Podríamos hablar de Jackass: Best and Last que se estrena ahora en los cines de todo el mundo, pero esta nueva película no es más que un ejercicio de nostalgia tanto de los creadores como del público, que no por ello será aburrida o decepcionante, simplemente será un más de lo mismo, un broche de oro a más de un cuarto de siglo de golpes, bromas pesadas y situaciones incómodas que nos han hecho reír a todos, aunque nos cueste admitirlo.

Así pues, este artículo, más que una reseña al uso de la película en cuestión, es una reflexión sobre el fenómeno que revolucionó la televisión a principios del siglo XX. Lo sé, suena rimbombante para un programa basado en darse bofetadas sin ton ni son, pero es que Jackass formó parte de la MTV cuando esta era una televisión rompedora que a los padres no gustaba que vieras y muy alejada de los realities permisivos de Gandia Shore. En televisión fueron tres temporadas de bajo presupuesto que reunía a actores fracasados y gente del mundo del skate que se dedicaba a gastarse bromas y retarse a hacer acrobacias o desafíos estúpidos, además de las típicas secuencias de cámara oculta.

El argumento —si es que se puede llamar así— se podría resumir en un retahíla de Vídeos de Primera guionizados con el único fin de que nosotros, el público, nos partiéramos de risa ante todo tipo de situaciones. Y ya, no hay un hilo conductor, ni un mensaje, ni nada que esté enfocado a seguir una historia, son cortes más o menos breves de humor absurdo llevado a lo radical. Lo mismo sucedería en Jackass: Number Two, Jackass 3D y Jackass Forever, así como todos los productos derivados, que son unos cuantos. Es por ello que Jackass no es necesariamente una película o una serie, es un ente, un engendro diabólico, un enigma en el que a veces uno se pierde sin saber si es un corte del 2002 o de diez años más tarde.

A primera vista podríamos decir que no hay nada más que hablar, si te gustan los vídeos de trompazos, te miras las pelis, sino, pues no. Sin embargo, como decíamos, Jackass fue un producto de una época en el que la televisión se estaba renovando y ponía la vista en todo tipo de productos, y en este caso estaríamos casi en un género underground, rebelde o punk, adscrito a los deportes callejeros como el skate o la BMX, muy cercanos a la concepto de videojuego de Tony Hawk’s. Pero es que además, es un producto de genios, puede que no de los que estén frente a las cámaras dándose de lo lindo o sufriendo como idiotas —porque queda claro que muchos no tienen demasiadas luces—, pero sí de los que están detrás de las cámaras, con nombres propios como Spike Jonze, director de Como ser John Malkovich, El ladrón de orquídeas o Her, que se dice rápido. Y es que es una genialidad lograr que la gente pague una entrada al cine para ver esto, ya que se recurre al humor más básico —el gráfico y el slapstick clásico— renovado para las nuevas generaciones, ya que la humanidad se ha reído de las situaciones de sufrimiento ajeno desde los albores de la civilización. Sin ir más lejos, una de las primeras películas de los Hermanos Lumière fue El regador regado, en el que un tipo se mojaba por culpa de otro que le gastaba una broma con una manguera… ¿Podría ser un segmento de Jackass o no? Sí, pero el chorro debería ser de aguas fecales y seguro que encaja.

El caso es que después de un paso por la televisión, Jackass tuvo su momento culminante en esta película, la que, sin duda, les dio a conocer por todo el mundo, e hizo que algunos de ellos, como Johnny Knoxville, fueron rostros conocidos y vieran como sus carreras despegaran, dejando de ser meros desarrapados a auténticas estrellas televisivas, y solo por darse bofetadas, tirarse pedos o vomitar ante las cámaras. El reparto original al que dirigió Jeff Tremaine y que se mantuvo durante los primeros años, estaba formado por el mencionado Knoxville, pero también por Bam Margera —un skater profesional que estava casi a la altura de Tony Hawk en cuanto a popularidad en el mundillo—, Chris Pontius, Steve-O, Dave England, Ryan Dunn, Ehren McGhehey, Jason Acuña «Wee Man» y Preston Lacy, además de contar con cameos como el ya citado Hawk, Matt Hoffman o, incluso, Shaquille O’Neal, así como apariciones habituales de amigos y conocidos como el propio Spike Jonze o los padres de Margera. Vamos, que a pesar de todo, no eran un pringadetes con una cámara grabando vídeos de Youtube… bueno, sí que lo eran, pero con conexiones suficientes en la industria como para que MTV accediera a llevarlos a la gran pantalla y que Paramount les distribuyera una película. Lo dicho, una genialidad.

Ahora, veintitantos años más tarde, cascados por la edad, con achaques en todas partes y peinando muchas canas, todo el reparto al completo —salvo alguno que nos ha dejado por el camino—, regresan para un último baile por todo lo alto. Recordando lo mejor y subiendo el nivel, pero siendo plenamente conscientes que el patrón oro lo marcaron en 2002 y desde entonces lo único que se ha buscado es alcanzarlo y reproducirlo con más espectacularidad, pero la misma esencia que los hizo triunfar: no pensar en las consecuencias.

La película que se estrena ahora, sin haberla visto, es, con total seguridad, un producto para los nostálgicos —como un servidor— que vivieron el mejor momento de este grupillo de pirados y lo gozaron de lo lindo viéndolos cuando eran adolescentes… De repente, me siento viejo.

La entrada Jackass: The Movie (Jeff Tremaine, 2002) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Tras el final de su etapa en Paramount Pictures y convertidos ya oficialmente en los Hermanos Marx —sin el «cuatro», porque Zeppo había decidido bajarse del tren—, el grupo iniciaba una nueva etapa que, para muchos, sería la más brillante de su carrera. Y en el centro de todo estaba un nombre clave: Irving G. Thalberg.

La historia de cómo se cruzaron no podía ser más «marxiana»: en una de las muchas partidas de cartas en las que Chico solía participar —y no siempre salir ganando—, conoció a Thalberg, el prodigioso productor de la Metro-Goldwyn-Mayer. Este, decidido a demostrar —pese a la oposición de Louis B. Mayer— que podía hacer una gran comedia sofisticada y de éxito, vio en los Marx el material perfecto. El resultado fue Una noche en la ópera, una película que no solo relanzó su carrera, sino que redefinió su estilo.

La historia comienza en Milán, al final de la temporada de ópera, donde Otis B. Driftwood —un Groucho más afilado que nunca— intenta introducir a la rica señora Claypool en la alta sociedad. En medio de intrigas operísticas aparece Herman Gottlieb, director de la ópera de Nueva York, decidido a contratar al arrogante y divo tenor Rodolfo Lasparri. Pero, como es habitual, todo sale mal.

Por una serie de confusiones dignas de manual marxiano, Driftwood termina contratando a Riccardo Baroni, un joven y talentoso tenor que, además, está enamorado de Rosa Castaldi. El problema es que Rosa es también el objeto de deseo de Lasparri, que la ha convertido en su prima donna. Triángulo amoroso, rivalidad artística… y los Marx en medio. Nada puede salir bien.

Cuando todos se embarcan rumbo a América para iniciar la temporada de ópera, la situación se complica aún más: Riccardo, su agente Fiorello (Chico) y Tomasso (Harpo) viajan como polizones escondidos en el baúl de Driftwood. Sí, otra vez polizones. Porque si algo han aprendido los Marx es que viajar pagando está sobrevalorado. Y es entonces llega el momento que ha pasado a la historia: el legendario gag del camarote.

En esta escena —ya inmortal—, el pequeño camarote de un barco se convierte en un experimento de física imposible: Driftwood, tres polizones, dos fontaneros, dos doncellas, una chica de la manicura, una mujer buscando a su tía y varios camareros se van acumulando en un espacio cada vez más reducido… hasta que Margaret Dumont abre la puerta y todo explota hacia afuera como si la realidad hubiera decidido rendirse. Es, sin exagerar, uno de los gags más célebres de la historia del cine.

Naturalmente, el plan se tuerce. Driftwood pierde el favor de la señora Claypool y acaba prácticamente en la calle. Pero, junto a Fiorello y Tomasso, ideará un plan para darle la oportunidad a Riccardo de brillar y, de paso, recuperar su estatus.

Pero el éxito de Una noche en la ópera no se debe solo a momentos puntuales. Detrás hay un trabajo meticuloso que marcó una nueva forma de hacer comedia. Thalberg y los Marx introdujeron un método revolucionario: «medir las risas». Antes del rodaje, realizaron una gira teatral probando escenas y gags ante el público para ajustar tiempos, pausas y efectos. Si algo no funcionaba, se cambiaba. Si funcionaba demasiado rápido… se ralentizaba. El objetivo era claro: que ningún chiste se perdiera entre carcajadas. Este sistema no solo se aplicó aquí, sino que se repetiría en películas posteriores como Un día en las carreras, perfeccionando aún más su fórmula.

El resultado fue un éxito rotundo. Tras un rodaje de cincuenta y cinco días y un presupuesto que superaba el millón de dólares —una cifra considerable para la época—, la película se estrenó en noviembre de 1935 y, tal como había predicho Thalberg, arrasó en taquilla.

La crítica también respondió positivamente, aunque algunos señalaron que se había perdido parte de la anarquía salvaje de la etapa anterior, la de películas como Duck Soup. Y no les faltaba razón: aquí todo está más estructurado, más pulido, más «de estudio». Pero a cambio, la película gana en ritmo, claridad y, sobre todo, en alcance. Porque si las primeras películas de los Marx eran puro caos, Una noche en la ópera es caos… pero perfectamente afinado.

Además, la presencia de números musicales y un reparto de apoyo sólido aportan una dimensión más amplia, haciendo que la película funcione no solo como comedia, sino como espectáculo completo. El resultado final es, para muchos, la obra más emblemática de los Hermanos Marx. No necesariamente la más salvaje, pero sí la más equilibrada, la más accesible y, probablemente, la más influyente. Y por eso, cuando alguien pregunta por dónde empezar con los Marx, la respuesta suele ser clara. No por la primera. No por la más caótica. Sino por esta. Porque si hay una película capaz de hacerte entender —y disfrutar— todo lo que los Hermanos Marx podían ofrecer, esa es Una noche en la ópera. Y después de verla, lo más probable es que quieras subirte con ellos a ese camarote… aunque no quepas.

Si queréis descubrir más sobre la filmografía de los Hermanos Marx no os olvidéis de leer nuestro libro: Lo mejor de los Hermanos Marx en trece películas.

La entrada Una noche en la ópera (Sam Wood, 1935) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

A medio camino entre el heist film ligero y la comedia de enredos, la película cuenta la historia de Nicole Bonnet, hija de un falsificador de obras maestras que se ve obligada a robar una escultura —también falsa— para evitar que el fraude de su padre salga a la luz. En su cruzada la acompaña un supuesto ladrón profesional que, por supuesto, no es exactamente quien aparenta ser.

Vista hoy, más de medio siglo después, la película conserva un encanto indudable, aunque también deja ver las costuras propias de su época. No es una obra mayor dentro de la filmografía de Wyler —un director capaz de una profundidad moral abrumadora en otros títulos—, pero sí una pieza elegante y agradable que funciona sobre todo gracias al carisma de sus intérpretes.

Desde el punto de vista de la dirección, Wyler opta por la ligereza. La puesta en escena es limpia, sin excesos formales, con una cámara que observa sin imponerse. El París que retrata no es realista, sino estilizado: un escenario de lujo, museos y apartamentos refinados donde el delito carece de consecuencias verdaderamente graves. En ese sentido, la película no pretende reflexionar sobre la ética del fraude artístico ni sobre la falsificación como síntoma cultural; utiliza ese conflicto como motor narrativo, pero no lo explora con profundidad. Y ahí encuentro una de sus limitaciones: el dilema moral de Nicole podría haber dado lugar a una reflexión más incisiva sobre la verdad, la autenticidad y la identidad, pero el guion prefiere mantener el tono de comedia sofisticada.

El libreto está bien construido en términos de ritmo. La primera parte presenta con eficacia el problema —la inminente autentificación de la escultura— y establece el carácter protector y algo ingenuo de Nicole. La segunda mitad, centrada en el robo nocturno en el museo, es la más lograda: el suspense ligero, casi juguetón, se combina con diálogos ágiles y situaciones ingeniosas. Sin embargo, fuera de esa secuencia central, el relato pierde algo de tensión. Se intuye con demasiada facilidad el rumbo romántico de la historia, y el desenlace no ofrece sorpresas reales.

Las interpretaciones son, sin duda, el gran valor de la película. Audrey Hepburn sostiene el filme con una mezcla de fragilidad y determinación que siempre me ha parecido honesta. Nicole no es una heroína audaz, sino una mujer que actúa por lealtad y amor filial, y Hepburn consigue que su conflicto interior —aunque el guion no lo profundice del todo— tenga peso emocional. Peter O’Toole, por su parte, aporta ironía y una masculinidad elegante, nunca agresiva, que equilibra la química entre ambos. Sus diálogos están llenos de dobles sentidos y silencios cómplices; no es una pasión arrebatada, sino una seducción pausada, casi lúdica.

En los aspectos técnicos, la fotografía destaca por su luminosidad y por el uso refinado del color, que subraya el lujo y la sofisticación del entorno. El vestuario —inolvidable en el caso de Hepburn— no es un mero adorno: construye el personaje, lo sitúa en un mundo de apariencias donde todo es bello y, sin embargo, no necesariamente auténtico. La música acompaña sin imponerse; cumple su función de sostener el tono ligero, aunque no deja una huella emocional duradera.

Lo que más me interesa es que, en el fondo, habla de la autenticidad: de obras de arte falsas que el mundo admira como verdaderas, y de personas que se presentan bajo identidades fingidas. Sin embargo, la conclusión es más romántica que ética: lo auténtico no es la obra ni el prestigio social, sino el sentimiento que surge entre los protagonistas. Es una idea amable y reconfortante, pero algo superficial. Echo de menos una mirada más crítica hacia el mundo que retrata, un cuestionamiento más profundo de esa sociedad que venera lo falso mientras ignora la verdad.

Aunque no alcanza una hondura emocional comparable a los grandes dramas románticos que tanto me conmueven, posee una elegancia y un encanto difíciles de negar. Es una película que se disfruta, que ofrece interpretaciones memorables y una atmósfera cuidada, pero que no termina de trascender su premisa ligera. Al final, me quedo con la sensación de haber visto un juego bien ejecutado, una fantasía sofisticada que celebra el ingenio y el amor sin adentrarse demasiado en las sombras. Y quizá no todas las historias estén obligadas a hacerlo. A veces el cine también puede ser eso: un espacio donde la belleza y el ingenio nos recuerdan que, incluso en un mundo de apariencias, la conexión humana sigue siendo lo único verdaderamente valioso.

La entrada Como robar un millón y… (William Wyler, 1966) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Jacques Tati es, en muchos sentidos, un arquitecto del desconcierto. En Playtime (1967), su obra más ambiciosa y radical, construye no solo una película sino un universo donde la modernidad se convierte en una trampa de vidrio, acero y reflejos. Este film, que desafía toda noción tradicional de narrativa y comedia, funciona como una sinfonía visual sobre el caos ordenado de la vida contemporánea. Su precisión formal y su ironía silenciosa lo convierten en una de las obras maestras más singulares de la historia del cine.

La trama, si puede llamarse así, es mínima: Monsieur Hulot —figura habitual del cine de Tati— deambula por un París ultramoderno en el que los espacios parecen diseñados más para impresionar que para ser habitados. Oficinas, ferias comerciales, aeropuertos, apartamentos y restaurantes se suceden con una lógica coreográfica más cercana a la música que al drama. No hay conflicto central, ni evolución psicológica de personajes: Playtime observa, con una distancia cómica pero profundamente humana, el absurdo del progreso tecnológico y la homogeneización de la vida urbana.

Lo primero que asombra en Playtime es su monumental construcción. Tati mandó erigir un set completo —conocido como “Tativille”— que replicaba un París del futuro hecho de acero, vidrio y geometría. Este entorno, más que un escenario, es el verdadero protagonista. Los personajes, reducidos a figuras que se desplazan con torpeza entre puertas automáticas y pasillos interminables, parecen juguetes atrapados en una maqueta. La escala arquitectónica se impone sobre la escala humana: una metáfora perfecta de la alienación moderna.

El trabajo visual es minucioso hasta el delirio. Tati rechaza los primeros planos y el montaje convencional: la cámara se mantiene siempre a distancia, permitiendo que múltiples acciones ocurran simultáneamente en el mismo encuadre. Este recurso convierte cada plano en un microcosmos de gags visuales, donde el espectador elige dónde posar la mirada. Es un cine que exige atención activa, que confía en la inteligencia del público. La comedia, lejos del golpe de efecto, surge del ritmo, del espacio y de la observación precisa del comportamiento humano.

El sonido, por su parte, es un prodigio de diseño. Tati prescinde casi por completo del diálogo articulado; las palabras se diluyen en murmullos y ecos, como si el lenguaje mismo hubiera perdido sentido en un mundo dominado por la tecnología. Los ruidos —el chirrido de las puertas, el zumbido de los neones, el tintineo de los vasos— adquieren protagonismo cómico y poético. En ese paisaje acústico, cada sonido tiene una función narrativa y simbólica.

A medida que la película avanza, Playtime se transforma. Lo que empieza como una sátira del funcionalismo y la deshumanización urbana deriva, en su último acto, hacia una especie de carnaval liberador. La secuencia del restaurante, que ocupa casi un tercio del metraje, es un estallido de caos controlado: un espacio elegante que se descompone lentamente hasta volverse festivo. Allí, la rigidez moderna cede ante la espontaneidad y la risa; la humanidad recupera su lugar entre los escombros del diseño perfecto. Es una de las escenas más magistrales de toda la historia del cine, una danza de desorden que encierra una esperanza discreta: que incluso en la modernidad más fría aún puede florecer la vida.

Tati logra un equilibrio casi imposible entre crítica y ternura. Nunca ridiculiza a sus personajes; los observa con compasión, como un antropólogo del absurdo. Su mirada, profundamente humanista, evita el cinismo. Playtime no condena la modernidad, sino que la contempla como un fenómeno fascinante y a la vez risible, lleno de belleza y desorientación. En su precisión técnica y su poesía visual, el film anticipa preocupaciones contemporáneas sobre la uniformidad global y la pérdida de identidad cultural.

Más que una película, Playtime es una experiencia sensorial y filosófica: un viaje a través de la forma, el movimiento y la percepción. Su aparente frialdad esconde un humor delicado, una melancolía profunda y una fe inquebrantable en la posibilidad de redescubrir la humanidad entre las superficies reflectantes.

Una obra maestra de la observación y el detalle, que sigue desafiando al espectador más de medio siglo después. Playtime no envejece: simplemente se vuelve más relevante con cada ciudad de cristal que construimos.

La entrada Playtime (Jacques Tati, 1967) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Aprovechando estas fechas tan importantes en los calendarios de todos, quiero reflexionar sobre aquellas película no solo ve, sino que se reencuentra con ellas. Solo en casa (1990), dirigida por Chris Columbus y escrita por John Hughes, es exactamente eso. Una comedia familiar navideña que, vista desde la infancia, era una fantasía de independencia absoluta, y revisitada desde la adultez, se revela como algo más: una fábula sobre la soledad, el ingenio y el deseo universal de ser escuchado.

Debo confesar que Solo en casa sigue funcionando para mí porque, en el fondo, es una película de supervivencia doméstica, casi un “home invasion” suavizado por el humor slapstick. Kevin McCallister no es solo un niño olvidado: es un pequeño estratega enfrentado a amenazas reales… aunque torpemente humanas.

La historia es tan simple como brillante: Kevin, el menor de una familia numerosa y caótica, es olvidado accidentalmente en casa durante las vacaciones de Navidad. Lo que podría haber sido un drama infantil se convierte en una comedia de ingenio cuando Kevin descubre dos cosas: que está solo… y que dos ladrones planean entrar en su casa. A partir de ahí, la película se transforma en un juego de escalada donde la imaginación infantil vence a la incompetencia adulta.

El gran mérito del guion de John Hughes está en cómo equilibra el humor físico extremo con una base emocional sorprendentemente sólida. Kevin no es solo un niño listo: es un niño herido, constantemente infravalorado, que cree que su deseo de “no tener familia” se ha cumplido como castigo. Esa lectura emocional es clave para que la película no se limite a una sucesión de golpes y trampas.

En cuanto a los personajes, Kevin McCallister (interpretado por un joven Macaulay Culkin en estado de gracia) es un icono cultural por una razón. No es empalagoso ni artificialmente adorable: es sarcástico, inteligente, un poco cruel… y completamente humano. Culkin consigue que empaticemos con él incluso cuando se comporta como un pequeño sociópata en potencia.

Los ladrones, Harry y Marv, funcionan como antagonistas perfectos: caricaturescos, torpes y exagerados hasta el límite del cartoon. Desde una mirada adulta, es imposible no pensar que esta película, sin humor, sería puro terror. Pero precisamente ahí está su genialidad: convierte la violencia en coreografía cómica, casi como una película de acción exagerada para todos los públicos.

Técnicamente, Solo en casa está dirigida con una claridad admirable. Chris Columbus entiende el ritmo del gag visual y la progresión de la tensión: cada trampa es más elaborada que la anterior, cada golpe más absurdo. La puesta en escena de la casa es esencial: el hogar se convierte en un campo de batalla, un laberinto de objetos cotidianos transformados en armas improvisadas. Para alguien que disfruta del cine de acción y del terror, esta secuencia final es puro placer narrativo.

La banda sonora de John Williams merece mención aparte. Eleva la película a algo casi mágico, envolviéndola en un tono navideño que evita que el caos se vuelva cínico. Gracias a la música, Solo en casa nunca pierde su calidez, incluso cuando está lanzando ladrillos desde una escalera.

¿Tiene defectos? Claro. Vista hoy, la ausencia total de consecuencias físicas para los ladrones es ridícula (nadie sobrevive a eso). Algunos secundarios familiares rozan la caricatura. Pero honestamente, nada de eso resta fuerza al conjunto: la película sabe perfectamente lo que es y no pretende ser otra cosa.

Revisitar Solo en casa siendo adulta es una experiencia curiosa: sigues riéndote, sigues anticipando cada trampa… pero ahora conectas más con la soledad de Kevin que con su travesura. Es una película que funciona en varios niveles y que, sin proponérselo, ha envejecido como un clásico moderno.

Estamos ante una película prácticamente perfecta dentro de su género. Es divertida, ingeniosa, emocionalmente honesta y culturalmente imborrable. No alcanza el cenit de obra maestra solo porque su impacto depende en parte del factor nostalgia, pero incluso despojada de ella, sigue siendo una obra de comedia extraordinariamente bien construida.

Solo en casa no es solo una película navideña: es una fantasía infantil, una comedia de acción disfrazada y una historia sobre sentirse pequeño en un mundo que no siempre escucha. Y eso, sinceramente, nunca pasa de moda. Y, por cierto…

¡Feliz Navidad de parte de todo el equipo de LASDAOALPLAY!

La entrada Solo en casa (Chris Columbus, 1990) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

The Naked Gun (o Agárralo como puedas porque en España somos así) posiblemente sea uno de esos remakes que nadie pedía, pero que Hollywood insistió en sacar adelante porque la nostalgia siempre mueve montañas. Y oye, al final tampoco salió tan mal. La película es entretenida, simpática y tiene momentos que funcionan, pero no me dejó con la mandíbula desencajada como lo hizo la original. Y esto no es tanto culpa de la película en sí como del peso del legado que arrastra. Rebootear a Frank Drebin es como intentar rehacer un chiste perfecto: puedes contarlo igual, pero jamás va a sonar igual.

Liam Neeson hace un trabajo más que digno. En serio, el tío se lo curra. Tiene el gesto serio, tiene la mirada de “estoy a punto de meter la pata aunque no me dé cuenta”, y se entrega al humor físico con una convicción que sorprende. Es evidente que respeta el material y que disfruta del juego. Pero claro… Leslie Nielsen era otra cosa. Ese hombre tenía un carisma absurdo, una inocencia casi infantil mezclada con un rostro impenetrable que convertía cualquier tontería en oro puro. Neeson imita la fórmula, pero no logra ese efecto hipnótico que Nielsen tenía sin esfuerzo. No es culpa suya; es que Nielsen era único.

Y se nota que la película intenta equilibrar el respeto por la trilogía original con un humor adaptado a estos tiempos. Ahí es donde empieza a cojear un poco. El humor absurdo necesita libertad, necesita descaro, necesita poder tirar un par de chistes picantones sin pedir perdón cada dos minutos. En la peli original había un atrevimiento delicioso, una picardía que hoy sería carne de trending topic indignado. Aquí todo está un poco más filtrado, más soft, más “no vayamos a meternos en líos”. El resultado es un humor más blanco, más controlado, y aunque hay gags buenos, no tienen esa chispa salvaje de antes.

Aun así, hay cosas que funcionan muy bien. Cuando la película se deja llevar por el absurdo visual, los juegos de palabras tontos y las situaciones ridículas que se estiran hasta lo imposible, ahí sí se siente ese toque que uno tanto echa de menos. Hay un par de escenas realmente divertidas. Pero son destellos, no una constante como en las originales.

Sobre Pamela Anderson, me sorprendió para bien. Le da un toque divertido, se nota que está disfrutando, y la química con Neeson es real. Aporta luz, aporta ritmo y ayuda a que la peli tenga un poco más de frescura. Pero de nuevo, por muy bien que funcione el conjunto, falta esa energía descacharrante que hacía que todo en las originales pareciera improvisado por un grupo de genios del chiste absurdo.

En definitiva, The Naked Gun de 2025 es una comedia correcta, bien llevada, que respeta a la original sin destrozarla y que ofrece un buen rato. Pero no es un regreso glorioso al humor que marcó una era. Es más bien una actualización amable, algo más descafeinada, que intenta replicar un estilo que sencillamente ya no encaja del todo en la cultura actual.

Pero oye, también tiene su mérito: al menos no han masacrado la franquicia. Y eso, viendo cómo van los reboots últimamente, ya es para celebrarlo.

La entrada Agárralo como puedas (Akiva Schaffer, 2025) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

En su duodécimo largometraje como director –y copartícipe del guion– Wes Anderson regresa al terreno que mejor conoce: un mundo estilizado hasta el exceso, poblado de familias disfuncionales, magnates excéntricos y un diseño visual que bordea lo pictórico. En La trama fenicia (original The Phoenician Scheme) Anderson aborda un relato de espionaje, herencia, poder y redención, centrado en el magnate europeo Zsa-Zsa Korda (Benicio del Toro) y su hija Liesl (Mia Threapleton), novicia que se ve forzada a entrar en el negocio familiar.

Desde el arranque, la película deja claro que el verdadero protagonista no es tanto la trama de espionaje (intentos de asesinato, conspiraciones, negocios turbios) sino el universo visual y simbólico que Anderson despliega con precisión obsesiva. Las simetrías, la paleta de colores pastel, los decorados que parecen maquetas funcionales, el ritmo suave pero incesante: todo remite a ese imaginario propio del autor.

El guion se articula en capítulos casi autónomos, como viñetas que amplifican el sentido de fragmentación familiar y moral. Korda, que ha amasado su fortuna gracias a influencias, chantajes y un mundo de lujos, se enfrenta a la decisión de dejar su imperio a una hija con la que apenas ha construido vínculo humano. El juego entre padre e hija –resistencia, desafío, proximidad progresiva– es el corazón emocional de la cinta.

Anderson, fiel a su estilo, vuelve a privilegiar lo estético sobre lo narrativo: cada plano es un festín visual. Un detalle lo dice todo: el rosario de Liesl fue diseñado por la casa Cartier –un objeto casi escultórico, con una cruz de 5,5 cm para que luzca “como parte de la escenografía” más que como mero accesorio. Esta concreción formal refleja la obsesión del director por el decorado como personaje: los interiores, los pasillos, los viajes en avión, las reuniones de empresarios, todos parecen escenas detenidas de una gran maqueta viviente.

El reparto, como es habitual, es tan deslumbrante como voluminoso: además de Del Toro y Threapleton, figuran nombres como Michael Cera, Tom Hanks, Scarlett Johansson, Benedict Cumberbatch, Bill Murray, entre muchos otros. Pero, en un giro interesante, Anderson reduce la coralidad tradicional de sus últimos trabajos para centrarse más íntimamente en los tres personajes principales (Korda, Liesl y Björn, el tutor de ella interpretado por Cera). Esta decisión se siente doblemente acertada: por una parte reduce cierta dispersión; por otra, invita a una mirada más concentrada sobre el vínculo familiar y la identidad familiar resquebrajada.

La trama fenicia une dos obsesiones recurrentes en el cine de Anderson: la familia como sistema roto y el capitalismo como juego moral. Korda es una figura de poder que ha construido su imperio en la opacidad; la hija novicia representa un contrapunto espiritual que lo fuerza a mirar más allá del beneficio inmediato. El trasfondo de espionaje y traiciones es el vehículo, pero el eje es la reivindicación del vínculo humano en un mundo dominado por estructuras impersonalizadas. Algunos críticos han señalado que el film es “el mejor Anderson desde El gran hotel Budapest”, precisamente porque consigue que el guion tenga un cuerpo más definido que en sus trabajos recientes.

Sin embargo, esta obra no está exenta de críticas: se le ha reprochado que, a pesar de su virtuosismo formal, carece del “punch” emocional de sus clásicos y que esos universos tan contenidos y estéticos pueden resultar fríos o demasiado autorreferenciales. En ese sentido, el resultado es una cinta que satisface a los fans del autor —ofreciendo todas sus señas de identidad— pero que, quizá, no logra romper del todo con las expectativas y dejar una huella narrativa que trascienda su propia forma.

En conclusión, La trama fenicia es un retorno vigoroso de Wes Anderson a su zona de confort, con un equilibrio más fino entre forma y fondo que en sus últimos trabajos. Su inteligencia visual sigue siendo irreprochable; su melancolía latente, perceptible; su mundo, cuidadosamente construido. Y aunque no revoluciona el universo andersoniano, sí lo reafirma con elegancia. Una película que confirma que Wes Anderson sigue siendo un cineasta único y que proponerse reinventarse tal vez fue menos importante que afinar su propio estilo.

La entrada La trama fenicia (Wes Anderson, 2025) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

In the Loop es una sátira política mordaz dirigida por Armando Iannucci, que combina humor inteligente y británico con la intrincada y a menudo absurda realidad de la política internacional. Esta obra imparable te hará reír mientras te muestra que, para algunos, la política actual no es más que un juego.

Una guerra en Oriente Medio está a punto de estallar, y las naciones involucradas comienzan a tomar partido. Sin embargo, antes de que británicos y estadounidenses se decidan, deben reunirse para discutir sus posiciones. En ambos países hay partidarios y detractores de la guerra, incluidos algunos militares que se oponen a ella. Entre los personajes más controvertidos se encuentra Simon Foster (Tom Hollander), un ministro británico que, tras hacer una declaración imprudente en una entrevista, desencadena una cadena de situaciones absurdas que afectan los planes de los mandatarios. Lo que sigue es una serie de maniobras políticas y enredos burocráticos que reflejan el caos y la ineficacia del proceso de toma de decisiones gubernamental.

In the Loop ha sido aclamada por su capacidad para mostrar sin complejos los entresijos de la política militar occidental. La película utiliza un tono sarcástico que roza el exceso, pero que resulta completamente necesario para que las situaciones absurdas que se presentan parezcan menos increíbles y, al mismo tiempo, alivien la crudeza de un tema tan serio como la guerra. Con un estilo de falso documental, Iannucci logra capturar la esencia de las interacciones políticas y la burocracia gubernamental, haciendo que el espectador se sienta como un testigo privilegiado de estos eventos.

Armando Iannucci, conocido por su trabajo en series televisivas como The Thick of It, debuta en el cine con maestría en el manejo del humor típicamente británico. El guion, coescrito por Iannucci, Jesse Armstrong, Simon Blackwell y Tony Roche, es una obra de arte en sí misma, repleta de diálogos rápidos, ingeniosos y llenos de sarcasmo. La aguda observación de la política y la sociedad contemporánea se combina con un humor oscuro y satírico, lo que resulta en una película que es tanto divertida como reveladora.

El reparto de In the Loop es excepcional. Tom Hollander y James Gandolfini, conocidos por sus papeles en Piratas del Caribe y Los Soprano respectivamente, ofrecen actuaciones sobresalientes que capturan la esencia de sus personajes. Sin embargo, no opacan al resto del elenco, que incluye a talentos como Peter Capaldi, quien interpreta al irascible y soez Malcolm Tucker. Capaldi roba el espectáculo con su humor punzante y su capacidad para lanzar una ráfaga de palabras soeces por segundo. Otros actores notables son Chris Addison, Gina McKee, y David Rasche, quienes aportan profundidad y complejidad a sus roles.

A pesar de haber pasado desapercibida para el gran público, In the Loop ha sido una de las películas más aclamadas por la crítica en los últimos años. La película ha sido elogiada por su audaz representación de la política militar occidental y su tono sarcástico. Su capacidad para reflejar la realidad de la política contemporánea de una manera accesible y entretenida la convierte en una obra maestra del género satírico.

Con su enfoque documental, In the Loop presenta cómo se llega a la guerra y por qué, sin necesidad de mostrar campos de batalla. Esto da lugar a una serie de extrañas situaciones que resaltan la ironía y el absurdo de la política internacional. En términos de estilo y contenido, la película es comparable a series como El ala oeste de la Casa Blanca, pero con un tono mucho más irreverente y mordaz. In the Loop no solo nos hace reír, sino que también nos muestra la crudeza con la que se tratan ciertos temas de importancia mundial.

En conclusión, In the Loop es una comedia política redonda que brilla por su ingenioso guion, sus actuaciones memorables y su aguda crítica social. Es una obra que merece ser vista y apreciada, tanto por su valor humorístico como por su incisiva reflexión sobre la política contemporánea.

La entrada In the Loop (Armando Iannucci, 2009) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Eddie el Águila es una película biográfica y de comedia dramática que narra la inspiradora historia de Michael Edwards, más conocido como Eddie el Águila. Eddie Edwards es el saltador de esquí más famoso en la historia del Reino Unido. La película, dirigida por Dexter Fletcher, es protagonizada por Taron Egerton en el papel de Eddie Edwards y Hugh Jackman como su entrenador, Bronson Peary.

La película sigue la vida de Eddie Edwards desde su infancia en Cheltenham, Inglaterra, donde sueña con convertirse en atleta olímpico a pesar de sus problemas de movilidad y su falta de habilidades naturales para los deportes. A lo largo de los años, Eddie se enfrenta a innumerables obstáculos y rechazo, pero su perseverancia y determinación nunca flaquean. Después de probar suerte en varios deportes sin éxito, Eddie decide enfocarse en el salto de esquí, una disciplina prácticamente olvidada en Gran Bretaña. Con la ayuda de Bronson Peary, un ex campeón de saltos convertido en alcohólico y encargado de mantenimiento en un centro de entrenamiento en Alemania, Eddie comienza a entrenar y perfeccionar sus habilidades. Peary, aunque inicialmente reacio a entrenar a Eddie, se ve inspirado por su determinación y se convierte en su entrenador y mentor. Juntos, se embarcan en una odisea llena de desafíos, incluyendo la falta de recursos, el escepticismo de la comunidad deportiva y la presión de las competiciones. A pesar de las dificultades, Eddie logra clasificarse para los Juegos Olímpicos de Invierno de Calgary 1988, donde su espíritu indomable y su carisma lo convierten en una sensación mediática y en un héroe improbable.

Taron Egerton ofrece una interpretación conmovedora y carismática de Eddie Edwards, capturando su espíritu optimista, su ingenuidad y su inquebrantable determinación. Egerton logra transmitir la esencia de Eddie, haciéndolo entrañable y auténtico. Hugh Jackman, por su parte, aporta su carisma y presencia escénica al papel de Bronson Peary, un entrenador rudo pero con un corazón de oro. La química entre Egerton y Jackman es palpable y añade una capa adicional de emoción y profundidad a la película. Otros actores destacados incluyen a Jo Hartley y a Keith Allen como los padres de Eddie, quienes ofrecen actuaciones sólidas y emotivas.

Dexter Fletcher dirige la película con un enfoque honesto y sincero, evitando los clichés y exageraciones típicas de las películas deportivas. La dirección de Fletcher es dinámica y envolvente, logrando mantener el equilibrio entre el humor y el drama a lo largo de la narrativa. El guion, escrito por Sean Macaulay y Simon Kelton, captura la esencia de la historia de Eddie y transmite su mensaje de perseverancia y superación personal de manera efectiva. Los diálogos son ágiles y emotivos, y la película consigue conectar con el público a nivel emocional.

Eddie el Águila es una película que celebra la perseverancia, la determinación y el espíritu humano. A través de la historia de Eddie Edwards, la película transmite un mensaje poderoso sobre la importancia de nunca rendirse y seguir luchando por los sueños, sin importar cuán inalcanzables puedan parecer. La película también destaca la importancia de la amistad y el apoyo mutuo en la consecución de los objetivos. El viaje de Eddie es un testimonio de cómo la pasión y la dedicación pueden superar cualquier obstáculo, y su historia inspira a los espectadores a perseguir sus sueños con valentía y determinación.

La cinematografía de la película, a cargo de George Richmond, es impresionante y captura de manera efectiva la majestuosidad y el peligro de los saltos de esquí. Las secuencias de salto están filmadas con gran habilidad, transmitiendo la tensión y la emoción del deporte. La banda sonora, compuesta por Matthew Margeson, complementa perfectamente la narrativa y añade una capa adicional de emoción a la historia. La película también utiliza una combinación de efectos prácticos y CGI para recrear los saltos y las competiciones, logrando un resultado visualmente impactante y realista.

Eddie el Águila ha sido bien recibida por la crítica y el público. La película ha sido elogiada por las actuaciones de Egerton y Jackman, así como por la dirección de Fletcher y el guion inspirador. Aunque algunos críticos han señalado que la película recurre a ciertos tópicos del género de superación, la mayoría coincide en que Eddie el Águila logra su objetivo de conmover y entretener al público. La historia de Eddie Edwards resuena con los espectadores, y la película se ha convertido en un símbolo de perseverancia y esperanza.

Eddie el Águila es una película emotiva y divertida que ofrece una historia inspiradora de superación personal y perseverancia. Con actuaciones destacadas, una dirección sincera y un guion equilibrado, la película se erige como una de las mejores del género de biografías deportivas. Es una película que tocará el corazón de los espectadores y les recordará la importancia de seguir luchando por sus sueños, sin importar las dificultades. La historia de Eddie Edwards es un testimonio de cómo el espíritu humano puede superar cualquier obstáculo, y Eddie el Águila captura esa esencia de manera hermosa y conmovedora.

La entrada Eddie el Águila (Dexter Fletcher, 2016) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Cuando pensamos en los años 90 y en comedias que dejaron huella, Ace Ventura aparece sí o sí en la lista. Esta peli no solo es un festival de humor absurdo, sino que fue el trampolín definitivo para convertir a Jim Carrey en una superestrella. De hecho, Ace Ventura es Jim Carrey desatado, y eso es justo lo que la hace tan inolvidable.

El argumento de la peli es simple, han secuestrado al delfín mascota del equipo de fútbol americano Miami Dolphins, y Ace es contratado para encontrarlo. Suena ridículo porque lo es. Pero eso no importa. La historia es solo una excusa para meter a Ace en todo tipo de situaciones absurdas: hablando con el trasero, colándose en fiestas, haciendo interrogatorios tan ridículos como geniales, o fingiendo estar loco en un manicomio (una escena que es puro oro cómico).

Por supuesto, el protagonista absoluto es Jim Carrey. Este papel fue su carta de presentación al mundo y cambió las reglas del juego para las comedias de su época. Después de Ace, el “estilo Carrey” —esa mezcla de locura, elasticidad facial y humor sin filtro— se volvió una marca registrada. Es uno de esos personajes que te gusten o no, no puedes olvidar.

La película es tan absurda como divertida. Lo curioso es que, a pesar de su tono desenfrenado, mantiene un ritmo que no decae. Es una comedia física y rápida, con escenas que parecen casi sketches encadenados por una línea narrativa mínima, pero suficiente para sostener la historia.

Desde una perspectiva cultural, Ace Ventura capturó perfectamente el espíritu irreverente de los 90s, estableciendo un tipo de comedia física que influyó en toda una generación de actores cómicos. Su impacto en la cultura popular es innegable, convirtiendo frases y gestos del protagonista en referencias icónicas de la época.

En resumen, Ace Ventura: Un detective diferente es un clásico de la comedia noventera. Exagerada, absurda, con momentos que hoy pueden hacerte levantar una ceja, pero que también tienen un ritmo y una creatividad que muchas comedias actuales envidiarían. Es imposible hablar de los años 90 sin hablar de Ace. Y es imposible hablar de Ace sin hablar de Jim Carrey, el alma total de la película.

Si nunca la viste, prepárate para una experiencia sin filtros. Si ya la viste, probablemente recuerdes frases, gestos y escenas que todavía hoy te hacen reír. Porque eso es lo que tienen las grandes comedias: sobreviven al tiempo, aunque sea por la fuerza bruta del talento.

La entrada Ace Ventura, un detective diferente (Tom Shadyac, 1994) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Claude Verneuil y su esposa Marie son el matrimonio perfecto, al menos desde su punto vista, católicos, tradicionales, con una gran finca en el campo, donde han educado a sus cuatro hijas con lo mejor que podría soñar cualquier francés de pura cepa que se precie. Sin embargo, cuando estas crezcan no se casarán con los yernos soñados por ellos, ya que estos serán David, un judío, Rachid, un árabe y Chao, un chino, que si bien las hacen felices, chocan culturalmente con el gaulismo de Claude y el catolicismo de Marie que han llegado a un punto irreconciliable, hasta el punto que estarán largas temporadas sin verse. Pero, cansada de todo esto, Marie dará un paso adelante para la reconciliación, con la esperanza de tener un familia “variada” pero unida, por ello organizará una cena de Navidad perfecta, en la que tanto su marido como sus yernos parecen estar de buenas y todos ellos harán las paces de la manera más idílica con la que podría haber soñado Marie. Pero su hija pequeña, Laure les dará una mala noticia, va a casarse con Charles un católico negro de Costa de Marfil, cuya familia tampoco está muy de acuerdo que su hijo se case con una blanca de provincias.

Como se puede ver por la premisa alrededor de la que se articula toda la trama, estamos ante lo que parece uno de esos chistes tan inapropiados que hoy en día ya han quedado atrás. Aunque la cinta se estrenó hace diez años, ya en ese momento fue un riesgo tratar este tema tan peliagudo como las diferencias culturales vistas desde los prejuicios, ya que hubiera podido provocar un rechazo absoluto por parte de todo el mundo al recurrir a chistes tan manidos como los de los judíos, los árabes, los asiáticos y los negros… vamos que hubiera podido ser un desastre. Sin embargo, dentro de lo “inapropiado” se hace un humor con bastante buen gusto y sin caer en lo fácil ni en el exceso. Además, aunque no se diga abiertamente, los blancos también reciben de lo bueno, sobre todo al estar representados por un personaje tan anacrónico como el de Claude Verneuil, interpretado magistralmente por un Christian Clavier que está en su salsa. De este modo se pasa de algo inapropiado y que roza el insulto a algo simplemente descarado y afortunadamente irreverente. En pocas palabras, esta peli juega muy cerca de la línea roja, rozándola en ocasiones, incluso jugueteando con el riesgo, pero sin llegar a cruzarla en ningún momento. Lo cierto es que se basa en un humor muy simple, pero al saber tratar con él, logra que empaticemos tanto con la historia que se nos cuenta como con los personajes que nos presenta, ya que ¿quién no tiene sus diferencias con su familia política?

Philippe de Chauveron escribe y dirige una peli que podría haberse quedado en el chiste fácil pero que cosechó un éxito jamás visto tanto dentro como fuera de Francia, con varias adaptaciones así como tres secuelas que han seguido ofendiendo de buena manera a cualquiera de piel fina que se atreviera a verla. Para ello, además de valerse de un Christian Clavier que recupera su mejor forma en el papel de padre de las novias, tiene un buen elenco en el que apoyar esta historia fácil pero complicada a la vez, desde Chantal Lauby como su esposa Marie, así como su futuro consuegro Pascal N’Zonzi; pero los que realmente se llevan el gato al agua son el trío de yernos formado por Ary Abittan, Medi Sadoun y Frédéric Chau, ya que juegan a algo realmente peligroso al asemejarse a los viejos chistes de “entran un judío, un árabe y un chino en un bar…”, y, a la vez, nos muestran como pueden conectar culturas tan dispares, pero, que en realidad, no lo son.

Así pues, a pesar de una historia de base peliaguda que podría herir muchas sensibilidades, al reunir un buen guion con una trama simpática y sincera y un reparto más que acertado, el resultado final es una comedia ligera y sencilla que nos hará pasar un buen rato y nos hará reír de esas cosas que no deberíamos reírnos… pero que al final nos hacen gracia en la intimidad.

La entrada Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho? (Philippe de Chauveron, 2014) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

La familia de Paula vive en una pequeña localidad francesa en la que se dedican a cuidar de una granja de la que viven todos ellos, y, como cualquier adolescente, mantiene cierto tira y afloja con sus padres y su hermano mayor… sin embargo, la familia Bélier tiene una peculiaridad que hace que la vida de Paula no sea tan sencilla como la de cualquiera de sus compañeras y amigas, ella es la única que no sufre de sordera. Esto la convierte en la intérprete de todos ellos, desde simples conversaciones en una tienda, a incómodas visitas con el médico de familia. A pesar de todo, es el día a día de todos ellos, por lo que lo capean como pueden, pero todo da un giro cuando el maestro de música de Paula descubre sus dotes como cantante y la encamina a presentarse a un concurso, algo que su familia no comprenderá ya que, debido a su sordera, para ellos la música solo son vibraciones que pueden sentir con el tacto.

Como sucede en las comedias francesas recientes, a pesar de lo fácil que sería contar una retahíla de chistes malos sobres sordos, se busca el guiño humorístico en las situaciones comunes llevadas al extremo, como la susodicha visita al médico en la que una hija debe hablar sobre la vida sexual de sus padres, para generar humor a partir de contextos que, en la realidad, serían completamente atormentadores. Este humor más agradecido, menos cruel, y que busca que empaticemos y no la burla, siempre va atado a una historia muy tierna, íntima y tremendamente lacrimógena que empieza con una premisa en apariencia secundaria, pero que va siendo cada vez más fuerte hasta que todo gira a su alrededor. En este caso, es la relación entre la música y la comunidad sorda y como esto puede quedar alejada, haciendo que gente en la situación de Paula se sienta aislada.

Para llevar a cabo tremenda historia, muy peliaguda como veremos, Éric Lartigau recurrió a reparto a la altura de la situación, con dos actores cómicos con mucho bagaje interpretando a los padres sordos de Paula, como son François Damiens y Karin Viard, algo que conllevo importantes críticas por parte de la comunidad sorda que crítico no haber recurrido a actores con dicha característica. En parte tienen razón, pero el trabajo de Damiens y Viard es genial y a los que no reconozcamos los errores, veremos en ellos dos personas sordas, ya que su interpretación nos llevará a creérnoslo. Si bien ellos y otros actores como Éric Elmosnino, como profesor de música, se llevan parte del protagonismo, lo cierto es que todo el peso de la cinta recae en la joven actriz y cantante Louane, que surgida de un concurso televisivo de talentos, aquí da un paso más allá hasta el extremo de emocionarnos cuando canta, sobre todo el tramo final de la cinta.

La genialidad de la cinta de Lartigau fue tal que, como suele suceder, acabó vendiendo los derechos para el mercado americano, hasta convertirse, de la mano de la realizadora Sian Heder en una tremenda película titulada CODA que potenciaba más la faceta dramática de la historia y que sí que contó con actores sordos, lo que le valió el Oscar a la mejor peli de 2021… ¿algo injusto para La familia Bélier? ¿un honor un tanto extraño? En cualquier caso, demuestra que la historia de origen, sencilla en apariencia, pero compleja en el fondo, logra llegar a un amplio público, de la misma manera que sucedió con Intocable.

Comparativamente, La familia Bélier resulta más banal y superficial que CODA, a pesar de ser una el remake de la otra, pero creo que si dejamos a un lado las comparaciones, la primera, de la que estamos hablando en estas palabras, se ajusta a la perfección al género cómico francés, en todos sus aspectos, y el resultado es una genialidad como muchas otras “mejores comedias francesas” de los últimos años, ya que si bien puede estar cerca de lo inapropiado, lo cierto es que se trata con mucho respeto la sordera sin caer en ningún momento en el error del chiste fácil, a la vez que se nos explica una historia conmovedora que nos llegará a todos, queramos o no, hasta el punto de arrancarnos alguna que otra lagrimilla.

La entrada La familia Bélier (Éric Lartigau, 2014) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

A pesar de que el título original es La doublure, que viene siendo algo así como “la tapadera”, en nuestro país se tradujo por El juego de los idiotas, por el mero hecho de conseguir un gancho comercial entre la presente cinta con la de 1998 del mismo director Francis Veber… como si fuéramos tontos y no pudiéramos ver la relación, o no disfrutarla sin la conexión. Pero bueno, vayamos a la peli…

Con un argumento un poco más complicado que La cena de los idiotas, que deja al margen el humor teatral en favor de la comedia de enredo, en El juego se nos presenta a un nuevo François Pignon, con el rostro de Gad Elmaleh, que no es más que el aparcacoches de un restaurante muy cercano a la Torre Eiffel, vive con su compañero de trabajo Richard, interpretado por Dany Boon, y está perdidamente enamorado de Émilie, Virginie Ledoyen. A pesar de lo aburrido que parezca ser, el vive feliz con su vida, hasta que por casualidad es fotografiado junto a una súpermodelo, Elena, y su amante, el señor Levasseur, este último asustado por perder sus poder dentro de la empresa que posee su mujer si esta se entera del adulterio decide montar una pantomima para esta haciendo pasar a Elena por la pareja de François, haciéndolos vivir juntos con todas las repercusiones que puedan suceder, como que Richard debe irse, Émilie, que ha rechazado a François como marido, envidie a Elena, y que la mujer de Levasseur se entrometa en la ficticia relación sospechando de las infidelidades de su marido.

Dejando a un lado las relaciones con todas las cintas en las que aparece François Pignon, El juego es una comedia de enredo rápida, fluida y con un guion perfecto y muy bien medido, algo a lo que ya nos tiene acostumbrados Veber. Con una historia fantástica que gira entorno de un idiota, por su inocencia y bondad ya que no duda en aceptar a Elena como novia falsa, al tiempo que descubre que no es tan solo un cuerpo bonito sino alguien con sentimientos, y esta le demuestra que no hace falta ser guapo para ser atractivo. En este sentido, Veber nos da lo que nos gusta, un sinfín de risas asentadas a en una trama brillante, gracias también a un gran personaje. Si con La cena de los idiotas se descubrió el potencial de François Pignon como personaje universal, en este film el personaje llega a su cenit interpretado por Gad Elmaleh, que tan solo con su mirada de chico bueno consigue sorprendernos con una carcajada.

Junto al muy acertado Gad Elmaleh, hay un reparto excepcional, desde un antiguo idiota —como demostró en Salir del armario—, Daniel Auteuil, que hace de malvado señor Levasseur, una espectacular Alice Taglioni como Elena, y Kristin Scott Thomas como la divertida mujer de Auteuil. En cuanto a los secundarios, que a pesar de no tener mucha importancia en el argumento principal, tienen sus contrapuntos cómicos, como Dany Boon que es Richard, el amigo desastre de François, que nos deja una magnífica frase como: “No somos feos, somos interesantes”, patética y genial a la vez. Junto a él Virginie Ledoyen, interpreta a Émilie el amor platónico de François, y Michel Aumont —el vecino gay de Salir del armario— que hace de médico hipocondríaco. Un reparto lleno de actores habituales del maestro de la comedia francesa, con unas incorporaciones más que perfectas entre los protagonistas que logran estar a la altura.

Aunque en cuanto a formato no destaca, ya que en ningún innovado en el apartado técnico, lo cierto es que en ningún momento le pesa este defecto, ya que, en la práctica, una película de este tipo no lo necesita, sobre todo cuando tiene un diez en todo lo anterior mencionado. De esta manera, Francis Veber logra cerrar el círculo de François Pignon, no solo como colofón de de la trilogía protagonizada por el personaje, sino también como un autoreferencia al conectar esta peli con La cena de los idiotas mediante el padre del presente François, que es invitado a una “cena” —que todos ya conocemos— para que muestre su afición, coleccionar cucharones antiguos.

Si bien parece un refrito más de todo lo precedente en cuanto a François Pignon se refiere, lo cierto es que estamos ante una peli extraordinaria, una comedia francesa moderna en la que los gags visuales se entremezclan en su justa medida con los diálogos rápidos y mordaces para hacer eso que tanto nos gusta a todos, provocarnos una carcajada tras otra.

La entrada El juego de los idiotas (Francis Veber, 2006) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Quentin es un ladrón de poca monta, un poco corto, que acaba internado en una prisión, donde debido a que no sabe cerrar la boca no hace más que perder compañeros de celda, sacando de quicio hasta al director del centro penitenciario y al psicólogo que lo examina. Por su parte, Ruby es un tipo duro, un delincuente profesional, que acaba en prisión por el robo a unos ladrones que habían robado un camión blindado. El policía encargado de investigar el caso de Ruby decide meter en la misma celda a ambos personajes a ver si Ruby revienta, ya que desde que llegó a prisión no ha abierto la boca. A pesar de ser una buena idea, sigue sin decir nada hasta que se corta la venas para ir al médico, y Quentin, que le cree su amigo, no dudará en hacer lo mismo para seguirlo. Ruby lo que planea es la fuga de la prisión pero Quentin lo adelanta con un descabellado plan, y será a partir de entonces cuando ambos personajes serán amigos inseparables… a pesar de Ruby.

Si ahora, cuando se habla de comedia francesa, nos vienen a la mente nombres como Dany Boon, Olivier Nakache o Eric Toledano, así como clásicos como Jacques Tati, hay un espacio intermedio que solo podría tener un apellido, Veber, Francis Veber, siendo uno de sus grandes exponentes. Y no es para menos, ya que además de esta peli, tiene una larga lista de éxitos como El embrollón, La cena de los idiotas, Salir del armario o El juego de los idiotas, cuyo hilo conductor es François Pignon, pero que, como demuestra aquí, no le hace falta para demostrar que estamos hablando de uno de los maestros del género.

En esta ocasión Veber recurre a dos grandes actores del cine francés, Gérard Depardieu y Jean Reno, ambos actores consagradas estrellas del escaparate galo e internacional, tanto en filmes cómicos, dramáticos o de acción. Aquí cada uno retoma lo que se le da mejor, Depardieu interpreta a un bocazas bobalicón, y Reno a un tipo duro, solitario y callado, dando lugar a una “extraña pareja” que en la pantalla tiene una gran química. Tal vez mentiría, pero esta es tal vez la única, o una de las pocas, películas que cuenta con ambos actores, y es una auténtica pena porque en la pantalla parece que se entienden a la perfección y forman un tándem, en este caso cómico, extraordinario, no solo por ser los opuestos, sino también por la manera en la que ninguno de los dos se impone al otro, siendo un toma y daca constante a lo largo de toda la cinta.

Entre el reparto el que destaca por ser una auténtica estrella del cine galo es André Dussollier, que interpreta al psicólogo de la prisión donde ambos personajes están internados, que es alguien serio pero que a pesar de su seriedad es un contrapunto cómico más, como también demuestra en On connaît la chanson y Micmacs à tire-larigot, donde interpreta a personajes muy serios pero extremedamente hilarantes. Pero es que además, se suma otro del calibre de Richard Berry como el policía que decidirá fastidiar a Ruby con Quentin con la esperanza de que acabe hablando y siendo el germen de la relación.

Hasta ahora, Francis Veber siempre se había decantando por historias más o menos pequeñas, enfocadas a una situación de enredo que que cada vez se empeora hasta el punto que ni los personajes saben qué está sucediendo; pero en ¡Qué te calles! da un paso adelante para adaptarse a la evolución del humor francés, como venía sucediendo en pelis como Taxi Express o Wasabi, y su humor característico le suma un poco más de acción al introducir a los personajes típicos de una peli como La cena de los idiotas, en una trama en la que la policía, asesinos de todo tipo y el crimen organizado juegan un papel más que importante… y logra clavarla al conseguir una mezcla perfecta entre humor y acción que no solo la convierten en una perfecta comedia, sino también en un entretenimiento de tipos duros… y es que con el impertérrito rostro de Jean Reno no podía ser de otro modo.

Otra obra maestra de Veber, que sabe como hacer una historia divertida, y con un metraje más bien corto, como sucedía con La cena de los idiotas, una cinta excelente que nos hará reír sin grandes pretensiones, una buena manera de pasar una tarde con la pareja o la familia. Una cinta redonda, que sorprende por su concesión y perfección, tanto que cuando termina quieres más.

La entrada ¡Que te calles! (Francis Veber, 2003) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

François Pignon, un contable aburrido de una empresa de preservativos, descubre que será despedido por nada, simplemente será despedido, frente a esto, y después de fracasar en su suicidio, idea un plan junto a su vecino, Belone: se hará pasar por homosexual para que no lo despidan. Pocos días después del inicio del plan, unas fotos llegan a la oficina, Pignon en un bar de ambiente, y rápidamente todo el mundo sabe que es gay, y la idea de despedirlo se borra de las posibilidades de los jefes de la empresa. François conserva el empleo, pero ahora todos lo tratan diferente, y lo que empieza siendo una mentira para salvar su empleo y su vida, ahora se va convirtiendo en una bola de dimensiones desproporcionadas que no sabrá como parar, llevándose consigo a sus compañeros, sus amigos, su familia y a él mismo hacia un castillo lleno de mentiras cuyos cimientos son muy débiles.

Después de dar en el clavo con La cena de los idiotas tres años antes, Francis Veber sigue haciendo crecer su genio como maestro de la comedia al fijar la atención en dos temas que hoy son el pan de cada día, pero que hace más de veinte años todavía eran considerados imposibles de tratar desde la óptica del humor: el mobbing laboral y la homosexualidad, y la relación que puede haber entre ambos. Como sucede, por ejemplo, en la más reciente Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho?, Veber se atreve a jugar muy cerca de la línea roja, en la que cruzarla puede implicar ser vilipendiado por intolerante, pero en ningún momento lo hace, tratando, con muy buen gusto, estos temas peliaguados sin se toman a la ligera.

Lo cierto es que la historia, a pesar de los temas subyacentes, tiene un argumento sencillo de enredo, que siempre da buenos resultados, con situaciones cómicas y rocambolescas que tanto agradan a los realizadores galos, como en la que vemos a Pignon con un condón por sombrero en un desfile, hacen de este film una obra redonda del cine cómico, en un mundo lleno de mensajes deprimidos y negativos, este tipo de películas son las que dan un toque de alegría hasta al más pesimista… como le sucede al protagonista que se deja llevar por la mentira hasta el punto de redescubrirse como persona.

El peso del protagonista de François Pignon, ese idiota universal convertido en protagonista, está recae en los hombros de Daniel Auteuil, que demuestra su talento al conseguir ser un personaje que se deja llevar por cuando acontece a su alrededor, sin llegar a pretender nada más que conservar un empleo. En este aspecto, demuestra que es un gran actor al lograr robarnos más de una carcajada a pesar de que mantenga la seriedad propia de un contable durante todo el film, con un registro expresivo más bien escaso. Junto a él, y en polos opuestos, encontraremos al gran Michel Aumont como el vecino homosexual de François, Belone, y al jefe de personal homófobo interpretado por el incombustible y extraordinario Gérard Depardieu, que, una vez más, demuestra porque es uno de los grandes actores galos. Además, el reparto se completa con nombres propios de la talla de Thierry Lhermitte, Michèle Laroque o Jean Rochefort.

Sin ahondar más en el tema, aunque crecen los escenarios, lo cierto es que la idea de base sigue siendo la misma que hizo triunfar a La cena de los idiotas, unos pocos personajes que no hacen más que contarse mentiras, muy en la línea del teatro cómico más tradicional, permitiendo que empaticemos con ellos, pero también nos riamos con o de ellos.

A pesar de tratar unos temas tan delicados en una peli que, seguramente, hoy día no se llegaría ni a plantear hacer, el resultado es una cinta sin altibajos, que mantiene en todo momento el tono de comedia ligera accesible a todo el mundo; repleta de un guion brillante con juegos de palabras y demás virtuosismos del humor inteligente, Salir del armario demuestra que se puede hablar de todo sin ofender a nadie a la vez que se pasa un buen rato.

La entrada Salir del armario (Francis Veber, 2001) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

La peli nos cuenta como Philippe, un rico aristócrata, contrata a Driss como asistente y cuidador, pues Philippe es tetrapléjico y necesita ayuda para hacer prácticamente cualquier cosa en su vida diaria. Lo extraordinario es que escoja a Driss, un joven senegalés procedente de un barrio de viviendas públicas que ha salido recientemente de prisión, es todo lo opuesto a él, no solo en origen, sino también en educación, edad y clase social. A pesar de las diferencias, a las que Philippe no tiene miedo mientras que todos cuanto le rodean se temen lo peor, habrá algo entre ellos que produzca la chispa para la relación perfecta: sea porque Driss no lo tratará como un niño desvalido o porque Philippe verá en Driss todas las posibilidades. Juntos van a mezclar las palabras elegantes con la jerga callejera, los trajes con los pantalones de chándal y se lo pasarán de muerte. Sus dos mundos van a chocar y van a tener que entenderse para dar lugar a una amistad cómica pero sólida y muy inesperada, una relación singular que generará una energía que hará que los dos disfruten de sus vidas, pues aunque sean muy diferentes, los dos se merecen divertirse en su día a día.

Lo interesante de la cinta de Olivier Nakache y Eric Toledano, expertos en lidiar entre el drama y la comedia, es que no nos intenta enseñar nada, no intenta aleccionar a la sociedad y ni mucho menos intenta solucionar los problemas ajenos mediante una metáfora simple y llena de cursilerías. El film enseña y explica una historia basada en hechos reales, por sorprendente que nos pueda parecer, que está tan bien tratada que consigue convertirse en una historia perfecta para el cine; y, en consecuencia, una perfecta opción para el espectador.

Con esta historia, el reparto tenía que estar a la altura, y para ello los directores contaron con François Cluzet en el papel de Philippe, que logra una puesta en escena perfecta de un tetrapléjico, hasta el punto de creértelo, y con Omar Sy como Driss, un actor que a partir de aquí despuntó por su desenfado interpretativo, muy en la línea del mejor Will Smith, que demuestra que puede ser más que una sonrisa bonita, con escenas que realmente nos romperán el corazón. Junto a ellos habrá nombres como los de Audrey Fleurot, Anne Le Ny, Clotilde Mollet, Alba Gaïa Bellugi o Cyril Mendy.

La combinación de una buena historia, un gran guion, una dirección impecable y un reparto a la altura de todo ello es una peli sublime, perfecta, dinámica, alegre y, sobre todo, sorprendente, que hace que el espectador se sienta feliz, contento y satisfecho de haber empleado su tiempo en sentarse a ver esta cinta. Pero es que lo magnífico de la peli es como de una situación tan dramática se pueda sacar tantas carcajadas cómplices, y es que, y advierto a a todos aquellos a los que no les gusta los dramas, en este caso, aunque el protagonista sea tetrapléjico y la película trate sobre las dificultades y limitaciones de este, en ningún caso el film es un drama, en ningún momento se hace espectáculo de “la desgracia” de Philippe, pero tampoco se caerá en el error de recurrir al típico chiste fácil o tonto, sobre discapacitados, que son fáciles de buscar, pero desacertados a la hora de utlizarse. En este aspecto, la peli logra mantener un equilibrio perfecto entre el drama cotidiano y las gracias de un chico muy feliz, sin caer en la grosería o buscar la lágrima fácil del espectador; si se empatiza es porque la cinta lo consigue sin necesidad de juegos sentimentaloides superficiales.

Esta peli es una de esas que es recomendable para el mundo, para a los que estén deprimidos, para los que estén alegres, para los que no tengan ningún problema, para los que los tengan todos y sobre todo para todos a aquellos espectadores que quieren ver buen cine, de calidad, sin trampas ni efectos especiales que estropeen el film, y para aquellos que quieran ver realmente lo que es la interpretación simple y llanamente. Una brillante obra que acerca temas peliagudos a todos de una manera llana y simple, pero a la vez lo suficientemente profunda como para conectar con los protagonistas. Imprescindible.

La entrada Intocable (Olivier Nakache, Eric Toledano, 2011) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Pierre Brochant es un editor de éxito que cada semana se reúne con sus amigos para hacer una cena de idiotas, que consiste en que cada uno de ellos debe llevar como acompañante un idiota, un individuo que, por algún motivo, sea motivo de burla jocosa de este supuesto grupo de “élite”, y el mejor idiota de la velada hace que su anfitrión gane la partida. Pero en esta ocasión Pierre no tiene ninguno, y teme presentarse sin nadie a su lado, algo que podría ser un desastre para su buena racha. Sin embargo, gracias a un amigo, conoce a François Pignon, un trabajador de hacienda que se dedica a hacer maquetas con cerillas. Con esta perla Pierre tiene clarísimo que ganara, lo que no espera es que le dé un fuerte ataque de lumbago y que, para rematarlo, Pignon se presente en su casa para ir a la cena y cause un desastre tras de otro, en un sinfín de mala suerte para hasta el entonces exitoso Brochant.

El máximo responsable de esta cinta es Francis Veber que, en retrospectiva, es uno de los mayores genios de la comedia francesa, heredero directo del humor visualmente sutil de Jacques Tati, del que mantiene la esencia, pero al que añade guiones rápidos, mordaces y muy bien escritos, siendo un hacha en este aspecto al demostrarlo en las pelis que el mismo dirige, pero también en títulos que se han internacionalizado como Una jaula de grillos (Mike Nichols, 1996). Sin embargo, hoy hablaremos de la que se puede considerar su obra maestra, La cena de las idiotas, realizada después de triunfar en el mercado francés con la pareja formada por Pierre Richard y Gérard Depardieu, ahora consigue ir más allá al lograr el hito de convertir esta historia aparentemente sencilla y pequeña, en una de las mejores pelis de la filmografía gala.

En este aspecto, la peli es tan minimalista que, presentada como una obra de teatro, todo el film transcurre, principalmente, en un solo escenario, la casa de Brochant, donde él se arrastra de un extremo a otro del piso debido a su dolor de espalda, y su idiota todo lo que hace para ayudarle se convierte en una forma de empeorar las cosas, en un gafe permanente que parece perseguirlo. En cierta manera, es como si el karma actuara con todo su poder al hacer que Brochant sufra en manos de Pignon en compensación de lo que ha abusado de idiotas anteriores. Es aquí cuando entra en juego las habilidades innatas de Pignon, dando lugar a secuencias memorables, como las repetitivas llamadas telefónicas en las que el embrollo del argumento solo hace que complicarse más y más, para que Brochant se ponga de los nervios pagando por todas las cenas de idiotas que ha realizado a lo largo de su vida.

Como es de esperar en una cinta en la que el guion y los personajes juegan un papel tan importante, el reparto es excelente. Francis Veber se rodea de actores de la talla de Thierry Lhermitte, como Pierre Brochant, que aún siendo el protagonista, lo cierto es que solo es el sparring perfecto para el otro protagonista, François Pignon. En La cena de los idiotas la auténtica clave reside en este personaje y en el actor que le da vida, un brillante Jacques Villeret, que alcanza el cenit del idiota fílmico al conseguir diversos premios por su interpretación cómica pero a la vez dramática de este personaje que llama a la burla, pero para el que se necesita un calidad actoral al alcance de pocos. Aunque el personaje viene de antes, interpretado por Jacques Brel o Pierre Richard, se podría hablar que La cena de los idiotas es el nacimiento de François Pignon, haciéndolo a lo grande para que, después, el propio Veber y otros actores siguieran perfilándolo en pelis como Salir del armario y El juego de los idiotas.

Aunque parte de una premisa claramente cruel, como lo es una cena de este tipo, la peli se convierte de la mano de Veber en un excelente film cómico de gran calidad que hoy ya se ha convertido en uno de los clásicos de la comedia, tanto francesa como internacional. Poco más se puede decir, de una cinta que apenas dura una hora y cuarto, pero en la que ninguno de sus minutos decepciona.

La entrada La cena de los idiotas (Francis Veber, 1998) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Mikoto, así como otras personas, trabaja en un balneario cercano a un santuario de Kibune, cerca de Kyoto. El día a día consiste en la rutina de soportar a los clientes, darles lo que piden, preparar las habitaciones y los baños cuando tienen que llegar y limpiarlos cuando se van. En ese preciso instante hay tres habitaciones llenas, una por una pareja de viejos amigos que quiere ponerse al día, otra por un cliente de larga estancia, un escritor de novelas por entregas que se ha estancado como seguir y, finalmente, el editor de este que no hace más que echarle prisa y sufrir por el paso del tiempo. A pesar de lo estresante de la situación, lo cierto es que Mikoto lo lleva bastante bien, por lo que la próxima partida de Taku, uno de los ayudantes de cocina por el que siente algo, la llevará a aprovechar un descanso para rezar cerca del río para que ese momento no tenga lugar. Para su sorpresa, al cabo de dos minutos, volverá al punto de partida, retrocediendo en el tiempo y, para su sorpresa, a toda la gente de Kibune le ocurrirá lo mismo. A partir de ese momento y reiniciando su posición cada dos minutos, todos harán lo que esté en sus manos para comprender lo que sucede y, si es posible, arreglarlo.

En su primera gran película que se internacionaliza, Junta Yamaguchi nos presenta una historia muy sencilla, cuya premisa, una vez explicada, no parece nada del otro mundo, pero que al momento de ponerla en acción, se hace con tanta brillantez que nos cautiva desde el primer momento y nos perdemos en la trama durante sus poco más de ochenta minutos.

A efectos prácticos para clarificar qué es esta peli, podríamos decir que se junta la idea inicial de Al filo del mañana (Doug Liman, 2014) y el tono narrativo de Amélie (Jean-Pierre Jeunet, 2001)… combinación que, cuanto menos nos parecerá imposible, pero Yamaguchi y su equipo logran hacerlo y salir bastante airoso.

Lo cierto es que gracias a la simplicidad de la premisa y de la puesta en escena, se consigue un resultado al alcance de todo el mundo y sin demasiadas fallas, solo localizables por un lado en las diferencias culturales y, por el otro, en la resolución final. Así pues, una cosa que nos chocará es la interpretación exagerada por parte del reparto, ya que si bien todos ellos cumplen con su deber, todos sus gestos y expresiones son demasiado exagerados, pero no tanto por la situación en la que se encuentran, sino por que se trata de la manera de interpretar de los nipones. Aunque a nosotros nos parezca algo raro, se ajusta mucho a los cánones de su país, pero no por ello nos puede hacer perder la concentración cuando uno u otro haga unos gestos que ni en la ópera se puedan ver.

Por otro lado, y aquí sí que nos hallamos en un error de forma, seguramente el único, toda la peli mantiene el tipo y supera con buena nota la rocambolesca combinación de ideas de la que ya hemos hablado, pero cuando se acerca el final y se debe buscar una explicación para todo lo que sucede al grupo de personajes, es cuando vemos ese error: una solución deus ex machina. Es decir, a pesar de que la chica que viene del futuro está presente desde el principio, lo cierto es que apenas nos acordamos de ella y, además, resulta que tiene todo lo necesario para resolver las dudas de porqué y cómo está pasando lo que está pasando, haciendo que Yamaguchi se saque de la manga toda una larga explicación, de la que no se ha dicho nada hasta entonces y que, para alivio de todos, tiene todos los elementos para llegar al final feliz.

A pesar de estos elementos y de que, en la práctica, es una peli sencilla y casi teatral en su puesta en escena, lo cierto es que se trata de una cinta muy acertada en todos sus aspectos y que gracias a esta simplicidad podrá llegar al público en general, ya que cautivará por igual a los amantes de la ciencia ficción, a los de la comedia y a los del cine de autor japonés… En muchos aspectos, es un ramen fímico al alcance de cuantos quieran servirse un buen tazón.

La entrada Atrapados en un bucle infinito (Junta Yamaguchi, 2023) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Después de años intentando sin éxito y cansado de que el amigo que tiene en recursos humanos no le consiga la deseada plaza en una oficina de correos de la Costa Azul, Philippe Abrams finge ser un discapacitado… pero la caga cuando un inspector se presenta y lo pilla en su mentira. Aunque no lo echan, el castigo será algo mucho peor, es trasladado al Norte-Paso de Calais, concretamente, a la “bella” ciudad de Bergues. Con la maleta cargada de prejuicios y miedos, Philippe viajará hacia allí para enfrentarse a dos largos años de castigo… como mínimo.

En apariencia y desde un principio, creeremos que estamos frente a la enésima comedia tonta que nos puede ofrecer el cine, por el mero hecho de las payasadas y recursos fáciles que se usan en la primera media hora y que van in crescendo hasta un punto que llegamos a pensar en lo peor. Sin embargo, una vez superados los chistes fáciles sobre las diferencias de las regiones y sus gentes, un poco de humor de borrachos y gags visuales, que nos harán reír, pero que no hacen de esta la gran peli que es, descubriremos una historia muy tierna y sincera sobre la amistad, sobre cómo son muchas las veces que los buenos amigos y compañeros aparecen en los lugares más inimaginables que nos depara el destino.

A la vez y a pesar de los chistes fáciles sobre los ch’tis y su manera de hablar, lo cierto es que Dany Boon, que escribe, dirige y protagoniza, lo hace mucho cariño, y no solo porque él sea de origen ch’ti, sino porque lo hace con respeto por esa cultura al norte de Francia, que siempre han tenido una lacra por bárbaros, sino que los define como acogedores, agradecidos y cercanos, menos estirados que el resto de franceses.

Lo que consiguió esta cinta en su momento, además de abrir la lata de “la mejor comedia francesa del año”, es superar los clichés y prejuicios culturales, que permitió que este humor que se ríe de estos para superarlos, se expandiera, trayendo de rebote otros tantos como la versión italiana de este (que tuvo secuela propia) o Ocho apellidos vascos, que bebe de aquí pero lo hace a la española.

Dejando a un lado todo esto, en cuanto a peñi es a la par sencilla y magnífica, ya que es consciente de la pequeña historia que nos cuenta y se centra en conseguirlo sin aspavientos técnicos que nos distraigan de lo importante, las relaciones entre los personajes.

Para dar vida a los personajes principales Boon se rodea de un pequeño pero muy interesante elenco, de los que entre destaca un Kad Merad brillante en el papel de Philippe Abrams, que hace de contrapunto serio, pero a veces torpe, del peculiar cartero al que da vida Boon. Ambos forman un buen dúo en pantalla, casi como el payaso triste y el alegre, en una suerte de relación casi como la de Epi y Blas, ya que mientras Philippe es serio y “responsable”, Antoine es todavía un tanto infantil y mucho más divertido. El resultado final es una pareja muy dinámica, en la que ambos personajes aprenderán el uno del otro, evolucionando hacia algo mejor. Además de ellos dos, el reparto se completa con unos secundarios habituales del cine de Boon o del francés, como Zoé Félix, Anne Marivin, Line Renaud, Michel Galabru, Guy Lecluyse o Philippe Duquesne, todos ellos a la altura de la situación.

Lo cierto es que cuando uno analiza Bienvenidos al norte no ve nada especial en ella, nada que la haga destacar; sin embargo, el resultado de la suma de una historia sincera y acertada, de unos protagonistas perfectos y de una premisa, cuanto menos, llamativa, es una de las mejores cintas de lo que fue el 2008, haciendo que las comedias volvieran a la palestra como algo más que un mero entretenimiento de tarde, sino también una manera de hacer buen cine. En pocas palabras, después de una buena época en los setenta y otro a final de los noventa, esta cinta significa el renacer de la comedia francesa.

Así pues la conjunción de todos elementos y el momento oportuno hacen de Bienvenidos al norte una cinta imprescindible tanto para los amantes del género como para los aficionados al buen cine.

La entrada Bienvenidos al norte (Dany Boon, 2008) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Después de años viviendo en el Reino Unido, Bill Bryson decide regresar a su país natal, los Estados Unidos de América, junto con su familia. Sin embargo, el regreso no es tan perfecto como esperaba, ya que allí, el público espera que se publique su siguiente libro… cuando, en realidad, no tiene ningún plan más, como si ya no tuviera nada más que contar. Pero todo da un giro en un funeral a el que va más por obligación que por otra cosa, y, de repente, choca con la realidad de que tiene que hacer algo, algo que le permita seguir adelante, no para escribir un libro, sino para añadir una nueva vivencia a su tranquila existencia. Ese algo será recorrer el Sendero de los Apalaches, un camino de unos 3500 kilómetros, de sur a norte… que no puede hacer solo, por este motivo, se pone a llamar a amigos y conocidos para que lo acompañen, pero nadie responde; nadie salvo uno, uno que no espera, Stephen Katz. A sus más de sesenta años, esta pareja de hombres probarán suerte en un reto de senderismo al alcance de muy pocos… y más cuando un oso puede atacarlos en cualquier momento.

La manera de enfocar esta historia es, cuanto menos, curiosa, ya que parte de la narración brillante y siempre perfecta de Bill Bryson, que explica los preparativos, el desarrollo y los pasos que siguió en 1996 en su intento de recorrer el Sendero de los Apalaches. Sin embargo, Robert Redford la protagoniza con unos cuantos años, junto a Nick Nolte que, realmente, ha vivido tiempos mejores, siendo más la aventura de un par de iaios que no de unos cuarentones como era en su origen. Por si esto fuera poco, la idea de llevar el libro de Bryson a la gran pantalla por parte de Redford venía de lejos, incluso tenía la idea de protagonizarla con Paul Newman, pero la muerte de este hizo que se alejara del proyecto alegando que nadie podía reemplazar a Newman. Por este motivo, entre otros muchos, el proyecto de se fue postergando hasta que Redford lo retomó, realizando los cambios convenientes para que encajara en el presente de su estreno. Por eso, el aumento de la edad de los protagonistas y algunos cambios relativos a la extrapolación de la historia original de Bryson a la gran pantalla.

A pesar de todo los cambios —como, por ejemplo, el hecho de que los protagonistas realizan el sendero de una tacada, cuando en el libro Bryson y Katz lo hacen en varias etapas e, incluso, Bryson hace tramos en solitario— y del cambio de medio —que no siempre sienta bien—, Redford y su equipo logran captar la esencia de la manera de contar verdades como Bill Bryson. Y es que a pesar de ser un autor que se dedica a la no ficción, la manera de acercarse a los temas que trata —entre los que hay ciencia, literatura y autobiografía— siempre está cargada de un humor limpio pero descarado, sutil pero en el que, inevitablemente, se dicen verdades como puños. Aunque uno de sus títulos más conocidos es Breve historia de casi todo, la verdad es que, personalmente, las que más me han divertido son las que narran sus propias vivencias como En las antípodas —sus viajes por Australia—, Aventuras y desventuras del chico centella —sobre como era el mundo estadounidense cuando era joven— o Un paseo por el bosque, en el que se inspira este libro.

Lo curioso de todo el asunto es como se puede sacar tanto jugo de la crónica de un viaje de senderismo, en el que, por mucho que te pueda ocurrir, lo que principalmente haces es andar. Por ello es genial que se puedan sacar tantos momentos memorables y personajes tan histriónicos como las que se cruzan con el personaje de Redford y su alterego en la realidad, el auténtico Bill Bryson. Y no solo me refiero al brillante retrato que hace Nick Nolte de Stephen Katz, que no tiene nada que ver con el auténtico, pero que recoge las cuatro pinceladas esenciales para que veamos a Katz. No, me refiero a todo el abanico de excursionistas que pasan junto a Bryson/Redford, mostrándonos cuan curioso es el mundo del senderismo y los que habitan en él.

Además de ello, la peli —al igual que el libro— consigue meternos de lleno en la historia, haciéndonos empatizar con los personajes hasta el punto que no podremos parar de reír cada vez que estos excursionistas aficionados deben hacer frente al mundo. En este aspecto, Un paseo por el bosque, se adscribe al cine que últimamente centra la atención de Robert Redford, ya que lejos de esporádicas apariciones en entes como Marvel, lo cierto es que, consciente de su edad, se ha enfocado en historias —dirigidas por él o no, como es este el caso— mucho más crepusculares aunque con cierta carga positiva, como The Old Man & the Gun, Nosotros en la noche o Un paseo por el bosque, que, en retrospectiva, le darán un final redondo a una de las carreras más exitosas del Hollywood de los siglos XX y XXI.

Aunque le libro es más irreverente que la cinta, y esta más sentimental que el primero, lo importante de todo el asunto es que ambos logran captar nuestra atención hasta el punto que, a pesar de que admitamos que ni uno ni otra son perfectos, no podremos negar que nos entretienen lo suficiente como para convertirse en un libro y una cinta de cabecera. Una de esas pelis que te deja con buen humor y muy buen sabor de boca.

La entrada Un paseo por el bosque (Ken Kwapis, 2015) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Bo y Luke Duke son dos cabezas locas que se dedican a recorrer las carreteras y los caminos de Hazzard, Georgia, traficando con el alcohol ilegal de su tío Jesse, parando solo a tocarle los huevos al sheriff Rosco P. Coltrane. Sin embargo, todo toma un cariz más serio cuando el villano y ricachón local, Boss Hogg, empieza a hacerse con las granjas de sus vecinos de mala manera con el objetivo de convertir el lugar en una gran explotación minera. Para poder salvar su hogar, Bo y Luke no dudarán en poner todo lo que puedan sobre la mano para revelar el plan de Hogg y revolucionar el pueblo en su contra. Unos Robin Hood a lomos de Dodge Charger modificado de los sesenta.

Hay películas tontas y otras innecesarias, pues bien, esta es ambas cosas, pero eran los primeros 2000 y todavía corría esa corriente proveniente de los años noventa, en la que cualquier cosa podría llegar a la gran pantalla, pues bien, Dos chalados y muchas curvas —una muy mala traducción de The Dukes of Hazzard— es un claro ejemplo de ello. En un ejercicio un tanto gratuito, se hizo este remake de una serie de los ochenta, que por aquí se conoció como El sheriff chiflado, contando con algunos nombres propios que estaban de moda por aquel entonces, el líder de Jackass, Johnny Knoxville, Sean William Scott, el Stifler de American Pie y la sexy cantante y modelo Jessica Simpson, además de gente con mucho caché como el cantante Willie Nelson, M. C. Gainey y el grandísimo Burt Reynolds, y poniéndolos a las órdenes del equipo responsable de locuras como Supermaderos y Club Desmadre, el resultado es una auténtica locura sin pies ni cabeza que, a pesar de todo nos divertirá de principio a fin.

Lo cierto es que a pesar de todo, se trata de una peli muy divertida y descarada, perfecta para el público adolescente de principios del 2000, como un servidor que, por aquel entonces, todavía no era mayor de edad y se gastó el dinero de su paga en ir al cine a ver esta «maravilla» en una de esas decisiones que solo se toman cuando uno es joven. Pero ahora, casi veinte años después, y habiendo visto Dos chalados y muchas curvas, sigo sin arrepentirme de ese momento, ya que sigo descojonándome con las bromas absurdas y de mal gusto de sus personajes, así como sigo aplaudiendo los momentos en que se mezclan el rock más duro con las escenas de persecuciones a bordo de ese coche tan poco ecológico e inapropiado que es el General Lee.

Como decíamos, es una peli muy simple, con un argumento al alcance de las mentes menos brillantes, y que se basa más en los chistes y las escenas de acción ruda —algunas de las cuáles contaron con los propios actores, como el bueno de Knoxville que nunca rechazaba una buena hostia—, pero es que además tiene esas tomas falsas que ahora tanto se echan de menos en los créditos, en las que se ve que todos los participantes se lo pasaron en grande en un rodaje tan alocado como la propia cinta.

A mi edad ya no me da vergüenza admitir que fue una de las pelis de mi juventud —como también lo fue Jackass o 60 segundos, por decir algo al azar y sin sentido—, y que aún hoy, si tengo uno de esos días malos, se trata de una peli que me alegra el día por su bajeza humorística, su manera de hacer tan poco políticamente correcta y, por lo tanto, ser una de esas que, a priori, nadie recomendaría… salvo un servidor. Vedla una de esas tardes de domingo aburridas y comprobad como os alegra el final del fin de semana.

La entrada Dos chalados y muchas curvas (Jay Chandrasekhar, 2005) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Oppenheimer y Barbie. Barbie y Oppenheimer. Barbenheimer. Hubo muchos memes por el hecho de estrenarse al mismo tiempo estas dos películas. El rosa y lo happy versus el drama y la destrucción. Este tipo de cosas que solo pasan en internet. De todas maneras, y pesar de las bromas, ambas películas han tenido mucho éxito en taquilla, llegando incluso a ganar Óscars (una mucho más que la otra, ya sabéis cuál).

Primero, hablemos de las actuaciones que son, en su mayor parte, lo mejor y lo único salvable de la película. Margot Robbie y Ryan Gosling brillan con luz propia. Robbie nos entrega una Barbie que es tanto un ícono como una ironía ambulante, encajando perfectamente en el papel, pero es Gosling quien se lleva la palma. Su Ken es una mezcla de galán de telenovela antigua y meme viviente. Cada vez que aparece en pantalla, no sabes si reír o aplaudir. Si este hombre no estaba divirtiéndose durante el rodaje, entonces merece un Óscar por fingir tan bien. Vemos en Ken una evolución mucho más interesante que en Barbie, hasta el punto de ser casi el eje principal de la historia de manera indirecta, a pesar de que no es el protagonista. Por lo que aquí cada uno puede darle la interpretación que quiera a la película.

Sin embargo, el guion es otro tema. La trama tiene tantas capas como una hoja de papel, y eso siendo generosos. En su afán por vendernos el nuevo mundo de Mattel, Barbie a veces se siente como un anuncio con un presupuesto astronómico. Es más un fanservice y desfile de productos que una película con una narrativa coherente.

La polémica que ha tenido esta película, principalmente, viene con el tratamiento de los personajes masculinos, que ha levantado más de una ceja. Descritos como tontos del bote y caricaturas andantes, estos personajes parecen haber sido sacados de un manual de cómo no hacer cine inclusivo. La película pinta a los hombres con un pincel tan grueso que cualquier intento de sutileza se pierde en el primer minuto. Este enfoque ha sido interpretado como un ataque directo al sentido común y una representación distorsionada del feminismo. Para muchos, convertir el feminismo en un club de comedia donde los hombres son el chiste recurrente no es precisamente un avance. Es más, parece un retroceso adornado con un lazo rosa.

En cuanto al feminismo de Barbie, es como un plato exótico: no a todos les va a gustar, y algunos lo encontrarán indigesto. La película intenta jugar con las expectativas y provocar reflexiones, pero a veces se siente más como un puñetazo en la cara que como una caricia. Es una lástima, porque con un poco más de sutileza y profundidad, este podría haber sido un argumento interesante sobre los roles de género. En cambio, tenemos un espectáculo que, aunque entretenido, no sabe si quiere ser una parodia o un sermón.

En definitiva, Barbie es una montaña rusa de emociones. Por un lado, es una experiencia cinemática alegre y visualmente impresionante, con actuaciones que destacan por su energía y entrega, especialmente la de Ryan Gosling que, con su habilidad para inyectar humor y patetismo en su papel, ofrece una actuación memorable. Por otro lado, la película lucha con su propio mensaje, a veces resbalando en el terreno de la sátira sin sostén. No es una película tan mala, pero está lejos de ser buena.

La entrada Barbie (Greta Gerwig, 2023) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Después de la mitiquísima Fargo, los hermanos Coen nos trajeron El gran Lebowski, una de esas pelis muy querida por los fans, aunque muy incomprendida por gran parte del público. Esta joya cinematográfica de los hermanos Coen, no es solo un festín visual y narrativo, sino también un desfile de personajes tan ricos y variados como un buffet en Las Vegas con una banda sonora que es prácticamente un personaje en sí misma.

El film es un viaje psicodélico a través de la vida de «El Nota» (The Dude), un héroe accidental en pantuflas y bata de casa, que parece haberse perdido en su camino a la nevera y terminó en una película. Junto a su peculiar grupo de amigos, El gran Lebowski cuenta con uno de los mejores elencos de personajes, todos llenos de carisma y personalidad única.

El nota es el epítome de la despreocupación, interpretado magistralmente por Jeff Bridges. Este hombre, con su bata y pantuflas, se convierte en un héroe involuntario en un mundo que parece haber perdido el manual de instrucciones. El nota es más que un personaje, es un estado de ánimo, una filosofía ambulante que predica la calma en un mar de caos. Su búsqueda de justicia por una alfombra mancillada es tan absurda como conmovedora, convirtiéndose en una metáfora de nuestra propia búsqueda de sentido en la vida.

Luego está Walter, interpretado por John Goodman, un hombre cuya intensidad es comparable a un huracán atrapado en una tienda de porcelana. Su obsesión con Vietnam y su inflexible interpretación del judaísmo aportan un humor negro muy adecuado para la peli. Walter es el amigo que todos temen, pero secretamente admiran, siempre listo para saltar al abismo de la locura por un compañero.

Luego esta Donny (Steve Buscemi) pero no está en su elemento.

En la inesperada y ajetreada vida de El nota. aparecen otros personajes peculiares. El otro Lebowski, el millonario (interpretado por David Huddleston), es la antítesis perfecta de nuestro héroe. Es un estudio de lo que sucede cuando el poder y el dinero se encuentran sin un manual de ética. Su hija Maude Lebowski, interpretada por Julianne Moore, es una artista transgresora y empoderada. También merece mención la inolvidable presentación de Jesus Quintana de John Turturro, con una de las escenas más parodiadas de la historia del cine. Y, por supuesto, no podemos olvidar a los nihilistas.

La banda sonora es otro personaje en sí misma, con melodías que van desde Bob Dylan, el temazo de Kenny Rogers – Just Dropped In hasta una versión surrealista de «Hotel California» por los Gipsy Kings. Es la playlist perfecta para tu próxima fiesta en la bolera o para reflexionar sobre la existencia mientras miras fijamente una alfombra.

Así que, si buscas una película con una moraleja profunda, sigue buscando. Pero si lo que quieres es ver cómo un vago se convierte en un héroe accidental en un mundo que tiene menos sentido que un poema escrito por un mono con una máquina de escribir, El Gran Lebowski es tu película. Y ahora, si me disculpan, voy a ver si encuentro una alfombra que pueda llevar mi sala de estar al siguiente nivel existencial.

La entrada El gran Lebowski (Joel Coen, 1998) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Tucker y Dale son dos colegas que, después de mucho tiempo, han logrado cumplir con su sueño de tener un lugar tranquilo al que escaparse los fines de semana: una cabaña apartada en un bosque donde echar unas cervezas y relajarse. Sin embargo, un grupo de estudiantes de vacaciones no opinan lo mismo, ya que solo con verlos creerán estar frente a unos psicópatas que están obsesionados con matarlos. Estos prejuicios junto una serie de hechos desafortunados harán que los jóvenes afiancen la idea y que decidan enfrentarse a ellos para salvar la vida, aunque lo único que están haciendo es empeorar más la situación.

De entrada, tenemos todos los elementos que se pueden esperar de una peli de terror del género slasher ambientada en una cabaña perdida en mitad de un sombrío bosque: un grupo de estudiantes con muchas ganas de divertirse, la advertencia de un extraño antes de su llegada, un lugar con un pasado escabroso, unos paletos extraños que pululan por allí y una larga lista de elementos oxidados y punzantes con los que todo puede ir mal. Sin embargo, Craig y Morgan Jurgenson retuercen la idea hasta el punto de girar por completo los estereotipos en un ejercicio de metacine extremo, en el que nada es lo que parece. Precisamente en esta idea se sustenta la brillantez de esta cinta que —a excepción de un par de nombres propios en el cartel, se trata de cine independiente y de serie B—, y que no es otra que el hecho de que se rompen los cánones del género para dar lugar a una situación que de por sí debería ser slasher, pero que no lo es. En realidad, veremos que los paletos no son peligrosos, mientras que los estudiantes han visto demasiadas pelis de terror y se les va la chabeta rápidamente, y todo junto se reúne en un contexto en el que todo lo que podría salir mal, sale mal.

Como decíamos, estamos ante una peli independiente que supo dar con la tecla para revitalizar el slasher, hasta el punto que lo petó en el circuito internacional del género y se ganó una buena fama con muy buenas notas en todos los medios; pero lo curioso de todo el asunto es que una rara avis entre la filmografía de su director y guionista, Eli Craig, que no ha destacado por nada más, así como por el coguionista, y por la mayor parte del reparto —cuya trabajo es indiscutible—, encabezado, eso sí, por dos actores de esos que siempre están a la altura, pero que en la gran pantalla son meros secundarios, mientras que en la televisión han tenido sus momentos de gloria. Estamos hablando de Tyler Labine y Alan Tudyk, que son una elección perfecta para dar vida a los dos paletos y lo hacen a lo grande, ya que sin ellos y esa viscómica que tienen ambos de modos diferentes —nadie puede discutir que la cara de Tudyk necesita bien poco para hacernos reír—, la peli sería algo mucho menos llamativo.

Valga decir que debemos tener presente que la virtud de esta peli no es solo la labor de unos protagonistas en su salsa y un trabajo eficaz de guión —un giro al final sorprendente— y dirección, sino también se aprovecha del resto de su equipo, y se nota, sobre todo en el montaje final, ya que el ritmo que hay en cada secuencia —y que va in crescendo— hace que la hora y media que dura la peli se nos haga demasiada corta.

En resumidas cuentas, Tucker and Dale vs Evil se trata del enésimo giro radical del género, uno que debe reírse de sí mismo para sobrevivir, tras más de cuarenta años de explotación continúa. Interesante para la mayoría, imprescindible para los fanáticos del terror.

La entrada Tucker & Dale contra el mal (Eli Craig, 2010) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.