfecta, pero con una única pega: su corta duración, ya que su calidad deja al espectador con ganas de mucho más.

La entrada Assassin’s Creed: Lineage (Yves Simoneau, 2009) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Tras la muerte de su tío, un hombre entra en el círculo vicioso de la última de las obsesiones del difunto, el culto de Cthulhu. Llevado por unas ansias infinitas de saber, el hombre investigará los papeles y apuntes de su tío para descubrir un misterioso y terrorífico mundo de antiguos mitos y leyendas que han llevado a la locura y a la muerte a todos aquellas que han osado acercarse más de lo debido. 

Siguiendo el planteamiento del relato original de H. P. Lovecraft —siendo unas de las adaptaciones más fieles a sus textos—, la H. P. Lovecraft Historical Society produce su primera película y no lo hace de cualquier manera. Sacando provecho a un escaso presupuesto, The Call of Cthulhu fue rodada como si se tratara de una película de los años veinte —por eso de asemejarse a las películas de la época en la que fue escrita el relato—, convirtiendo una película de principios del siglo XXI en una de principios del XX. En este sentido hay una cosa que se tiene que admitir, como película clásica cuela y bastante, asemejándose a clásicos del terror impresionista como El gabinete del doctor Caligari o El golem. Sin embargo, como sucede con muchas de estas producciones de limitado presupuesto, tiene defectos que nos recuerdan de que tipo de película se trata. Por un lado están las limitadas interpretaciones —seguramente yo lo haría peor, pero este no es el caso— que le quitan valor a este mediometraje; y por el otro tenemos ciertos planos que desentonan con el conjunto de la película, haciéndole perder ese aire retro en el que quiere sumergirnos. 

A pesar de todo ello, y teniendo en cuenta lo difícil que es llevar al cine una historia de Lovecraft —ya que el autor juega con nuestra imaginación y en el cine eso es algo difícil—, el resultado es más que satisfactorio siendo uno de esos interesantes experimentos que de vez en cuando nos regala el cine independiente.

La entrada The Call of Cthulhu (Andrew Leman, 2005) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

La productora Rojo Camaleón nos presenta, de la mano de su director David González Rudiez —ganador del premio al Mejor Director del pasado Notodofilmfest—, este corto de terror protagonizado por Carlos Algaba. Digo terror porque, a pesar de sus escasos dos minutos, consigue hacerte pasar mucho miedo. No os imaginéis que recurre al clásico terror y el gore, no; Invasión se nutre de una visión del miedo más actualizada, en el que no asusta más por ser más asqueroso, sino porque consigue introducir una situación de horror en la cotidianidad del público. 

El protagonista de esta historia es un hombre que, como muchos de nosotros, está disfrutando de una noche de televisión, cuando, de repente, recibe una imagen por Whatsapp en la que se ve a él mismo por la espalda. Asustado, mira hacia atrás y no hay nadie. Al investigar por su casa, que ya no le resulta tan segura como suponía mientras veía la televisión, descubre que alguien ha entrado y sus intenciones no son precisamente buenas.

En este sentido, no podemos negar, que la solitud de nuestras casas, a veces, puede darnos miedo —cuantos habremos abierto una luz de golpe para asegurarnos que estamos solos, o cuantos nos hemos asustado al ver un montón de ropa sobre una silla al contraluz de la ventana—, e Invasión se aprovecha de ello.

Con una puesta en escena más que correcta, en la que prescinde del diálogo, este corto juega con las nuevas tecnologías, y no las de las grandes películas de ciencia ficción, sino con las que usamos cada día, como los servicios de mensajería instantánea, convirtiéndolos en una herramienta para acrecentar el miedo en la víctima-protagonista y en el público.

Una vez más, vemos como un corto bien realizado consigue dejarnos más satisfechos que algunos grandes largometrajes. Sin embargo, no os recomiendo que veáis Invasión una noche que estéis solos en casa, porque os aseguro que no vais a poder pegar ojo.

La entrada Invasión (David González Rudiez, 2015) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Descubriremos a la protagonista, una conductora descuidada con el buen uso de la energía de su coche —contradiciendo las instrucciones que oye por la radio—, que le provocara un sinfín de problemas cuando tenga que enfrentarse a unos misteriosos atacantes, que parecen obsesionados en matarla por su derroche de energía. En este sentido, parece que existe algo así como un castigo divino para aquellos que hagan oídos sordos a los tan raídos consejos de la conducción eficiente.

A pesar de tener el mismo enfoque que los demás cortometrajes de Cinergía, 1:58 se excede en el uso de los mensajes típicos y tópicos de la conducción eficiente, haciendo que, en este caso, tenga mayor peso la concienciación energética que no la ficción. Este hecho, no muy relevante si tenemos en cuenta el origen de este proyecto, resulta más notorio cuando intentamos ver este relato de terror como eso, una ficción, ya que en todo momento tendremos los taladrantes mensajes repitiéndose en nuestra cabeza mientras la protagonista las pasa p***s.

Manuela Vellés será la única cara visible de este cortometraje, que transcurre por completo en un coche en marcha, mientras que contó con la colaboración de la periodista Julia Otero y del actor Gabino Diego, que dan la voz a los personajes radiofónicos cuyos mensajes son desoídos por la conductora.

Quiza el resultado no sea tan resultón como su predecesor, sin embargo 1:58 es un digno testigo de Ultravioleta.

La entrada 1:58 (Rodrigo Cortés, 2014) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Lola es una restauradora que debe pasar toda la noche trabajando en la restauración de una diabólica obra de arte, un cuadro protegido por unos monjes del que se dice que en su interior se esconde el diablo. 

Rodado en gran parte en el MNAC de Barcelona —ahora no quiero hacerme el listo, pero en algunas tomas, si se ha ido a dicho museo, se identifica enseguida—, Ultravioleta lo protagonizan una convincente Maribel Verdú, en el papel de Lola, y Julián Villagrán, como Jesús, el guardia jurado. Además, en las últimas escenas, se cuenta una participación increíble de un invitado especial… el Diablo, cuya caracterización sería propia de cualquier película de terror de primera línea. A través de esta nueva forma de hacer cortometrajes —un punto de encuentro entre la publicidad, el cine y la eficiencia energética—, Ultravioleta se estrenó en la 62ª edición del Festival de San Sebastián, por todo lo alto, y es que no se merece menos. Si alguien nos dijera que este ha sido un corto realizado de forma independiente al proyecto Cinergía, nos lo creemos. Sí, vale, tras el argumento hay un mensaje enfocado a concienciar a la gente para que haga un uso provechoso de la energía. Pero, cuando entramos en la trama, viendo como Lola restaura ese cuadro que esconde un terrible secreto —algo que inevitablemente me hizo pensar en Cazafantasmas II—, nos olvidamos por completo de la energía y solo podemos disfrutar de este maravilloso relato llamado Ultravioleta.

La entrada Ultravioleta (Paco Plaza, 2014) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Seguramente, si os digo las palabras Kung Fury no haría falta que dijera nada más, sin embargo… Tampoco es plan de tener una web para hablar de cine y limitar a escribir dos palabras de algo que daría para millones de millares bueno, eso tal vez es mucho, pero ya me entendéis. 

Esta película que, técnicamente, debería ser tratada de mediometraje, si siguiéramos los estándares oficiales —ya que dura exactamente 31 minutos, uno de más de lo que se considera un cortometraje— es la amalgama de todas aquellas cosas que hacían que las pelis de los ochenta, por muy malas que fueran, fueran, en realidad, las mejores del mundo. Tenemos una historia de polis dramática plagada de sentimentalismo barato y venganza, dinosaurios, vikingos, nazis, ninjas, deportivos horteras, robots y violencia gratuito a porrillo, amén de muchísimas referencias a la cultura popular de la época… Como David Hasselhoff. Pero ya llegaremos a ello. 

Como no podía ser de otra manera, la acción empieza en Miami en 1985, una ciudad llena de violencia, disparos, música disco, trajes color pastel con mangas arremangadas y neones, muchos neones. De repente, una máquina arcade rebelde se convierte en un robot armado y empieza a sembrar el caos en el centro de la ciudad —sobre todo reventando cabezas de un solo disparo—, y solo existe un hombre que pueda detener esta amenaza… Kung Fury, una policía un poco peculiar, ya que es, según sus propias palabras, «un portento kung-fu de la naturaleza», algo así como un súper-elegido del kung-fu, vamos, la re-hostia en patinete. 

Tras acabar con la recreativa rebelde y tras contarnos su origen, un misterioso atacante llega a la ciudad acabando con medio cuerpo de policía disparando a través de los primeros móviles de la historia, un Motorola DynaTAC. Cuando Kung Fury descubre que el atacante es Hitler —un tanto diferente del que recordamos de los libros de historia, habiéndose cambiado el nombre por el de Kung Führer— que ha regresado del pasado, solo puede recurrir al mejor hacker de todos los tiempos… Hackerman. Este informático pionero, conseguirá hackear el tiempo para que nuestro protagonista viaje a la Alemania de los años cuarenta y así poder acabar con el peligroso delincuente. Aunque un error de cálculo lo llevará a la era de los vikingos, poblada por laserraptors, por suerte ahí estará Thor para devolverlo al buen camino. 

A pesar del buen trabajo de todo el equipo, sobre todo de post-producción, sería un poco tonto intentar hablar sobre actores y resto del equipo, ya que no los conoce ni su madre, puede que su abuela sí, pero ya está. Simplemente mencionar que el director, guionista y protagonista, David Sandberg, consiguió tirar adelante el proyecto, no solo a su esfuerzo y el apoyo de algunas instituciones suecas —porque recordemos que esta película es de origen completamente sueco—, sino también gracias la participación de un gran número de mecenas que lo ayudaron vía crowdfunding, séase, micro-mecenazgo. Y la verdad, si fuera uno de ellos, me sentiría orgulloso de haber ayudado a crear esta locura. 

La verdad sea dicha es que parece como si Sandberg hubiera llevado a cabo la película que todos los adictos al cine hubiésemos querido hacer cuando éramos pequeños, con todo un batiburrillo de elementos, estupideces y personajes pasados de vueltas que nuestras mentes hubieran podido imaginar. 

Por ejemplo, y solo para empezar, el protagonista, Kung Fury, es el típico tipo duro que destrozará media ciudad para cumplir con lo que él llama, «su trabajo», y aún así, la bronca de su jefe por el despilfarro acabará convirtiéndose en una alabanza. Como no podía ser de otro modo, tiene chascarrillos para todos los momentos —aunque algunos parezcan forzados… pero ¿no lo eran en los ochenta?—, y todo tiende a explotar a sus espaldas mientras se marca un auténtico postureo. Siguiendo el estilo de los ochenta, sus orígenes están cargados de venganza y drama, en su caso, él era un policía que, años atrás, durante el cumplimiento del deber, mientras perseguía a un maestro del kung-fu que acabará con la vida su estimado compañero —al que consideraba como un padre, por supuesto—, le cayó un rayo al mismo momento que le mordió una cobra… Vamos, lo habitual para cualquier policía, ¿o no? 

Pero esto no se acaba aquí, para empezar el informático que le ayuda, Hackerman, es el estereotipo de cuando ser informático era cool, no como ahora, y en el que se daba rienda suelta con el… ¡Hacking time! Que es lo mismo que vamos a pulsar botones a lo loco a ver si algo funciona. Pero, espera, que incluso E=mc2 puede ser E=mc3, si nadie lo va a notar, y si funciona, no pasa nada. 

En su viaje al pasado, Kung Fury conseguirá nuevos aliados en las figuras de dos vikingas de lo más normales, la primera, Barbarianna —clara referencia a Conan— se pasea a lomos de un lobo gigante armada con una Gatling, mientras que su compañera, Katana, lleva una arma más pequeña pero monta a un auténtico dinosaurio. Además, Kung Fury contará con la ayuda del dios nórdico, Thor, que además de ser increíblemente grande es un todo un culturista, cuyos músculos chirrian al fruncirse, y cuyas primeras palabras son: «¡Fijaos en mis pectorales!». 

Y ya, para terminar, y rizar el rizo por completo, el nuevo compañero de Kung Fury no es otro que Triceracops, un triceratops parlante humanizado vestido con el típico uniforme de poli, toda una genialidad, pero no se dice aquello de que si quieres hacer algo todavía más incréible, pongas más dinosaurios, pues aquí está la prueba viviente. 

Dejando a parte unos más que aceptables efectos especiales —pasados de vueltas, pero bien buscados igualmente—, lo que más impresiona de esta película, como no podía ser de otra forma al tratarse prácticamente a un tributo, es el infinito número de referencias a elementos clave de la cultura popular de los ochenta, consiguiendo que, mientras la vemos, no dejemos de decir «Eso se parece a…» o «Mira, yo tenía uno de esos», etcétera, etcétera. Si es que cuando queremos, somos unos nostálgicos. 

Ya en los primeros minutos de Kung Fury veremos los clásicos radiocassettes metalizados enormes, los neones por todas partes y los juego arcade de las recreativas, pudiendo ver, entre otros, Asteroids, Space War, Track & Field, Donkey Kong o TRON. Y es que es un no parar, de esto pasamos a las escenas de acción absurdas, más de las películas ninjas de la época; además, como un guiño clarísimo a toda una generación, para saltar de una escena a otra, nos meten el «tracking» tan clásico de las cintas VHS, como si la calidad del video fallara, algo tan habitual en aquella época como la despixelación de hoy en día. A pesar de ser planteada como una película, Kung Fury se marca una intro al más puro estilo de El coche fantástico, El Equipo A o Corrupción en Miami, con la presentación de los personajes principales de la trama mientras se cruzan tomas de la serie. Pero es que incluso, cuando Kung Fury les da a las vikingas un teléfono portátil, lo hace como si fuera un anuncio, algo muy habitual en los ochenta, pero que no hace falta ir tan lejos para verlo, ya que hoy en día, entre lo de «Volvemos en 7 minutos» y los anuncios hechos con los actores de las series que estamos viendo, es más o menos lo mismo. ¡Ah! Por cierto, fijaos que el teléfono que les da Kung Fury a las chicas es el mismo que el de Doc Brown en Regreso al futuro… ¡Impresionante! Ya hacia el final, cuando Kung Fury cree estar en el cielo, David Sandberg se marca todo un tributo a las series de animación de aquella época, haciendo una combinación entre los clásicos animes, series del estilo de G.I. Joe o He-man, con la acción estúpida, los fondos lunares y las cobras. 

Estas son unas pocas, pero como podéis ver, Kung Fury está plagada de referencias, pero de entre todas ellas yo me quedo con la escena de lucha contra los soldados nazis. Con un fondo en movimiento pero con el que no se puede interactuar, el prota se enfrenta a una horda de nazis al más puro estilo de un videojuego beat’em up, en los que, en muchas ocasiones, no encajaba el golpe que se daba con la reacción de la víctima… Pero da igual, ya que viene con fatality incluido. 

Para ir terminando, mencionar lo que más me ha fascinado de esta película, es la impresionante banda sonora interpretada por todo un héroe televisivo de los ochenta… ¡David Hasselhoff! Que además de ser el Hoff9000 —dejando de ser Michael Knight para convertirse en su coche, KITT—, interpreta el tema principal de la peli, True Survivor. Y puede que me llaméis friki por esto pero es que la canción es buena y pegadiza. Os recomiendo que veáis el videoclip porque no tiene precio.

Y es que Kung Fury es la quintaesencia de los ochenta, si es que incluso su póster nos recuerda a los de Regreso al futuro, Los Goonies o Indiana Jones, simplemente increíble. Además, por si esto fuera poco, el final queda completamente abierto dejando entrever que aquí puede haber una segunda parte. Y aún hay más… ¡Se puede ver gratis por YouTube! Así que, ya sabéis, no os perdáis esta pequeña joyita que nos ha dejado el 2015.

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Una nueva manera de hacer anuncios ha llegado… ¿O es otra manera de hacer cine? Según se mire. Como cada verano, desde que en 2009 se descubriera esta forma diferente de preparar el anuncio del verano, Estrella Damm nos ha tenido pendientes de la televisión para descubrir su anuncio, llegando a superar en expectación al de las burbujas de Freixenet. Sin embargo, este año, tras ver como otras marcas de cerveza copiaban la fórmula, Estrella Damm ha querido dar un paso más allá, convirtiendo un simple anuncio en todo un cortometraje con todas las de la ley.

Para contarnos la importancia de una palabra tan sencilla pero tan común como es «vale», la marca de cervezas fichó a Alejandro Amenábar para que se hiciera cargo del guión y la dirección. Para llamar la atención del público, se contrató a Dakota Johnson, (Cincuenta sombras de Grey) y a Natalia Tena (Juego de Tronos, Saga Harry Potter). El reparto se completó con actores, por decirlo de alguna manera, «de la casa», como Quim Gutiérrez, Carles Francino, Patricia Valley, José Javier Domínguez y Francesc Garrido. El rodaje de Vale, que tuvo lugar en un absoluto secreto en Ibiza, se realizó en tres idiomas: catalán, castellano e inglés. De este modo, podemos ver escenas que se grabaron en catalán y castellano, otras solamente en inglés, y otras en castellano… ¡Qué grande que es el bilingüismo!… O el trilingüismo.

El resultado final de este experimento, punto medio entre el cine y la publicidad, es más que satisfactorio. Además de contar con el «buenrollísmo» propio de los anuncios de Estrella Damm, Vale nos demuestra que, si no se dijera el nombre de la marca, pasaría perfectamente como un corto como cualquier otro, demostrando que cualquier excusa es buena para hacer buen cine.

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