Encanto es una película animada que destaca por su encanto visual, su narrativa emocional y su música contagiosa. La película, dirigida por Byron Howard y Jared Bush, con co-dirección de Charise Castro Smith, transporta a los espectadores a un colorido pueblo escondido en las montañas de Colombia. La historia gira en torno a la familia Madrigal, una familia extraordinaria que vive en una casa mágica llamada la Casita y cuyos miembros poseen habilidades especiales otorgadas por un milagro. La protagonista, Mirabel Madrigal, es la única miembro de la familia que no tiene un don especial. A pesar de ello, su valentía, determinación y amor por su familia la llevan a descubrir que el verdadero poder reside en su corazón y en su capacidad de unir a su familia en momentos de crisis.

Uno de los aspectos más destacados de Encanto es su impresionante animación. Los animadores de Disney han creado un mundo vibrante y lleno de detalles, desde la exuberante vegetación de la selva colombiana hasta los colores y texturas de la Casita. La atención al detalle es evidente en cada fotograma, haciendo que la película sea visualmente espectacular y una verdadera delicia para los ojos.

La música, compuesta por Lin-Manuel Miranda, es otro punto fuerte de la película. Las canciones son pegajosas, emotivas y perfectamente integradas en la narrativa. Temas como «We Don’t Talk About Bruno» y «Surface Pressure» no solo son musicalmente atractivos, sino que también profundizan en la historia y los personajes, revelando sus miedos, anhelos y secretos. La banda sonora de Encanto es una obra maestra que complementa y eleva la experiencia cinematográfica.

El guion de la película es conmovedor y lleno de matices. La historia de Mirabel y su búsqueda de identidad y pertenencia resuena con temas universales como la aceptación, el amor familiar y la superación personal. La relación de Mirabel con su abuela, Alma, es especialmente poderosa, ya que refleja el choque entre las expectativas familiares y la individualidad. A lo largo de la película, los personajes evolucionan y crecen, lo que añade profundidad y realismo a la narrativa.

Las voces detrás de los personajes también merecen mención. Stephanie Beatriz, quien presta su voz a Mirabel, entrega una actuación vocal emotiva y auténtica que captura la esencia del personaje. El elenco de voces, que incluye a John Leguizamo, María Cecilia Botero y Diane Guerrero, entre otros, aporta una riqueza y autenticidad cultural a la película que la hace aún más especial.

Encanto también destaca por su representación de la cultura colombiana. La película celebra la diversidad y riqueza de la cultura latina, incorporando elementos como la música, la danza y las tradiciones. La representación auténtica y respetuosa de la cultura colombiana es un testimonio del compromiso de Disney por la inclusión y la representación en sus películas.

En resumen, Encanto es una joya cinematográfica que combina una animación impresionante, una banda sonora inolvidable y una narrativa emotiva y profunda. Es una película que no solo entretiene, sino que también toca el corazón y deja un impacto duradero. La historia de Mirabel y los Madrigal es un recordatorio de que todos tienen un lugar y un propósito, incluso cuando no tienen dones especiales. Si aún no has visto Encanto, te recomiendo encarecidamente que lo hagas. Es una película mágica que te hará reír, llorar y, sobre todo, creer en el poder del amor y la familia.

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Enredados, también conocida como Tangled en inglés, es la aclamada película de animación de Disney estrenada en 2010. Esta producción ha conseguido cautivar tanto a los niños como a los adultos, gracias a su mezcla de ternura, magia, belleza visual y una historia tierna y conmovedora, características propias de la factoría Disney. Basada libremente en el cuento de Rapunzel de los hermanos Grimm, la película adapta el relato original a un tono más ligero y accesible para el público contemporáneo, suavizando los elementos más oscuros y crueles del cuento.

La historia sigue a Rapunzel (voz de Mandy Moore en la versión original), una joven de 18 años con un cabello largo y mágico que ha vivido toda su vida en una torre, aislada del mundo exterior. Su «madre» Gothel (voz de Donna Murphy) la mantiene encerrada, diciéndole que el mundo exterior es peligroso y que su única seguridad reside en la torre. Cada año, en su cumpleaños, Rapunzel observa desde su ventana cómo se elevan miles de farolillos en el cielo, sin saber que estos están destinados a encontrarla, ya que es la princesa perdida del reino. Un día, un ladrón apuesto y carismático llamado Flynn Rider (voz de Zachary Levi) se topa con la torre de Rapunzel mientras huye de las autoridades. Rapunzel lo captura y, después de un intercambio de negociaciones, lo convence para que la lleve a ver los farolillos a cambio de devolverle una valiosa corona que él había robado. Juntos emprenden una aventura llena de peligros y descubrimientos, en la que Rapunzel se enfrenta a la realidad del mundo exterior y descubre que su madre Gothel no es quien dice ser.

Uno de los puntos fuertes de Enredados es la profundidad y desarrollo de sus personajes. Rapunzel es una protagonista fuerte y decidida, lejos de ser una damisela en apuros. Es divertida, creativa y valiente, y a lo largo de la película demuestra su capacidad para enfrentar los desafíos y tomar control de su propio destino. Flynn Rider, cuyo verdadero nombre es Eugene Fitzherbert, aporta un contrapunto encantador y humorístico, y su evolución como personaje es significativa a medida que deja de ser un ladrón egoísta y aprende a valorar el amor y la honestidad.

Los personajes secundarios también son memorables y aportan mucho a la historia. Maximus, el caballo del ejército real, es uno de los más destacados. A pesar de su apariencia imponente, su comportamiento es más propio de un perro, lo que lo convierte en una fuente constante de humor y diversión. Pascal, el pequeño camaleón y fiel compañero de Rapunzel, es otro personaje entrañable que aporta momentos cómicos y de ternura.

La música juega un papel crucial en Enredados, con la banda sonora compuesta por el renombrado Alan Menken, quien ya había dejado su huella en clásicos de Disney como La Sirenita y La Bella y la Bestia. Las canciones son pegajosas y emocionales, contribuyendo a la narrativa y al desarrollo de los personajes. Temas como «Cuando mi vida va a comenzar» y «Veo en ti la luz» destacan por su belleza y lirismo.

Enredados marca un hito en la animación de Disney, combinando técnicas de animación por computadora con un estilo visual que evoca los clásicos de animación tradicional. La película se benefició de las innovaciones tecnológicas de la época, ofreciendo una animación fluida y detallada que captura la magia y el encanto del mundo de Rapunzel. Los efectos de luz, especialmente en la secuencia de los farolillos, son visualmente impresionantes y crean una atmósfera de ensueño.

A pesar de sus muchos aciertos, Enredados no está exenta de críticas. Algunos espectadores han señalado que la trama puede resultar predecible y que la villana, Madre Gothel, aunque efectiva, no alcanza el mismo nivel de complejidad y amenaza que otros villanos icónicos de Disney. Además, aunque la película se esfuerza por presentar a una heroína independiente, algunos han argumentado que aún recurre a ciertos estereotipos de género. Otro aspecto que podría considerarse una pega es el uso del 3D. Si bien esta técnica añade profundidad y dinamismo a la animación, también puede ser vista como innecesaria para algunos espectadores, quienes prefieren disfrutar de la belleza visual sin la incomodidad de las gafas 3D.

Enredados es una película que, a pesar de sus pequeñas debilidades, se erige como un clásico moderno de Disney. Ofrece una experiencia cinematográfica que combina aventura, humor, romance y música, llevando a los espectadores de todas las edades a un mundo lleno de esperanza, ternura y belleza. Para los niños, es una historia emocionante y conmovedora, mientras que para los adultos, es un viaje nostálgico que les recuerda la magia y la inocencia de la juventud.

La entrada Enredados (Nathan Greno y Byron Howard, 2010) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Casey Newton no es una chica cualquiera, no es una adolescente dispuesta a rendirse fácilmente, por eso siempre se enfrenta a todo aquel, sea profesor, familiar o compañera, que vea las cosas negras y sin salida. Muestra de ello es que, por las noches, se dedica a colarse en la planta de lanzamiento de cohetes en la que trabaja su padre para sabotear los trabajos de desmantelamiento, para evitar que su padre se vaya a pique. Pero, como era de esperar, tras varios ataques, es detenida, pero a pesar de que eso pueda amedrentar a cualquiera, para Casey será todo lo contrario, sobre todo cuando se cruce en su camino un pin de una antigua feria mundial que, al tocarlo, le muestra un mundo completamente brillante y futurista, en el que la tecnología, al servicio de la humanidad, ha permitido que esta haya avanzado hasta un punto increíble. Será por ello que no se rendirá a conseguir llegar a ese lugar, valiéndose de la ayuda de Athena, un robot con el aspecto de una niña, y Frank Walker, un huraño gruñón que una vez fue alguien con esperanza por el futuro… hasta que este empezó a torcerse.

Como ya comenté una vez, esta, al igual que John Carter o El llanero solitario, es una de esas pelis que se produjo en el momento inoportuno. Si bien parte de la misma idea que, por ejemplo, Piratas del Caribe, basándose en Disneyland —concretamente de uno de sus mundos—, reclutando a un director de éxito y un reparto sin parangón, pero irremediablemente, a la hora de la verdad no consiguió cautivar la imaginación del público, pero, a mi parecer, creo que el salto de más de diez años entre la peli de Gore Verbinski y la de Brad Bird, y la aparición de las grandes franquicias —por aquel entonces ya se había llegado a la fase 2 del MCU— hizo que se metiera una tortazo considerable… y es una pena.

Partiendo de la fascinación de Walt Disney por el futuro —que chocaba con la que tenía por el pasado—, uno de los territorios del Disneyland original se basó en la visión que se tenía del futuro en los años cincuenta y sesenta, algo que hoy está completamente desfasado, sin embargo, todavía hoy, sigue siendo un referente en los parques de atracciones. Esta es la premisa de Tomorrowland, que no es otra que la gente capte esa fascinación y crea que el futuro puede ser algo maravilloso, algo que los buenos de los imagineers se encargaron de llevar a cabo en lugares como el ya mencionado Tomorrowland, el Discoveryland de París o, siendo el ejemplo más claro, EPCOT. Pues bien, la presente peli lo consigue si uno se deja llevar por ella, no busca criticarla por ciertos elementos imposibles, otros de corte infantil, ya que lo cierto es que cuando alguien comparte la opinión de dicha premisa, sentirá como se le pone la piel de gallina cada vez que se viaje a Tomorrowland o con el maravilloso mensaje final… y no me refiero al brillante monólogo del gobernador Nix.

A efectos prácticos lo cierto es que la peli no tiene fallos, la trama es clara y concisa, y tiene los giros justos para captar nuestra atención; el reparto encabezado por nombres como George Clooney, Hugh Laurie y Britt Robertson, cumple de sobras y se ve que se creen sus papeles; los efectos digitales y prácticos se usan en su justa medida y están bien aplicados; y, finalmente, se nota que todo el equipo implicado, técnico y artístico, puso todos sus esfuerzos para que funcionara. Es por ello que no creo equivocarme cuando digo que el fallo de esta peli no fue tanto por como se hizo, sino por cuando se hizo.

Personalmente, mi relación con esta peli se ha ido estrechando, al principio solo me gustó, pero a medida que la fui viendo, me di cuenta que el mensaje que me mandaba me cautivaba hasta el punto de querer defenderla con uñas dientes, ya que creo que es un auténtico viaje. Por un lado, es un viaje hacia la nostalgia, sobre todo en su primera parte en la que se ve la feria mundial en la que participó Disney haciendo un sinfín de atracciones —muchas de ellas terminando en sus parques—; por otro, es un viaje de descubrimiento, ya que en seguida podemos empatizar con Casey y nos situamos en su lugar, queriendo saber que es Tomorrowland; pero, y tal vez el más importante, es un viaje emocional en el que exploramos lo que significa para nosotros el futuro y qué está en nuestras manos para conseguir llegar a uno por el que valga la pena vivir.

Debo admitir que no es un peliculón, lo que llamaríamos una cinta de culto, pero creo que sí que es una buena peli, una de esas de corte infantil que hubiese dado en el clavo en los ochenta o noventa, como Juegos de guerra, es decir, una de esas que se deberían recordar con cariño y que, a pesar del paso del tiempo, podemos volver a ver si miedo a ver que ha empeorado con el tiempo. Para aquellos escépticos que dudan de mi opinión, por favor, Tomorrowland merece una segunda oportunidad con la mente abierta, os sorprenderá.

La entrada Tomorrowland (Brad Bird, 2015) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Gabbie y su hijo Travis deciden trasladarse a Gracey Manor para vivir y convertirlo en un agradable Bed and Breakfast, pero cambian de planes cuando descubren que la casa está embrujada. Para ayudarlos recurrirán a Ben, un antiguo experto de Nueva Orleans en fantasmas, sin contarle un pequeño detalle… que todos aquellos que entran en la casa serán perseguidos por los fantasmas que la habitan hasta que regresen a ella. Junto a ellos también está el peculiar padre Kent y decidirán reclutar a una médium a un profesor universitario experto en casas embrujadas, para hacer frente a la maldición que rodea Gracey Manor… y todo lo que ello conlleva.

Estamos ante una peli que apareció por sorpresa de todos, creo que incluso de los implicados en ella. De la noche a la mañana, Haunted Mansion apareció en las marquesinas de las paradas de autobuses, y como fan acérrimo que soy de Disneyland en seguida se puso en la lista de las cintas que debía ver en el pasado 2023. Lo curioso de todo el asunto es que aunque debo admitir que se trata de una peli familiar donde las haya y que no tiene nada bueno, lo cierto es que me ha entretenido y divertido más que algunos de los grandes estrenos de este año, hasta el punto que me sorprendiera gratamente… y que no me sorprendiera nada que se pegara una castaña en las salas y pasara desapercibida en Disney+.

Como suele pasar las cintas basadas en atracciones de un parque, por maravillosas que sean, hay pocas que tengan éxito, salvo Piratas del Caribe, lo cierto es que todas las otras han pasado sin pena ni gloria, desde la Jungle Cruise de Dwayne Johnson a Tomorrowland de Brad Bird, sin olvidarnos de La mansión encantada protagonizada de Eddie Murphy, que era demasiado Eddie Murphy para peli demasiado plana, hasta el punto que uno se olvidaba cual era la premisa de la cinta. En este caso, la historia no queda oculta bajo la larga sombra de actor con demasiado carácter, y se nota el esfuerzo que se ha hecho para llevar a la gran pantalla todos los elementos que hicieron grande la atracción de Disneyland, sobre todo, partiendo de algo tan bueno como la narrativa de esta atracción. Además, todo el reparto se deja llevar por una historia que es más grandes que ellos, a pesar de tener nombres del calibre de Owen Wilson, Rosario Dawson, Jared Leto, Dany DeVito o Jamie Lee Curtis, casi como si se montaran en la atracción y se dejaran llevar. En este aspecto, toda la cinta parece estar pensada para que descubramos detalles de la propia atracción, con guiños a los conocidos momentos que solo aquellos que han montado en ella podrán identificar. Descubriremos desde los juegos de espejos, los giros de la vagoneta aplicados a la cámara, la retahíla de fantasmas que pueblan la Gracey Manor original, los misteriosos recovecos de esta, hasta la maravillosa Madame Leota o al temible fantasma Hatbox… y todos esos elementos que hacen de la atracción un lugar especial.

Ahí reside el error, ya que aún tratándose de una atracción muy conocida, su adaptación cinematográfica solo es apta para los más fans o aquellos que disfrutan de elementos de cariz nostálgico; además, la faceta familiar se aproxima más a una que existía en los años noventa, cuando seguramente hubiese sido un éxito, y no en este caso que ni tan solo ha conseguido llamar la atención cuando ha llegado a todos los suscriptores de Disney+, pasando con más pena que gloria y siendo un patinazo de una factoría que no consigue sacar a relucir lo que los hizo grandes.

Haunted Mansion no es una gran peli, pero tampoco es una mala, se trata de una cinta mediocre, enfocada a un público familiar que solo busca entretener sin otra pretensión. Una cinta que hace unos años hubiese gustado aún siendo del montón, pero que hoy, con lo sobrepasados que estamos, no tenemos tiempo para disfrutarla… al menos la mayoría, porque yo me lo he pasado teta y he tenido la sensación de estar en uno de los parques de Disney.

La entrada Haunted Mansion (Justin Simien, 2023) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Una noticia sacude Radiador Springs, la hermana de Mate —de la que nadie sabía nada— se va a casar en el otro extremo del país, él no quiere saber nada y quiere eludir la cita, pero Rayo lo convence para ir al acompañarlo, pero mientras que el corredor espera una viaje de lujo, Mate consigue llevárselo en un viaje por carretera… y todo lo que ello significa. Frente a ellos se extienden kilómetros y kilómetros de carreteras en las que podrán encontrarse de todo, desde hoteles encantados, exposiciones de dinosaurios, circos o monstruos legendarios.

A pesar de que, como siempre, Pixar y Disney enfocan sus productos a un público infantil, cuando uno se detiene a ver las historias que en esta miniserie se narran verán que van un poco más allá, y los adultos descubriremos referencias a la cultura popular no accesible a los más pequeños, o reflexiones sobre la vida no muy habituales en el imaginario de Pixar. Es decir, Cars en la carretera es algo más que coches con sentimientos, sino con unas vivencias, unos pensamientos y unas experiencias que nos sorprenderán.

Pero bueno, tampoco os creáis que es la quinta esencia de la filosofía moderna porque, se quiera o no, siguen siendo las aventuras de Rayo McQueen y Mate a lo largo y ancho de las carreteras americanas del universo de Cars. Cada episodio se podría decir que funciona de manera independiente, ya que en cada uno de ellos se cuenta una historia de un tipo o de otro, bastante dispares, que pueden ir de una de terror —la ya mencionada casa encantada al más puro estilo de El resplandor— a la guerra postapocáliptica —de clara inspiración madmaxiana—, a los más puros de comedia de situación, todo ello para hacernos disfrutar de un buen rato. Sin embargo, si nos detenemos un poco veremos que se nota —y bastante en algunos momentos— que se trata de un producto más de Disney para llenar su plataforma de streaming, como también lo fue la serie secuela de Monstruos S.A. Además, da la impresión de que estamos viendo lo que fueron ideas rechazadas para las pelis de Cars o lo que quedó de una hipotética cuarta entrega que, de momento, no ha llegado. Por otro lado, también sorprende, una vez más, la falta de relación que tienen algunas tramas entre sí y como el gran final de Cars 3 —en el que Rayo se convertía en el director de equipo de Cruz— pasan a mejor vida como si no hubiera pasado nada; parecido a lo que sucedía con los hechos narrados en Cars 2.

Lo cierto es que si bien son nueve episodios de unos diez minutos cada uno —que en un cálculo rápido viene a ser una hora y media, es decir, lo que viene siendo una peli estándar—, consiguen captar la atención del espectador, grande o pequeño, hasta el punto que te los zampas como si nada, y te quedas con ganas de más, ya que si bien Rayo y Mate son la constante, la narraciones diferentes, los tempos bien tratados y la incorporación de nuevos personajes que le dan juego, hacen que no se haga tan pesado como sucedía con La película de Mate, también conocida como Cars 2. Sin embargo, lo que personalmente hecho de menos es lo que hace de la primera Cars una tan especial, que son los personajes originales, los que dan vida a Radiador Springs; una serie de Cars hubiera sido la ocasión perfecta para conocer más cosas sobre Fillmore, Rojo, Flo o Ramón, como sucedía en Las 500 ½ de Radiador Spings que descubríamos quiera Stanley, el fundador del pueblo y difunto marido de Lizzie.

A pesar de todo y de estar lejos de la primera peli, Cars en la carretera supera un poco el mero producto de relleno de Disney+ y le da mayor profundidad a uno de los universos más extensos dentro de la factoría Pixar.

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Los años no pasan en balde para nadie, ni tan solo para Rayo McQueen, el que una vez fuera un rápido novato que puso en jaque a los veteranos de la Copa Pistón, ahora es uno de los corredores con más experiencia de la parrilla. Aunque sigue teniendo ese toque que lo hace único, todo da un giro de ciento ochenta grados cuando aparece en escena un joven Jackson Storm, un corredor de la nueva generación que lo adelanta sin más y, de la noche a la mañana, hará que Rayo deje de ser uno de los líderes absolutos de la Copa Pistón a tener que luchar para mantener el tipo. Y no solo será Storm, sino que, poco a poco, los corredores de la generación de Rayo serán sustituidos por novatos hasta que solo quede él de la no tan vieja escuela. Sin embargo, él seguirá luchando, con la mala fortuna de que lleve su cuerpo al límite y sufra un terrible accidente que lo deje fuera de las pistas. Cuatro meses después, mientras la mayoría creen que dejará las carreras como sus antiguos compañeros, él tomará la decisión de entrenarse duro antes de la primera carrera para poder luchar por el título contra el vigente campeón, Storm, aunque para ello deba lidiar entre los nuevos métodos que le impone el equipo y lo que Doc Hudson le enseñó.

Una década después del estreno de Cars, Rayo McQueen y sus amigos regresan a al gran pantalla como deberían haberlo hecho en 2011, con el mundo de las carreras en el centro de la acción, con una historia de superación de las siempre y con un carga emocional más que contundente como siempre ha hecho Pixar. La tercera entrega se distancia de la segunda y regresa a lo que marcó la primera, es decir, con Rayo con protagonista viviremos los más y los menos de ser un corredor profesional y, en este caso, lo que significa hacerse viejo en un deporte en el que los achaques pueden pasar factura. Por si esto fuera poco, además de recuperar a este personaje, también tendremos a Doc Hudson de vuelta —aunque solo sea brevemente—, con nuevas escenas de su juventud que van desde su accidente a algunas de sus mejores actuaciones; y es que uno de las mejores bazas con las que juega Cars 3 es la de ampliar el imaginario de este universo dando nombre y rostro a los corredores que compartieron pista con Hudson.

Después del patinazo relativo —relativo porque no se estrelló en taquilla pero perdió espirítu— de Cars 2, todo hacía pensar que aquí tendríamos otra aventura edulcorada de Pixar intentando sacar provecho de una de sus franquicias favoritas; sin embargo, lo cierto es que logran regresar al camino que marcó la peli de 2006 y aunque en muchos aspectos pueda recordar a ella, el transcurso y la evolución de la historia la hacen completamente diferente, hasta el punto de que la convierten en la sucesora natural de la primera peli.

Lo cierto es que ver a Rayo como un viejo corredor provoca casi lo mismo que ver a Woody o a Buzz dejados en una guardería, pero en este caso se sabe reconducir la situación y evitar la lágrima fácil para hacer que haya una correlación entre Doc Hudson, Rayo y Cruz, viendo que unos son los sucesores de los otros, sabiendo que aunque ya no estén o dejen de correr, su legado seguirá vivo. Además, casi como si corrigiera el error de Cars 2 y después de un sinfín de cortos que ampliaron la filmografía de Cars, aquí se decidió no seguir desgastando al personaje de Mate que, aunque aparece, lo hace en un segundo plano al no tener un papel lógico en la vida deportiva de Rayo.

Como hemos dicho, los años no pasan en balde, pero en el apartado técnico es para bien, ya que estos diez años favorecen de que el entorno de Cars sea mucho más realista que en 2006, hasta el punto de que sino fuera por los personaje de cuatro ruedas —con permiso de las tres de Guido— el realismo conseguido es sorprendente, hasta el punto de que, además de muchas otras cosas, podamos decir que Cars 3 es una película bonita de ver.

Después de ver recientemente las tres pelis en más de una ocasión por mi hija —algo de lo que ya hablé en el artículo de Cars—, tengo que decir que si la primera tiene ese encanto particular por conocer a los personajes —los habitantes de Radiador Springs son geniales—, creo en no equivocarme que esta cinta consigue llegarme más. No sé porqué, pero lo cierto es que la parte «nostálgica» cuando vemos al joven Hudson Hornet correr me llega mucho, hasta el punto de que me encantaría ver una peli de sus años mozos y descubrir a este personaje que parece tener mucho más de lo que aparenta.

En resumidas cuentas, a pesar de sus altibajos y de no ser tan sorprendente como la primera, Cars 3 logra recuperar la trazada que había marcado la primera entrega y devolver a los personajes a un mundo mucho más coherente y no tan pasado de vueltas como fue Cars 2. El cierre perfecto que merecía la trilogía.

La entrada Cars 3 (Brian Fee, 2017) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Como viene siendo costumbre en Hollywood, cuando una peli da el pelotazo, lo primero que se piensa es en hacer la segunda parte, y eso es exactamente lo que sucedió con Cars. La historia de Rayo McQueen caló lo suficientemente hondo en el público, la crítica y los realizadores para convertirlo en uno de los buques insignia de Pixar —aún hoy sigue siendo uno de los reclamos del estudio—, por eso cinco años después del estreno de Cars, llegó a la gran pantalla Cars 2… aunque lo cierto es que se debería haber llamado La película de Mate. El propio Lasseter ha contado en más de una ocasión que la idea para esta cinta se le ocurrió durante los meses de gira del estreno de Cars, preguntándose que haría Mate en situaciones raras y extrañas a lo largo y ancho del mundo. Así que, sin dudarlo ni un segundo, Rayo quedó en un segundo plano, cuya trama solo es una excusa para sacar a pasear a Mate, y los focos se centraron en él para convertirlo en algo tan alejado del personaje como un espía.

Después de cuatro largas temporadas llenas de triunfos, Rayo regresa a Radiador Springs para pasar un verano tranquilo junto a Sally, Mate y el resto de sus amigos. Sin embargo, Sir Miles Axlerod, un magnate de las energías renovables, organiza una carrera con los mejores corredores de todas las categorías, desde la fórmula 1 al rally, siendo Rayo, ganador de la Copa Pistón, el único que ha declinado el ofrecimiento porque quiere destacar. Pero Mate se interpondrá en su camino cuando tenga una acalorada discusión con Francesco Bernoulli, corredor de F1, provocando que Rayo deba dejar sus vacaciones y viajar con todo su equipo a Tokio, lugar en el que empezará la competición. Lo que ninguno de ellos sabe es que hay un misterioso villano —muy a lo James Bond— que pretende desbaratar los planes de Sir Axlerod manipulando su combustible ecológico para hacer que los coches en la carrera les estalle el motor. Por fortuna, para detenerlos, estará Finn McMissile, el mejor espía británico, que contará con la inestimable ayuda de alguien tan inesperado como… Mate.

Iremos por partes, en primer lugar se tiene que decir que es cierto que la peli es entretenida, y aunque en general queda por debajo de la primera parte, lo cierto es que cumple con los requisitos para divertir a toda la familia. Sin embargo, cuando uno hila más fino, verá que la trama tiene poco sentido y hace perder mucha de la coherencia lograda con Cars. Aquí, no solo Rayo queda en un segundo plano, sino que también queda al margen es factor más humano, más sentimental que caracteriza las cintas de Pixar, ya que salvo el conflicto en la amistad entre Rayo y Mate —algo que queda en un segundo plano rápidamente—, el resto de la cinta se centra, sobre todo, en esa faceta bondiana, dejando al margen una historia sincera y cercana para entrar de lleno en la acción de una gran superproducción de espías. Se podría decir que al hacer que el mundo de Cars crezca, yendo más allá de la Copa Pistón, los circuitos y de Radiador Springs, este pierde consistencia y la lógica se rompa.

Por otro lado, si bien en Cars Mate era una personaje esencial, al centrar toda la atención en él, vemos que deja de ser un simpático simplón —como pudiera ser Goofy—, para ser un personaje que llega a hacerse pesado, sobre todo cuando parece no entender nada de lo que le rodea y meterse en líos por el mero hecho de ser un «cateto de pueblo». Es decir si en la primera peli, a pesar del hecho de que todos son coches, te podías llegar a creer la trama, en este caso no sucede así, yendo de una situación imposible a otra sin parar.

Para sorpresa de nadie, John Lasseter se encarga de la dirección y de la historia junto al equipo principal de Pixar, mientras que en el reparto, además de repetir las voces que tanto encajaron en la primera cinta, se añaden nombres propios como los de Michael Cane, John Turturro, Joe Mantegna, Jason Isaacs, Bruce Campbell, Vanessa Redgrave y Franco Nero. Mientras que la versión española repite Fernando Alonso, a la vez que Lewis Hamilton se dobla a sí mismo en varios idiomas.

Lo cierto es que si te gusta mucho la primera parte, verás esta, aunque solo sea de paso por no decir que no las has visto, ya que incluso cuando uno descubre Cars 3, ve que los sucesos que tienen lugar aquí pasan bastante por alto, hasta al punto de poder ver la uno y la tres, sin perderte nada. Lo cierto es que se trata más de una peli para aprovechar el tirón de la primera y del carisma del personaje de Mate, con la mala fortuna que se excede en su grandilocuencia hasta el punto que la hace completamente prescindible. Una pena, pero por suerte hubo una cinta más para cerrar la trilogía.

La entrada Cars 2 (John Lasseter, Bradford Lewis, 2011) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Rayo McQueen es un famoso corredor que anhela ganar la Copa Pistón, sin embargo, él solo es el novato que ha sorprendido a todos, y deberá luchar por el título con el Rey, la leyenda del deporte, y Chick Hicks, el eterno aspirante, con los que está empatados a puntos. Sin embargo, cuando tiene el triunfo al alcance, por no hacer caso a su equipo y hacerse el fanfarrón, volverá a empatar en el último instante, haciendo que el desempate final tenga lugar en Los Ángeles una semana más tarde. Obcecado en llegar el primero, terminará por perderse en el largo viaje de noche y, de rebote, va a parar a Radiador Springs, un pueblo perdido en la vieja ruta 66 en el que deberá reparar la carretera que ha estropeado al llegar… ¡Ah! Por cierto, se me había olvidado comentarlo, todos los personajes son coches que han cobrado vida, al fin y al cabo, se trata de una peli de Pixar.

No os voy a engañar, cuando se estrenó esta peli, hará ya más de una década, la vi y me entretuvo, no lo negaré, pero no lo hice demasiado caso, la encontré interesante, bien hecha y divertida, pero ya. Sin embargo, cuando la vida avanza a uno le pasan cosas como, por ejemplo, tener una hija pequeña y es cuando recurres a ese género a veces tan denostado de la animación, y, casualidades de la vida, das con este ya clásico de Pixar —que, hoy, es uno de sus buques insignia, poco detrás de Toy Story― y, para que vamos a negarlo, fue todo un hallazgo, sobre todo para ello que se quedó prendada al instante de los personajes, de la historia y de todo el universo Cars.

Seguro que os estaréis preguntando a que viene todo este rollo, y no es solo por presumir de hija —que se sabe los nombres de los coches e, incluso, las canciones—, sino porque, a raíz de esto, he visto esta peli a través de otros ojos, unos nuevos, los suyos, hasta el punto de que una cinta que para mí siempre había sido del montón, ahora creo que está entre mis favoritas.

Como suele pasar con las cintas de animación, y más en las que tienen detrás la tradición Disney, detrás hay esa moraleja que tan sutilmente se nos envía a la cabeza para que no solo comprendamos la historia de Rayo y sus nuevos amigos, sino para que empaticemos con cada uno de los personajes poniéndonos en su lugar y tocándonos la fibra sensible. Veremos como Rayo pasa del más puro narcisismo a la solidaridad con rival director, y todo gracias a un grupo de personajes que le harán ver las cosas de otra manera, una más sencilla y, a la vez, más auténtica, demostrándole que lo más importante no es siempre ganar, sino vivir la vida de una manera que merezca la pena. Estamos ante toda una historia de redención al estilo Pixar —con la premisa de siempre de «¿qué pasaría si los coches tuvieran sentimientos?»— de la mano de Disney, siendo está la primera cinta producida después de la compra del estudio de Toy Story por parte de la empresa de Mickey Mouse. Y aunque tuvieron que lidiar con amenazas de plagio por parte de una peli protagonizada por Michael J. Fox, lo cierto es que consiguieron hacer aquello que tan bien se les da: narrar una magnífica historia.

Lo curioso de todo es que cuando es la quincuagésima vez que la ves te empiezas preguntar como estos coches animados logran hacer cosas tan sencillas como construir una pared o ponerse un sombrero, ya que físicamente son incapaces, pero la historia que se nos narra va más allá de estos detalles y logra capturarnos tan fuerte que cuando vemos al presuntuoso Rayo o el gruñón de Hudson, no vemos dos coches, sino que vemos unos personajes con alma.

Como es habitual y para mayor reclamo comercial, el reparto de voces en la versión original se llenó de actores conocidos como Owen Wilson, Bonnie Hunt, Cheech Marin, Tony Shalhoub, George Carlin, Michael Keaton y el gran Paul Newman como Doc Hudson, en uno de sus últimos papeles; mientras que en la española se optó por profesionales del sector que, a mi parecer, logran captar mejor la esencia de los personajes, y se redujó a los famosos a pequeños cameos como aquellos del mundo del motor y de la prensa, como Antonio Lobato, Fernando Alonso, Nani Roma, Dani Sordo, Pedro Martínez de la Rosa, Marc Gené, Pedro Piqueras, Hilario Pino, Iñaki Gabilondo o Lorenzo Milá. Y, como nota curiosa para los aficionados de Top Gear, Jeremy Clarkson fue el agente de Rayo, Harvey, en la versión británica de la cinta.

Al igual que sucedió con Toy Story, Monstruso S.A. o Buscando a Nemo, los responsables de Cars dieron con la tecla perfecta y consiguieron que todas las piezas, desde el concepto de la coches hasta la premisa de la historia encajara a la perfección para darnos una cinta que, todavía hoy, más de quince años después de su estreno sigue captando la atención de grandes y pequeños… entre los que me encuentro.

La entrada Cars (John Lasseter, Joe Ranft, 2006) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

¿Qué pasaría si las paredes del edificio de animación de Walt Disney Studios pudiesen hablar? Esta la sencilla premisa de la que parte este cortometraje, siendo además lo que una de las últimas leyendas de Disney, Burny Mattinson, se pregunta mientras sale del edificio; y, como no podía ser de otro modo en el mágico y maravilloso mundo de Disney, lo hacen. Cuando el edificio queda vacío Mickey y Minnie salen de los retratos de las paredes y empiezan a llamar a todos los demás personajes que han visto la luz a lo largo de los 100 años de historia desde que se fundara en 1923, que van desde los eternos amigos de Mickey, Goofy y Donald, a algunos de los más recientes como Flash, el perezoso de Zootrópolis, o, incluso, la protagonista de Wish. Todo ellos se reúnen de forma ordenada frente al edificio para una foto familiar que, sin duda alguna, puede ser histórica… y hasta aquí.

No voy a romper la magia contando el giro de guion que hace que aquellos que realmente hemos crecido y vivido de la mano de las pelis de este estudio se nos erice la piel en un momento tan perfecto que los que somos de lágrima fácil conectemos, pero si lo que quieres es algo que, en la práctica, apenas tiene argumento ―o que el que tiene es muy simple―, y juega con nuestros sentimientos, Érase una vez un estudio es precisamente eso, ya que va más allá de la historia, de los personajes o de los cientos de tributos que se esconden en sus escasos diez minutos; como sus propios creadores han dicho se trata de una carta de amor a estudio a Walt Disney Animation Studio.

Y es que se ha cuidado hasta el más mínimo detalle, ya que se ha recuperado grabaciones de la época de actores que ya no están con nosotros, para que Peter Pan o el Genio también pudieran participar de este gran momento… ¡y qué momento! Porque cuando… Ay, he dicho que no lo contaría, pero es que es imposible contenerse… cuando el Gallo de Robin Hood entona los primeros acordes de When You Wish Upon a Star sientes como la piel se te eriza en ese momento que si bien parece grandioso, también es muy sutil, ya que unas pocas voces cantando una canción en apariencia sencilla, a la vez que todo se resuelve de forma maravillosa para que, como sucede en los mejores cuentos, no haya un final mejor.

La lista de personajes que aparecen es interminable, hasta el punto que en momento de la foto final, si paramos el reproductor de Disney+ ―ya que la forma más normal de ver este corto es en la plataforma del estudio―, veremos que no solo se reduce a los de los largometrajes, sino que también aparecen los de los cortos o, incluso, Oswald, el conejo con lo que realmente empezó todo y sin la ausencia del cual no habría nacido Mickey Mouse, algo que marcaría un antes y un después en Disney y en la historia del cine.

Lo cierto es que no hay nada más que decir, ya que después de su estreno el pasado verano en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy, el corto no ha hecho más que recolectar elogios, no solo por el mensaje que envía, sino por la genialidad en cuanto a sencillez, hasta el punto de postularse para las nominaciones a los Oscar; y, si lo ganara, sería más un premio a la larga vida del estudio que no al corto en sí, casi como un Oscar honorífico a una larga trayectoria y, lo más sorprendente de todo, la supervivencia en un medio tan voraz como el cine.

Aunque en los largometrajes están recibiendo más varapalos que en otras épocas, lo cierto es que Disney sigue teniendo estos momentos de lucidez al producir pequeñas maravillas como esta, que harán las delicias de los aficionados de todas las edades, a la vez que nos hará sentir lo mismo que sentimos la primera vez que vimos algunas de nuestras pelis favoritas y que marcaron nuestra infancia. En muchos aspectos, aunque el corto se dedica póstumamente a Burny Mattinson y hay una clara referencia a Walt Disney, también se nota que se ha hecho para es público que no ha fallado nunca y que transmite el amor por las pelis de Disney a sus hijos. Esperemos que esto solo sea un punto y seguido y las nuevas generaciones puedan celebrar otro centenario tan especial como este.

La entrada Érase una vez un estudio (Trent Correy, Dan Abraham, 2023) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Después de cosechar todos los éxitos posibles en el Hollywood de principios del siglo XX, Walt Disney se fue apartando paulatinamente de la producción de películas —para lo que ya tenía un brillante equipo en el que confiar—, para centrarse en su siguiente gran sueño: crear un parque de atracciones al que poder llevar a sus hijas. Sin embargo, hasta ese momento, los parques de atracciones eran lugares sucios, con gente desagradable… lo que viene siendo una feria, pero él se propuso hacerlo diferente, crear un lugar en el que grandes y pequeños pudieran divertirse juntos sin miedo al entorno, un lugar limpio, tranquilo y lleno de magia en el disfrutar… un lugar llamado Disneyland.

Si eres de aquellos que sueñan en vivir en un parque de Disney, el que sea, no importa cual, y que siempre ha pensado que sería maravilloso trabajar en un de ellos aunque fuera barriendo el suelo de Main Street, estamos ante el programa perfecto, ese que nos deleitará y nos contará cosas que tal vez sabemos, pero muchas otras que nos harán ser todavía más fervientes seguidores de la factoría del ratón y los parques que tiene esparcidos por el mundo. Además, se nos da una visión muy amable de Walt Disney —sea cierta o no— y de toda la empresa que se dedica a hacer los parques, ya que se poner mucho énfasis en el hecho de que hay un esfuerzo en mezclar la ingeniería y la imaginación —de aquí el nombre con el que los bautizó Walt Disney— para que todo aquello que hay en las pelis de Disney que las hacen —o las hacían— especiales lleguen a ser algo tangible para el público de los parques.

A pesar de que el objetivo principal del programa es hacer un repaso exhaustivo a la historia de los parques, del primero de California, a las últimas atracciones que se han incluido en los parques, así como lo que depara el futuro, lo cierto es que se pueden distinguir dos partes muy claras. Por un lado tenemos la parte más nostálgica, esa protagonizada por Walt Disney y su hermano, así como la fase de los ochenta y noventa, que, por decirlo de algún modo, se podría catalogar como el nacimiento y expansión por el mundo, formando esa primera parte —y, personalmente, mi favorita—; mientras que la segunda sería la dedicada a esos avances tecnológicos —que, sin embargo, existen desde el principio— que superan con creces nuestra imaginación, hasta el extremo de conseguir efectos cada vez más realistas que pueden ir desde la recreación de las rocas flotantes de Pandora hasta la modernización con mapeado de imagen de las atracciones más clásicas, para que la magia que nació allá por los cincuenta no se apague jamás.

En este sentido, es cierto que toda la primera parte, aquella que llega hasta los noventa, tiene ese encanto que siempre tiene el pasado —ya que, como todos sabemos, cualquier tiempo fue mejor—, sea porque vemos y oímos de testigos de primera mano cómo se levantó el primer parque o cómo se crearon algunas atracciones ya clásicas, como Piratas del Caribe o Space Mountain, como por el esfuerzo que se hizo para sacar adelante estos proyectos titánicos que, al principio, parecían estar destinados al fracaso. Y es que, se quiera o no, la sensación que hay es que al principio, aunque siempre hay la sombra del negocio, es que existía un sueño por crear algo maravilloso y grande que dejaría al mundo impresionado —el propio Disney pasaba más horas en los parques que en los estudios—; mientras que en la recta final, ese halo de creatividad no se pierde del todo pero se ve que hay más de negocio que de arte, ya que se nos muestra no solo la búsqueda de nuevas tecnologías, sino el aprovechamiento y reciclaje de viejas atracciones para adaptarlas al público actual y las nuevas licencias —como Marvel, por ejemplo— de las que dispone la compañía.

A pesar de todo lo que se puede criticar, como amante del Disney más clásico y de los parques y de todo lo que los rodea, lo cierto es que es una serie documental que he disfrutado todas las veces que la he visto, y recomiendo su visionado a aquellos que, si pudieran irían cada semana a un parque, ya que la producción se ha esmerado en hacer que el espectador se traslade a estos maravillosos lugares como si estuviera allí mismo. Imprescindiblemente Disney.

La entrada The Imagineering Story (Disney+, 2019) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Los Clade es la familia más conocida de Avalonia, no solo por el abuelo, que desapareció cuando buscaba una ruta más allá de las montañas que rodean el valle en el que viven, sino también por Searcher, su hijo, que encontró el pando, una planta que da energía a todo cuanto lo que les rodea. Lo que no cuentan los libros de historia es que la relación entre padre e hijo no era magnífica, por lo que Searcher quiere hacerlo bien con su hijo adolescente, Ethan. Pero todo se complica cuando las plantas de pando empiezan a morir y lo van a buscar para que vaya más allá de dónde nadie ha llegado para descubrir qué sucede con la fuente de energía de Avalonia, aunque para ello deba enfrentarse a todo los obstáculos que pueda encontrarse, conocidos o no.

Estamos ante una cinta muy atrevida de ciencia ficción, por muchos motivos diferentes. Para empezar, se recurre a la ciencia ficción más clásica —esa que inspiró a toda una generación antes de los setenta—, para contarnos una historia con la inevitable moraleja de trasfondo que tanto gusta en Disney protagonizada por un elenco de personajes inclusivos… Y, ¡pam! batacazo que se lleva. Por lo que se ha sabido Mundo extraño es uno de los mayores fracasos de Disney, tanto en la animación como en las live action, ya que siempre han sido desafortunados al llevar a la pantalla el género de la ciencia ficción —sin ir más lejos, podríamos hablar de El planeta del tesoro, John Carter o Tomorrowland—, además, en este caso, la moraleja no recae tanto en las relaciones personales de los personajes —como sucede en Onward o Inside Out—, sino en un mensaje final muy importante para todos. Pero lo que realmente se ha cargado la película, es el boicot que se le ha hecho porque uno de los protagonistas, Ethan Clade, sea homosexual, por lo que países del todo el mundo han prohibido su estreno en salas y plataformas. Para rematar la faena, como si ya supieran de su fiasco, en muchos mercados, como el francés, Disney envío Mundo extraño directamente a plataformas, haciendo que ni la coletilla de: «de los creadores de Encanto», haya conseguido hacer remontar el vuelo. Todo ello nos lleva a preguntarnos, ¿hay para tanto?

Cierto es que estamos ante una de esas películas de Disney en la que no hay villanos —que son la mayoría— y que la trama es un tanto superflua, pero se trata de una aventura de la vieja escuela, bien construïda, con una lógica interna muy bien lograda que captará nuestra atención, sobre todo cuando, al final, comprendamos que es lo que está sucediendo. Por lo que respecta al boicot, es algo lamentable, pero que ocurre más veces de las que creemos —como con Lightyear y el beso lésbico—, y más cuando el tratamiento es completamente natural y su inclusión en la trama es correcto, no se nota forzado para cumplir, sino que es así cómo podría ser otro tipo de relación. Entonces, ¿qué sucede? En muchos aspectos creo que esta peli peca tanto de demasiado antigua como de demasiado moderna; por un lado, el trasfondo recae demasiado en una ciencia ficción muy típica hace casi cien años, pero que últimamente está un tanto de capa caída; y, por el otro, la inclusión en cuanto a los personajes, es demasiado atrevida para nuestras cortas mentes.

Todo ello, lo bueno y lo malo, lo que se critica y lo que debería elogiarse, para una película que tampoco es que sea el súmmum, sino que es más que aceptable, le repercute más que si es una buena peli o no. Por lo que el trabajo de gente como Don Hall y Qui Nguyen, que vienen de éxitos como Raya y el último dragón, Encanto, Vaiana o Big Hero 6, caiga en saco roto por pequeños detalles que, a priori, deberían ser intrascendentes que ni tan siquiera nombres propios en el doblaje como los de Jake Gyllenhaal, Dennis Quaid, Lucy Liu o Alan Tudyk, consiguen salvar.

Una película que, como muchas otras, recibirá un buen varapalo y permanecerá en una segunda o una tercera línea tras sus supuestos hermanos mayores, pero que, con el tiempo, seguro que recupera su caché y se convierte de culto, como ya sucedió con la mencionada El planeta del tesoro o Atlantis.

La entrada Mundo extraño (Don Hall, Qui Nguyen, 2022) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Dejando a un lado los debates que han surgido desde su estreno, como el del beso entre dos mujeres —que no se siente ni forzado, sino que es natural y acorde con los personajes— o el del doblaje —algo que poco nos importa en nuestras tierras, y más si pensamos que en nuestro caso la voz del Buzz Lightyear original es el gran José Luis Gil, cuyos problemas de salud nos tienen a todos en vilo—, y uno se centra en la película y en el mensaje con el que empieza: «En 1995, un niño llamado Andy Davis recibió un juguete de un guardián espacial en su cumpleaños. Era de su película favorita. Esta es esa película», descubrirá un cinta sincera, que acerca la ciencia ficción a los más pequeños de la casa y que, de paso —como siempre hace Pixar—, nos suelta una moraleja que nos toca la fibra sensible.

Lejos del juguete que nos cautivó en los noventa y que junto a Woody cambió el mundo de la animación para siempre, aquí Buzz Lightyear es un guardián del espacio, un astronauta, capitán de una nave estelar, que viaja con miles de vidas a su cargo pero que, debido a un accidente, quedan varados en un plante hostil y lejano. Sintiéndose culpable de lo sucedido, Buzz se esforzará para conseguir el combustible que permitirá reemprender el viaje. Sin embargo, durante las pruebas, debido a la velocidad que alcanza, su tiempo irá mucho más despacio que para sus compañeros en tierra, y lo que para él han sido cuatro minutos, para los demás han sido cuatro años. A pesar de ese salto, Buzz no se rendirá, aunque eso implique que, poco a poco, vaya hasta el infinito y más allá… Lo siento, tenía que meter la frase aunque fuera con calzador.

Aunque el enfoque es bastante sencillo y está claramente enfocado a un público infantil, lo cierto es que estamos ante una de las mejores cintas de ciencia ficción de los últimos tiempos, ya que se encuentra a mitad de camino de Star Wars y Star Trek, a la vez que no deja de ser una versión infantil de Interstellar. Si dejamos a un lado toda la parafernalia de Buzz Lightyear y Toy Story, la película explora los viajes al espacio, la relatividad del tiempo e, incluso, la posibilidad de los viajes en el tiempo. Cierto es que no da demasiadas explicaciones, pero es que debemos recordar que es una peli para niños. A pesar de las críticas y eso que se dice una recepción mixta, a mi parecer, es una película que encaja a la perfección con el concepto de ser la cinta que vio Andy antes de recibir el juguete de Buzz, ya que en los noventa, el cine infantil no era tan naif, sino que era mucho más atrevido que ahora, la mayoría de las cuáles están cortadas por el mismo patrón… que, valga la paradoja, marcaron los creadores de este personaje.

Como siempre, Pixar logra captar la atención del espectador, no solo con una animación impecable y cada vez más realista, sino también una cuidada historia de tendencia lacrimógena —no hay más que ver el resumen de las misiones de Buzz, que casi llega al nivel del prólogo de Up—, y por unos personajes simpáticos, cautivadores y que harán las delicias de todos. Así, de entrada, además del propio Buzz, del que veremos una evolución muy coherente y con la que fácilmente empatizaremos, también hay el grupo de improvisados guardianes, que cada uno a su manera, demuestra que cualquiera puede hacer grandes cosas —enésima moraleja de Pixar—, sin olvidarnos del animalito de turno, que en este caso se trata de Sox, un gato robótico de compañía cuyos recursos son ilimitados y que nos regalará las mejores frases y réplicas, siendo el compañero idóneo para el grandilocuente Lightyear.

En una época en que las franquicias y los grandes universos cinematográficos dominan la pantalla, si bien este título se vincula a Toy Story —contando sus cuatro entregas y sus innumerables cortos— y a la gran propiedad de Disney —que ahora es monstruo dispuesto a engullir el séptimo arte—, se nota que no pretende marcar el inicio de nada, sino dejar volar la imaginación del público —sobre todo del que disfrutamos de la primera Toy Story cuando éramos niños— y aportarle aún más realismo, sin necesidad de explotar hasta la saciedad la relación tormentosa de Buzz y Woody, o la de cualquier otro juguete que se una a la pandilla. En este aspecto, Angus MacLane, que se estrena como director en solitario después de codirigir Buscando a Dory, logra hacerlo simple, como si no costara nada conseguir un mensaje tan claro como el de Lightyear, a la vez que se entretiene a un público que, desafortunadamente, tiende a mostrarse quisquilloso.

¿Mi recomendación? Limpiar la mente de prejuicios, captar la esencia de la cinta en el mensaje inicial, verla y disfrutarla, y punto, no es película que se deba interpretar, discutir o buscar el punto flaco, porque, al fin y al cabo, no deja de ser una cinta de ciencia ficción muy ligera que busca atraer la atención del público más joven.

La entrada Lightyear (Angus MacLane, 2022) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Estella es una niña que tiene una particularidad: el cabello lo tiene mitad negro y mitad blanco, pero, además, tiene una faceta de su personalidad más alocada y atrevida que choca con la aparente «normalidad» del resto. Mientras está con su madre no hay problema, pero cuando esta muere, ella se ve abocada a huir y acaba convirtiéndose en una ladronzuela junto con sus dos nuevos amigos: Gaspar y Horacio. Años después, conseguirá un empleo en una importante casa de modas donde podrá desarrollar todo su talento —casi de genio— al servicio de una gran diseñadora, la Baronesa, pero cuando descubre que esta fue la culpable de la muerte de su madre y que, además, se apropia de sus diseños, dejará que esa otra personalidad se desate y entre en escena Cruella.

En la línea que últimamente impera en Disney de sacar el máximo provecho a sus propiedades, la factoría ha estrenado —en cines y en su plataforma de streaming— la «precuela» de los 101 dálmatas: Cruella. Como hicieran ya unos años con Maléfica, se intenta humanizar a una de las grandes villanas del cine de animación —porque se tiene que ser muy mala para matar a un perritos—, sin embargo, no se cae en el error de querer justificar todo el mal que hay en ella. Comparándola con la Maléfica de Angelina Jolie, esta Cruella no es taaan buena, cierto es que tiene un pasado —una infancia— que puede justificar su comportamiento, pero ya se nos explica que la crueldad estaba en su interior, solo necesitaba dejarla ir. En este sentido, al verla, no tienes esa sensación de querer hacer un limpiado de cara al personaje, sino más bien un revisionado correcto sin perder del todo la esencia. En el mundo que nos movemos ahora, es difícil de digerir que alguien quiera matar a más de cien perros por un abrigo, por lo que aquí ese detalle se corrige, incluso se deja entrever que Pongo y Perdita son regalos de Cruella, pero, por el resto, la villana sigue ahí. Además, por si esto fuera poco, con la brillante interpretación de Emma Stone, vemos la evolución del personaje, ese paso de bueno a malo de una forma correcto y con un ritmo creíble, como, poco a poco, se desarrolla el personaje de Cruella, como toma vida y entra en juego en el momento apropiado.

Del mismo modo, y sirviendo como baza a favor a la peli, es cierto que nos podemos permitir el lujo de perdonar el hecho de que Cruella no mate perros, porque estamos ante una cinta realmente buena para el tipo de mercado al que va enfocado. No es un mejunje extraño que busca la redención del personaje, sino la presentación de este, en muchos sentidos y con pequeñas excepciones actuaría como precuela. Por si esto fuera poco, la ambientación es perfecta, ya que nos sitúa en el boom británico de la moda de los sesenta y setenta en el que el personaje de Cruella es una fashion victim en busca de estilos rompedores, lejos del encorsetado mundo heredado de la Segunda Guerra Mundial. Y esto no es solo una patina superficial, sino que puede ser tomada como fotografía estática de esa época, ya que se percibe ese submundo de la moda callejera luchando contra la establecida por las grandes marcas. Cruella y la Baronesa son dos estilos diferentes y opuestos de entender la moda. Para remarcar esta época, la peli no solo saca provecho de la puesta en escena y el vestuario, sino también de la música, que está plagada de grandes títulos de Queen, Supertramp, Bee Gees, Nina Simone, Blondie, The Clash… que le dan ese toque tan necesario para hacernos viajar en el tiempo.

Como no podía ser de otro modo, el reparto, encabezado por Emma Stone, está plagado de grandes estrellas —como Emma Thompson, Joel Fry, Paul Walter Hauser, Mark Strong, Kayvan Novak…— que se aseguran que todo lo anterior no caiga en saco roto. Porque la peli dirigida por Craig Gillespie, aún siendo un encargo de Disney que ha ido pasando de mano a mano, consigue algo que no siempre es fácil, tener un resultado espectacular. Lejos de la ya mencionada Maléfica o el Aladdin de Guy Ritchie, que les pesaba lo de ser un encargo bastante forzado, en el caso que tenemos entre manos la historia, los personajes y todo cuanto les rodea se mueven con la fluidez necesaria para que las más de dos horas de metraje no se nos hagan largas; puede que este sea el único defecto de la cinta, que le sobran unos veinte minutos, que agilizarían el ritmo en algunos pasajes demasiado reflexivos. Por lo demás, estamos ante una cinta fresca, genial, que aún queriendo revisionar a un personaje clásico —algo que siempre lo tiene todo en contra—, logra convencernos lo suficiente para aceptar las diferencias. Salvando todas las diferencias, Cruella podría ser el Joker de Disney, no por la maldad inherente del personaje —que la tiene—, sino por el hecho de enfocar el personaje de forma alternativa y sin necesidad de conectarla con el universo existente.

La entrada Cruella (Craig Gillespie, 2021) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Kumandra era un antiguo reino fantástico en el que todas las criaturas vivían en armonía, hasta que los druun —unas extrañas entidades oscuras que convierten a todos en piedra—, los dragones se sacrificaron por el resto. Sin embargo, en lugar de lograr que los humanos siguieran conviviendo en paz, estos se dividieron en cinco tribus. Quinientos años más tarde, cuando las diferencias han convertido el antiguo reino de Kumandra en un lugar lleno de recelos y odio, Benja, el líder de Corazón y padre de Raya, intentará reunirlos a todos de nuevo bajo la gema del dragón, pero en su lugar, los miembros de Colmillo intentarán robarla, provocando que se rompa, que cada tribu coja un pedazo y que los druun vuelvan a campar libremente. Ahora, seis años después, cuando Raya ya es una guerrera por derecho propio, pondrá todos sus esfuerzos en encontrar a Sisu, el último dragón, reunir los cinco pedazos de la gema y hacer que todo vuelva a ser como antes… y su padre vuelva a estar a su lado.

Estamos ante la nueva peli de Disney —cuyo estreno estaba previsto para finales del 2020, pero que ahora nos llega mediante su plataforma de streaming— y, como siempre, no solo pretende contar una historia llena de magia y fantasía, sino que también quiere enviar un mensaje, una moraleja. En este caso, se busca reivindicar la confianza en los demás, en los que nos rodean, ya que, como sucede en Kumandra, el egoísmo, la individualidad y el pensar en nosotros mismo solo pueden traer pena, desgracia y tristeza. En este sentido, el clímax de la trama viene cuando los protagonistas confían los unos en los otros —incluso en sus más acérrimos enemigos—, consiguiendo el bien común, recuperando la alegría, la paz y la felicidad.

En este sentido, seguimos el viaje de Raya, la protagonista, que aunque pretende reunir al mundo, desconfía de todos y de todo, pero sin darse cuenta, en su camino, hallará a personas que, como ella, por culpa de los druun —personificación de los males de la humanidad—, han perdido a su familia; y, sin darse cuenta, los reunirá formando un grupo que procede de las cinco tribus y que logra entenderse, dándose cuenta que los parecidos son más que las diferencias.

Siguiendo la tónica de los últimos años, si bien sigue manteniendo esa estética de dibujo animado, los avances técnicos aplicados a la animación logran que cada fotograma parezca una fotografía y no creación digital. El agua, las plantas, el cabello y todo un largo etcétera de pequeños detalles son tan reales que el conjunto de todos ellos a veces nos hace dudar de si estamos viendo una peli de dibujos o un documental de naturaleza.

Además, la estética sigue abriéndose a nuevos mundos, es decir, se aleja de la óptica más occidental, y se dirige hacia Asia, concretamente, saca provecho de una mezcolanza de elementos propios de país como Vietnam o Camboya, es decir, del Sudeste Asiático. Y es aquí donde entran los dragones, que aunque recuerdan inevitablemente al viejo Mushu, logran captar la atención por las líneas de sus movimientos y la fantasía que comportan. El resultado es que se traslada al espectador al universo mágico y mitológico de esos países, sin caer en el error de resultar pesado o monotemático; ya que cada una de las tribus vive en un entorno completamente original y diferente al resto.

Siguiendo en la línea ascendente que marcó la factoría desde Enredados, Raya es un episodio más de la nueva Disney en el que los mundos de princesas y aventuras se cruzan para lograr una peli visualmente perfecta, que logra entretener a todos los públicos y, de paso, concluye con un bonito y necesario mensaje.

La entrada Raya y el último dragón (Don Hall & Carlos López Estrada, 2021) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

En esta moda de Disney de hacer remakes de carne y hueso de las películas de animación, le ha tocado el turno a Aladdín, uno de los grandes clásicos y una de las mejores películas de esta franquicia de la que ya hemos hablado, por lo que vamos a analizar principalmente las diferencias entre la nueva y la clásica de 1992.

Entre el revuelo y la expectativa de esta nueva película estaba la inclusión del conocido actor Will Smith como el genio de la lampara, el principal reclamo con el que se anunciaba la película, y eso que en los primeros tráilers hubo mucha polémica por el aspecto del personaje, pero tras ver la película -con cierto escepticismo al principio- tengo que reconocer que este genio no es tan malo como uno podía esperar. Esta claro que no llega al nivel de la original pero aun así sigue siendo lo mejor de la película, Will Smith se le ve muy crecido y se nota que se lo tubo que pasar muy bien, la peli está hecha de tal manera para que se luzca todo el rato y sea él el centro de atención. En cuanto a Aladdín y Jasmín, la verdad es que los actores cumplen con el perfil pero son totalmente planos, sin destacar y sin ofrecer nada fuera de lo común. Lo mismo pasa con el mono Abu y el loro Iago que quedan muy en segundo plano, con un CGI poco elaborado se nota que no han querido darles protagonismo, como si esos personajes sobraran para la película. Pero el peor personaje, el que menos me ha gustado ha sido Jafar. Se han cargado todo el carisma que tenía el personaje en la peli de animación, este nuevo Jafar no deja de ser un joven modelo disfrazado con cero personalidad, lo han convertido en un malo random que es malo por exigencias del guión y punto, un autentico despropósito, si algo destacaba de los clásicos Disney eran los villanos, únicos, divertidos y con una maldad con sentido y motivada por algún acontecimiento pasado.

En cuanto a la historia, sigue siendo la misma aunque con algunos ligeros cambios propios de las adaptaciones actuales, es una adaptación muy fiel aunque no lo copia plano por plano, sorprende que el director de esta película sea Guy Ritchie y digo sorprende porque no es uno de esos directores que te esperarías ver en este tipo de pelis. Aun así no vas a ver nada propio del estilo de Ritchie, por lo que no esperes nada fuera de lo común.

Por supuesto no podía faltar el gran repertorio de canciones propias de una película así, tenemos todas las de la peli original adaptadas e interpretadas de nuevo para esta película, añadiendo alguna nueva además de coreografías y bailes grupales donde el colorido de los escenarios y la situación en sí recuerdan a las típicas de Bollywood, posiblemente sea lo mejor de la película.

Por supuestísimo que la original de animación de 1992 es mil veces mejor -de eso no hay duda-, pero pensaba que esta sería un autentico despropósito y dentro de lo que cabe, creo que es una de las mejores adaptaciones de estas que se están haciendo con personajes reales. La peli se disfruta, no se hace pesada, a pesar de durar media hora más, y dentro de lo que cabe es entretenida. ¿Era necesario este remake? No. ¿Aporta algo fresco y nuevo? Tampoco. Pero el money es el money y Disney sabe muy bien como estrujarlo.

La entrada Aladdín (Guy Ritchie, 2019) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Aprovechando que el remake de Aladdín en carne y hueso está en los cines, es un buen momento para recordar el clásico de Disney de 1992.

Basada en el popular cuento árabe Aladino y la lámpara maravillosa incluida en la recopilación Las mil y una noches. Narra la historia de Aladdín, un joven de origen humilde que, junto con su inseparable mono Abú, se dedica a robar comida en la ciudad de Agrabah para poder sobrevivir. Su ilusión es la de ser alguien importante algún día. El destino hace que se cruce con la princesa del sultán de Agrabah, Jasmín una joven que tiene que buscar marido antes de su aniversario. Aladdín se enamorará de ella pero sabe que no tiene ninguna posibilidad de conquistarla. Pero todo cambia cuando el hechicero Jafar le pide a Aladdín que le consiga una lámpara mágica que se encuentra en las profundidades de la cueva de las maravillas a cambio de todas las riquezas que pueda imaginar.

De la mano de los mismos directores que hicieron La Sirenita, El planeta del tesoro, Tiana y el sapo, o Hércules, llega una de las mejores películas de animación y de la factoría Disney, Aladdin fue -y lo sigue siendo- una gran película, un diamante en bruto como el propio Jafar dice. Aquí todo es excepcional, posee una estética árabe medieval con su característico diseño en la ciudad o la vestimenta de los personajes, con gran colorido y detalle. Además la película despoja muchos gags cómicos y muchos diálogos divertidos, gracias sobretodo a los personajes que tiene, sin duda el mejor de todos es el Genio de la lámpara. Un Genio de lo mas variopinto con un sentido del humor muy surrealista, cuyo doblaje en la versión original fue interpretado por el propio Robin Williams y en la versión española fue Josema Yuste -cuya interpretación no desmerece respecto a la de Robin-, cuando el Genio aparece en pantalla el nivel de diversión sube como la espuma, cuenta además con la habilidad de conceder tres deseos a la persona que frote la lámpara. En contrapartida está el malo de turno Jafar, el visir del Sultán que ansía hacerse con el poder de la lámpara para convertirse él en el nuevo Sultán de Agrabah, sus manipulaciones no alcanzan límites, tiene como compañero a Iago, un loro muy astuto y casi con la misma maldad que su amo. Además de sus grandes personajes, la banda sonora está a la altura del film, esta vez no hay tantas canciones como en otros clásicos de Disney (algo que se agradece) pero aun así tiene muy buenos temas, como la de “un mundo ideal” o “Un genio genial”.

En definitiva Aladdín es uno de los mejores clásicos que la factoría Disney ha sacado a lo largo de su historia, sus personajes, su sentido del humor, su historia y su gran banda sonora, todo está muy cuidado y con un nivel altísimo de calidad. Gustará a niños y a no tan niños. Sin duda está en el top five de las mejores pelis Disney.

La entrada Aladdín (John Musker, Ron Clements, 1992) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Después de años haciendo lo que tiene que hacer Christopher Robin, aunque tal vez no ha olvidado el Bosque de los Cien Acres, sí que parece haber olvidado lo que significa. Poniendo siempre su trabajo por delante de lo que realmente importa, como su vida, su familia o, sobre todo, su hija, Christopher ha perdido el norte y se sume en un torbellino de depresión al desperdiciar su vida con las «obligaciones», aunque él no se de cuenta de ello. Pero todo cambia cuando alguien inesperado regresa a su vida… Winnie the Pooh irrumpe en su vida trastocándola. Asustado, Christopher se lo llevará lejos de Londres, para devolverlo a su hogar, el Bosque de los Cien Acres, pero será él el que terminará perdido en ese mundo mágico que un día fue suyo.

Con la vena que le ha cogido a Disney por adaptar sus clásicos en acción real, ya tardaban en regresar el dulce osito y sus amigos, y, a diferencia de ocasiones anteriores, lo hace de una forma brillante. Como lo fue Hook para Peter Pan, en esta ocasión no se revisa el clásico, sino que se hace una secuela, una continuación de lo que sucedía en él, para descubrir a sus personajes una vez han pasado los años. De la misma manera que en la película de Steven Spielberg, aquí se hace ver que las cosas que nos gustaban de pequeños, las que nos hacían ser como éramos, no deben ser olvidadas. Y esa es la clave de la película, a pesar de lo que pueda parecer —ya que se trata de una historia infantil—, Christopher Robin es un película enfocada al público adulto, ya que pretende recuperar aquellos que hayan olvidado lo bueno de ser un niño; aquellos que disfrutaban de las historias de Pooh, Piglet, Tigger y demás.

Para que esta fórmula funcione, al igual que lo hizo con Domhnall Gleeson en Peter Rabbit, todo el peso de la historia recae en Ewan McGregor y sus amigos digitales que harán las delicias del público. Y es que los personajes que no han podido dar vida personas, es decir, todos los habituales del universo de Pooh, han sido llevados de nuevo a la gran pantalla de una manera irrepetible. Hay un par, Conejo y Búho, que son animales, como sucedía en los dibujos, sin embargo, el resto, que se tratan de peluches y juguetes, toman una vida inesperada, casi parecen juguetes reales actuando frente a la cámara. Los primeros planos de Pooh, de Piglet o Tigger son tan creíbles como el del mejor de los actores, te aportan una sinceridad y te llegan al corazón con una facilidad que se ve pocas veces en personajes generados por ordenador.

El argumento, al tratarse de una película Disney enfocada a un público infantil —aunque los que más la disfruten sean los adultos—, es más bien sencillo, y todo gira en torno a que Christopher Robin se encuentre a sí mismo, y vuelva a ser el que era antes de que sea enviado a un internado. Nada más y nada menos, y, evidentemente, lo consigue… Creo que esto no se puede llamar spoiler, porque era más que previsible, como el resto de la historia, pero los gags bien buscados de Pooh en Londres —muy parecidos a los de Paddington—, y las situaciones divertidas en el Bosque con los demás personajes, harán que toda la familia pase un rato muy divertido.

Como es de esperar no será la película del año, ni una de las más taquilleras de la factoría Disney, pero sin duda se convertirá en una de esas que todo el mundo puede ver una Navidad tras otra, sin que nadie proteste, porque es sencilla, es bonita y es perfecta… que más se le puede pedir.

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Como viene siendo habitual en anteriores cortos de «How to…», el narrador nos explica lo esencial de un deporte como es el golf, mientras que Goofy no hace más que complicarse la vida para seguir las instrucciones del narrador. Desde un principio se nos presenta el golf como un deporte pausado y tranquilo, ideal para que sus jugadores se relajen mientras van de un hoyo a otro. Sin embargo, cuando Goofy empieza a jugar —y como nos ha demostrado en otros cortometrajes— la cosa se enreda, por un lado porque parece ser que las actividades físicas se le resisten, aunque no cesa en el intento; mientras que, por el otro, toda la acción desemboca en una situación en el que el golf deja de ser un deporte relajado y pasar a ser un deporte de contacto y muy, pero que muy activo… Sobretodo cuando te persigue un toro enfurecido.

En How to Play Golf se recurre de nuevo a un elemento que podrías llamar habitual en los «How to…» de Goofy, la silueta como personaje activo del corto. Si primero fue la sombra y después el perfil humanizado, aquí se simplifica la imagen de este personaje a un simple monigote de líneas que, sin embargo, es un genio del golf, que no hace más que intentar enseñar a Goofy a jugar. Lo divertido de la combinación entre este personaje y Goofy es que este, una vez más, es capaz de otorgarle una humanidad de la que carece; a la vez que cruzan la cuarta pared interactuando con el público.

En este cortometraje, Goofy añade a su variedad emocional la irascibilidad de Donald, perdiendo el control cuando no consigue hacer un buen swing.

How to Play Golf nos ha dejado gags para los anales de la animación, como la alocada persecución final entre Goofy, la silueta y un toro al son de la banda sonora de The Lone Ranger.

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«Todo el mundo debería aprender a nada», con estas simples palabras el narrador abre este cortometraje en el que veremos a Goofy aprender a nadar, primero en seco sobre un taburete a la vez que se juega el físico ante el tráfico mientras nada como los buscadores de perlas, salvavidas y… ranas.

Una vez dominada la teoría de la natación debemos aprender a cambiarnos en una típica caseta de playa, algo que hoy se podría traducir en hacerlo en la parte trasera de un coche. En esta parte del cortometraje también conocemos lo perjudicial de comer mucho antes de nadar. Seguidamente, a pesar de que Goofy no es un lince en los deportes, el narrador lo conduce a probar el salto del trampolín, que Goofy practica sin la menor gracia.

Visualmente, How to Swim contiene algunos de los mejores gags de Goofy, desde el que ya hemos comentado de la natación sobre un taburete, al intento de cambiarse en el interior de una caseta de playa —algo que nos puede recordar el camarote de los Hermanos Marx en Una noche en la ópera (1936)—, o el salto de trampolín, tanto en la parte del salto, como en el gancho final de encontrar la piscina vacía.

Este cortometraje bien podría considerarse una continuación del de Hawaiian Holiday (1937), tanto por el bañador de Goofy como por la tonadilla que no deja de sonar.

Uno de los elementos que regresa a la serie de cortometrajes de Goofy es la sombra o silueta. En esta ocasión, una silueta de aspecto humano parece que al principio es un inofensivo perfil para que Goofy se guie, sin embargo, en seguida descubrimos que es igual de malintencionada que la sombra de The Art of Self Defense (1941), ya que utiliza la cabeza de Goofy como trampolín.

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Goofy se encuentra en una estación de esquí dispuesto a aprender todo sobre este deporte. Quién dice dispuesto, dice durmiendo a pierna suelta, tan dormido que incluso el narrador tiene que despertarlo. Una de vez de pie, el aprendizaje empieza con el atuendo. Sin embargo, Goofy comete el error de vestirse llevando los esquís puestos, por lo que los resultados, aún con las palabras del narrador, no acaban siendo como deberían. Preparado para esquiar, Goofy va hacia las pistas para empezar sus descensos, pero, al igual que con la ropa, a pesar de las instrucciones que le da el narrador, nuestro protagonista no hace más que complicarse la vida para acabar perdiendo el control de los esquís y salir volando sin ellos, o incrustarse, cual pájaro carpintero, en una pared de hielo.

Aunque los «How to…» de Goofy no fueron cosa de un día para otro, sino que se fueron gestando ya desde The Fox Hunt (1938), The Art of Skiing fue el primero de ellos, tanto en forma como en contenido. Por un lado Goofy deja de hablar por completo, ni tan solo las conocidas expresiones creadas por Colvig son imitadas, mientras que la única voz que se escucha es la de John McLeish en su papel de narrador, que, queriendo o no, se convierte en el coprotagonista de estos cortos. Por el otro lado, las situaciones en las que se ve inmerso Goofy son deliberadamente cómicas, para provocarnos las carcajadas con esa extraña combinación de elasticidad carente de agilidad y patosería con suerte.

Es importante remarcar que, aunque hablar no habla, en The Art of Skiing aparece, por primera vez el clásico alarido de Goofy, realizado por el cantante tirolés Hannes Schroll, y que sería utilizado a partir de ahora como un recurso habitual del personaje.

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Tras la partida de Pinto Colvig debido a una disputa con Walt Disney, Goofy, que empezaba su andadura en solitario se quedó sin voz. Tras utilizar a George Johnson y estrenar los cortos ya grabados por Colvig, los realizadores se dieron cuenta de que los cortos de este personaje debían replantearse para que no fuera tan necesaria su expresión oral, aunque en Goofy and Wilbur ya se podía ver que eran capaces de ello. Por este motivo se optó por estos cortos con un narrador que daba instrucciones que Goofy seguía, más o menos, al pie de la letra.

Mientras el narrador va dando instrucciones, Goofy prueba todas las maneras posibles para emprender el vuelo a bordo de su planeador.

Aunque no lo lleve por título, este cortometraje puede considerarse el primer «How to…» de Goofy. Sin ir más lejos, el libro que consulta constantemente el personaje lleva por título «How to Fly», que bien hubiera podido ser utilizado como título del corto, en lugar de Goofy’s Glider.

En el aspecto visual, Goofy pierde un poco el perfil establecido por Babbitt unos años atrás, para muscularse un poco —como si se hubiera preparado para los gags físicos que estaban por venir— y acentuar esa actitud de despiste constante que lo lleva a provocar todo tipo de accidentes. Un dato curioso es que, en Goofy’s Glider, es la primera vez que el personaje tiene cinco dedos, y no en todas en las escenas. Por ejemplo, cuando cuenta hasta diez antes de tirar de la cuerda del paracaídas.

Otra de las novedades que aparecen en este corto es la música de introducción y conclusión, que a partir de ahora encabezaría los cortos de Goofy, aportándole ese aire tan simpático.

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Mickey, Donald y Goofy abandonan la contaminada y horrible ciudad en una maravillosa caravana, para buscar lugares más agradables. Aunque el coche que tira de ella está un poco destartalado, la caravana tiene de todo: camas, cocina, baño, espacio para el coche, e, incluso, todo un escenario para tener siempre unas vistas perfectas. Y lo más impresionante de todo ello, que lo tiene en un solo habitáculo absolutamente mecanizado.

Todo parece prácticamente idílico, pero, mientras desayunan, y por culpa de un despiste de Goofy —que ha dejado el coche en marcha para sentarse a la mesa—, la caravana se desprende del automóvil y empieza un descenso cuesta abajo, con Mickey y Donald en su interior rezando para no estrellarse, ni caer por un precipicio.

Nuevo cortometraje protagonizado por el trío de estrellas, que una vez más demuestran tener unos roles y unos perfiles bien definidos. Mickey es alguien hábil con recursos, Donald es un cascarrabias y Goofy es un auténtico desastre, pero como nos gusta verlo así. Sin ir más lejos, durante el desayuno, Goofy protagoniza un gag brillante cuando intenta comer algo. Primero ve como unos cajones le arrebatan una patata cocida, después, los mismos cajones, le revientan una sandía en la cara y, finalmente, aunque consigue hacerse con una mazorca, por error de cálculo, acaba convirtiéndola en palomitas al meter un tenedor en el enchufe mientras la sostiene.

Este corto —en el que Pete hace un breve cameo como conductor de un camión— es, sin duda alguna, uno de los más geniales de la época. Ya que, además de que los realizadores demuestran un talento técnico increíble, visualmente tiene una fluidez y un dinamismo incomparables.

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Mickey, Donald y Goofy son los limpiadores del reloj de una torre y, a pesar de sus sorprendentes métodos, se esfuerzan para llevar a cabo su tarea. Sin ir más lejos, Donald se esfuerza tanto que, al limpiar el muelle principal, acaba por desenrollarlo; Mickey tiene un encontronazo con una cigüeña que se niega a abandonar la maquinaria del reloj; y Goofy se encarga de limpiar el interior del campana, a pesar de los golpes que esta recibe. Será uno de estos golpes, que Goofy recibe directo en la cabeza, que lo lleva a tambalearse al borde de la torre, cayendo en numerosas ocasiones, en las que Mickey hará lo imposible para salvar a su amigo.

Clock Cleaners es, sin duda, uno de los mejores cortos protagonizados por el trío de personajes. Tiene una historia que se asemeja a las viejas aventuras de Harold Lloyd, pero los animadores supieron llevarla al terreno de la animación y lograr una auténtica obra de arte. Por ejemplo, además de un tratamiento excelente de los personajes, existe un deseo por mostrar la altura de la torre del reloj, para conseguir transmitir al espectador la sensación de que está a punto de caer junto con Goofy.

A parte de esto, Clock Cleaners tuvo cierta controversia en relación a los diálogos de Donald, en el que incluía frases malsonantes poco apropiadas para una audiencia infantil y —para los años treinta— también adulta. Así que pronto estuvo de no estrenarse, sin embargo, aprovechando la peculiar pronunciación del pato y un par de pinceladas en las líneas esto se corrigió y pudo ver la luz.

Por lo que respecta a Goofy, miembro de pleno derecho del trío, se muestra en todo su esplendor, con una animación muy dinámica y cuidada, que lo convierte en el elástico personaje al que todos queremos ver hacer sus, en este caso, peligrosos equilibrismos.

La entrada Clock Cleaners (Ben Sharpsteen, 1937) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Mickey y Donald son dos compañeros de casa que, tras seis meses de deudas, no puedes pagarlas, y el sheriff —interpretado por Pete— les prepara el desahucio y la confiscación de todos sus bienes. Apurados empiezan a recoger las cosas, ayudados por el repartidor de hielo, Goofy, con la intención de meter en su camioneta todo lo posible antes de que el sheriff lo venda. Cada miembro del divertido trío se hará cargo de una cosa diferente, mientras Mickey carga el baúl, Donald se peleará primero con un desatascador, después con una pecera y, finalmente, con un escape de gas; todo ello, a la vez que Goofy hace lo imposible para cargar un piano en la camioneta.

Es curioso como, a pesar de tratarse de un corto de la serie de Mickey, los auténticos protagonistas son Donald y Goofy. Sus carácteres —ya bien definidos y con muchos detalles— a la vez tan opuestos como simpáticos, los convierten en los personajes perfectos para introducirlos en las tramas tan surrealistas como la que tiene que hacer frente Goofy, cuando el piano cobra vida y se niega a abandonar la casa, o la hilarante escena de Donald y el desatascador.

A pesar de que ya había trabajado en anterioridad con Goofy, esta será la primera ocasión en la que Art Babbitt pondrá todo la carne en el asador, haciendo de Moving Day el ejemplo perfecto de lo que había teorizado un par de años antes al hablar de Goofy y de su forma de ser. Es en este corto donde vemos que el carácter del personaje se mezcla con la forma de moverse y de reaccionar de las cosas. Por ejemplo, aunque hay momentos en los que parece enfadarse con el piano que no cesa de resistirse, en seguida pierde el hilo del enfado y acaba, por ejemplo, disfrutando de un corte de sandía tras reventar la puerta del frigorífico.

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