Cuando pienso en la edad dorada (y decadente) del terror británico, inevitablemente me viene a la cabeza Captain Kronos, Vampire Hunter, esa pequeña rareza producida por la mítica Hammer Films y dirigida por Brian Clemens. Estrenada en 1973, en un momento en que los vampiros ya parecían necesitar urgentemente una transfusión creativa, la película se desmarca con una propuesta híbrida entre terror gótico, aventuras de capa y espada y un ligero aroma a cómic pulp. Yo, que tengo debilidad por la fantasía oscura y los héroes un poco macarras, me acerqué con curiosidad… y salí bastante encantada. No es una obra maestra olvidada, pero sí un divertidísimo experimento que merece más amor del que suele recibir.

La historia sigue a Kronos, un cazador de vampiros errante que viaja con su jorobado asistente, el profesor Grost, investigando muertes sospechosas en una aldea. La premisa ya introduce una variación interesante: aquí los vampiros no solo chupan sangre, sino juventud. Esa idea, sencilla pero sugerente, le da un pequeño giro al mito y aporta un componente casi alegórico sobre el paso del tiempo, la belleza y la decadencia.

Kronos, interpretado por Horst Janson, es un protagonista atípico dentro del universo Hammer. No es el aristócrata refinado ni el científico obsesivo al estilo Van Helsing; es más bien un espadachín silencioso, casi un ronin del terror. Su pasado trágico —apenas esbozado pero efectivo— le añade una capa emocional que la película no explota del todo, pero que funciona como motor interno. Me habría gustado más profundidad en su conflicto, pero reconozco que su aura enigmática tiene su encanto.

El contrapunto lo pone Grost, que aporta el toque académico y cierta ironía, mientras que la campesina Carla (interpretada por Caroline Munro) introduce una energía más terrenal y sensual. Munro, icono del fantástico setentero, ilumina la pantalla cada vez que aparece. Su personaje no es especialmente complejo, pero tampoco se limita a ser un adorno: participa, observa, decide. Para una producción de su época, se agradece.

Narrativamente, la película funciona casi como el piloto de una serie que nunca llegó a existir. De hecho, siempre he pensado que Kronos tenía madera para franquicia: cada pueblo, un nuevo tipo de vampiro; cada aventura, una variación del mito. El guion, escrito también por Clemens, mezcla investigación, duelos con espada y conspiraciones aristocráticas con un ritmo irregular pero nunca aburrido. Hay momentos en los que la trama parece avanzar a trompicones, especialmente en el segundo acto, pero el conjunto mantiene el interés gracias a su constante voluntad de reinventar las reglas.

En cuanto a la dirección, Clemens demuestra oficio y un evidente amor por el género. No alcanza la elegancia barroca de los grandes clásicos vampíricos ni la sofisticación psicológica de propuestas más modernas, pero sí construye una atmósfera sólida. La fotografía, con sus bosques brumosos y sus interiores iluminados por velas, abraza el estilo gótico característico de Hammer, aunque con un toque más luminoso y aventurero. Visualmente, es menos opresiva que otras cintas de vampiros del estudio, y eso encaja bien con su tono de aventura.

El diseño de producción y el vestuario cumplen con nota: capas, espadas, carruajes y castillos en ruinas conforman un imaginario reconocible pero eficaz. Los efectos especiales, modestos incluso para la época, se apoyan más en el montaje y la sugerencia que en el impacto visual. No hay grandes despliegues de sangre ni transformaciones espectaculares, pero el concepto del vampiro que envejece a sus víctimas aporta imágenes inquietantes que se quedan en la retina.

La música subraya la acción y el misterio sin resultar especialmente memorable. Cumple su función atmosférica, aunque no alcanza la potencia icónica de otras bandas sonoras del terror setentero. Donde sí destaca la película es en sus escenas de acción: los duelos con espada están coreografiados con sorprendente energía, casi anticipando ese cruce entre terror y swashbuckler que años después veríamos en otras propuestas más ambiciosas.

No es una revolución del cine vampírico, pero sí una bocanada de aire fresco dentro de un estudio que empezaba a repetirse. Lo que más me gustó fue su protagonista y su voluntad de jugar con el mito; lo que menos, cierta falta de profundidad dramática y un ritmo algo desigual. Aun así, como amante de la fantasía y el terror con espíritu aventurero, me lo pasé en grande. Captain Kronos es de esas películas que no cambian tu vida, pero sí te reconcilian con el placer sencillo de ver a un héroe con espada enfrentarse a la oscuridad… con estilo.

La entrada Capitán Kronos, cazador de vampiros (Brian Clemens, 1973) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Cuando HBO anunció El caballero de los siete reinos, muchos pensamos que sería el spin-off pequeño del universo de Juego de Tronos: una historia menor, sin dragones ni guerras gigantes, casi un interludio entre producciones más ambiciosas como La casa del dragón. Y, en cierto modo, lo es. Pero lo curioso es que precisamente ahí está su mayor virtud. Esta primera temporada demuestra que el mundo creado por George R. R. Martin no necesita ejércitos colosales ni presupuestos desorbitados para funcionar. A veces basta con un caballero errante, un escudero espabilado y un buen puñado de personajes con alma.

La serie adapta el primero de los relatos de Dunk y Egg y lo hace con bastante respeto por el material original. Aquí seguimos a Ser Duncan el Alto, un caballero tan grande como ingenuo, y a su joven escudero Egg, en una historia que recuerda más a un cuento medieval que a una gran saga épica. La trama gira en torno a un torneo de justas y a los conflictos que surgen alrededor, algo que en otras series sería apenas una subtrama, pero que aquí se convierte en el eje narrativo. Es una historia sencilla, incluso modesta, pero contada con cariño y con un ritmo que deja respirar a los personajes.

La diferencia con Juego de Tronos es evidente desde el primer episodio. Aquella serie jugaba a lo grande: conspiraciones políticas, múltiples tramas paralelas, decenas de personajes y una sensación constante de que el destino de todo un continente estaba en juego. El caballero de los siete reinos funciona justo al revés. Es más íntima, más cercana y mucho más ligera de tono. Aquí no estamos viendo cómo se decide el futuro de Poniente, sino las andanzas de dos viajeros que van aprendiendo cómo funciona el mundo. Y esa escala reducida le sienta sorprendentemente bien.

También se distancia bastante de La casa del dragón, que pese a tener momentos interesantes siempre ha sido una serie obsesionada con el espectáculo, los linajes y las intrigas familiares. En El caballero de los siete reinos todo es más humano y terrenal. Los conflictos son pequeños, pero las emociones resultan más cercanas. Los personajes tienen motivaciones claras y evolucionan de forma natural, algo que recuerda mucho a las primeras temporadas de Juego de Tronos, cuando el peso de la historia recaía más en la construcción de personajes que en la pirotecnia visual.

En ese sentido, el dúo protagonista funciona de maravilla. Peter Claffey encarna a Duncan con una mezcla perfecta de nobleza, torpeza y honestidad que hace que el personaje resulte inmediatamente simpático. Y Dexter Sol Ansell, como Egg, aporta la inteligencia y la picardía necesarias para equilibrar la pareja. La química entre ambos es el verdadero motor de la serie, y gran parte del encanto de la temporada reside en ver cómo se desarrolla su relación.

Visualmente la serie también tiene personalidad propia dentro del universo de Poniente. No es tan sombría como sus hermanas mayores; de hecho, el uso del color es algo más vivo y la fotografía apuesta por una estética más luminosa. Los paisajes tienen presencia y los interiores están rodados con cierto aire pictórico que refuerza la sensación de estar viendo una historia casi legendaria. Y aunque la serie no vive de las grandes batallas, cuando llega la acción —especialmente durante el torneo— está bien coreografiada y se siente física, brutal y creíble.

El tono general también es distinto. Hay humor, algo poco habitual en este universo, pero está dosificado con bastante inteligencia. No convierte la serie en una comedia, pero sí introduce un punto de ligereza que encaja muy bien con el carácter humilde del protagonista. De hecho, por momentos la historia recuerda más a un relato picaresco, casi a una mezcla entre Don Quijote y El Lazarillo de Tormes pasada por el filtro de Poniente.

Comparada con Los anillos de poder, la diferencia de enfoque es todavía más evidente. Aquella fue una de las producciones más caras y promocionadas de la televisión reciente: un despliegue enorme de presupuesto, marketing y ambición que parecía querer demostrar en cada plano lo gigantesca que era. El problema es que tanta grandilocuencia acabó jugando en su contra. Entre paisajes digitales interminables, tramas que se tomaban demasiado en serio a sí mismas y personajes que nunca terminaban de conectar con el público, la serie terminó dejando una sensación bastante fría pese a su escala monumental.

El caballero de los siete reinos hace justo lo contrario. Es una producción mucho más modesta, más pequeña y casi familiar dentro del universo de Poniente. Tiene menos presupuesto, menos ruido publicitario y ninguna necesidad de impresionar constantemente al espectador con grandes efectos digitales. Y, sin embargo, ha conectado mucho mejor con el público. Donde Los anillos de poder parecía obsesionada con ser la serie más grande del momento, El caballero de los siete reinos se limita a contar una buena historia con personajes interesantes. A veces el secreto no está en hacer algo más grande, sino en hacerlo mejor.

Eso no significa que todo sea perfecto. Al tratarse de una temporada corta —apenas seis episodios— hay momentos en los que ciertos personajes secundarios aparecen y desaparecen con demasiada rapidez. Y algún toque de humor escatológico en los primeros capítulos resulta un poco innecesario, como si la serie quisiera recalcar demasiado que no es tan oscura como sus predecesoras. Son detalles menores, pero están ahí.

Aun con esas pequeñas pegas, la primera temporada de El caballero de los siete reinos es una sorpresa muy agradable. No pretende competir con la escala épica de Juego de Tronos ni con el espectáculo de La casa del dragón, y quizá por eso funciona tan bien. Es una historia sencilla, casi un cuento medieval sobre honor, amistad y caballería en un mundo donde esos valores ya no abundan. Y a veces, en medio de tanta superproducción obsesionada con ser la más grande del streaming, se agradece encontrarse con algo que simplemente quiere contar una buena historia.

La entrada El caballero de los Siete Reinos T.1 (HBO, 2026) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Como amante de los géneros fantásticos, con predilección por las rarezas que mezclan acción, horror y un poco —o mucho— de locura, Abraham Lincoln: Cazador de vampiros era una parada obligatoria en mi ruta cinéfila. Estrenada en 2012 y dirigida por Timur Bekmambetov —responsable también de la pasada de vueltas Wanted—, esta película adapta la novela homónima de Seth Grahame-Smith, y nos propone una versión del siglo XIX donde los vampiros no sólo existen, sino que tienen un papel crucial en la historia de Estados Unidos… y solo el bueno de Abraham puede enfrentarlos, hacha en mano. Sí, esto es historia revisionista con esteroides, sangre CGI y un toque steampunk que grita: «¡Déjate llevar!».

La historia es, sin duda, el núcleo excéntrico de la propuesta. ¿Qué pasa si convertimos al decimosexto presidente de los Estados Unidos en un cazador de criaturas nocturnas sedientas de sangre? Pues pasa que obtienes una especie de Batman histórico con sombrero de copa. Aunque la premisa pueda parecer ridícula —y lo es, en el mejor sentido—, el guion se toma a sí mismo bastante en serio, lo cual sorprendentemente funciona. Hay una lógica interna que sostiene este universo: los vampiros están infiltrados en las altas esferas del poder esclavista, y Lincoln, con su tragedia personal como motor, se convierte en el improbable héroe con ideales y habilidades de combate casi sobrehumanas. Es una mezcla atrevida, que a veces se tambalea por tomarse demasiado en serio, pero también consigue algunos momentos épicos que logran enganchar.

El reparto cumple sin alardes, pero con eficacia. Benjamin Walker, como Abraham Lincoln, consigue humanizar al mito, con una interpretación sobria que equilibra la tristeza del joven huérfano con la convicción del hombre que busca justicia… con hacha. No es carismático al nivel de un héroe de acción clásico, pero esa es justamente su gracia: es un tipo común con una misión sobrenatural. Dominic Cooper aporta el carisma que falta con su personaje mentor, Henry Sturges —aunque sus apariciones en el prólogo y el epílogo sobran—, y Rufus Sewell como el villano vampírico Adam es deliciosamente malvado, aunque algo desaprovechado. Por su parte, Mary Elizabeth Winstead como Mary Todd aporta dulzura, pero su rol queda algo limitado por un guion que no le da demasiado que hacer.

La fotografía, a cargo de Caleb Deschanel, es uno de los aspectos más destacables del film. Aquí es donde mi corazoncito de fan del género se alegra. La paleta oscura, los contraluces dramáticos y las secuencias de acción bañadas en sangre digital y filtros azulados crean una atmósfera que roza lo gótico-industrial. Hay escenas que parecen sacadas de un cómic de terror steampunk, y eso es un piropo. El ralentí, tan querido por Bekmambetov, a veces se siente excesivo, pero hay momentos visualmente hipnóticos —como la pelea sobre una estampida de caballos— que se quedan contigo, aunque sea solo por lo absurdo y espectacular.

Abraham Lincoln: Cazador de vampiros no es una película para todos los gustos, pero si —como yo— disfrutas de los cruces de géneros imposibles, las reinterpretaciones descabelladas de figuras históricas y la acción sangrienta con un estilo visual marcado, te va a resultar un festín tan peculiar como entretenido. No busca ser profunda, aunque ocasionalmente lo intenta, y su punto fuerte está en su compromiso total con una idea ridícula llevada con estilo.

Aunque no es perfecta —algunas líneas de diálogo son de cartón y ciertos personajes merecían más desarrollo—, es imposible no aplaudir su osadía y su identidad propia. Además, ¿cuántas películas pueden decir que convirtieron a Lincoln en un justiciero nocturno antiesclavismo con un hacha plateada? Exacto. Ideal para una noche de palomitas, mirada cómplice y ganas de ver algo diferente.

La entrada Abraham Lincoln: Cazador de vampiros (Timur Bekmambetov, 2012) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

2008 fue el año de los superhéroes, entre otros, se estrenaron películas tan importante para el devenir del género como Iron Man y El increíble Hulk; justo un año antes se había terminado la trilogía de Spider-Man de Sam Raimi, por lo que el mundo quería y necesitaba más héroes en quien confiar en momentos difíciles. Pues bien, hubo un héroe, o algo así, que regresó tras cuatro años en las sombras. Después de muchas especulaciones y muchos giros, que deparaban un final triste para todos los seguidores —como sucedió con la esperaba tercera parte—, se estrenó la segunda parte de Hellboy.

En esta ocasión, y alejándose de la historia personal que lo vinculaba a los villanos de la primera entrega, Hellboy y su equipo, la A.I.D.P. —para los neófitos, la Agencia de Investigación y Defensa Paranormal—, se enfrentan a una raza de elfos olvidada que vive el subsuelo esperando a renacer o morir sin que nadie los recuerde. Sin embargo, entre ellos está el príncipe Nuada, primogénito del rey, que se opone al parecer de su padre y que no permitirá que su puebla muera en el olvido, y iniciará una guerra demasiado grande como para controlarla, hasta el punto que llegue un momento que se escape de sus manos. Sobre todo cuando su principal objetivo es despertar al Ejército Dorado, una antigua creación indestructible de los duendes, que fue oculto para evitar los males que podía provocar, no solo en la humanidad, sino en todos los seres que pueblan la Tierra. Por fortuna, Hellboy no estará solo, además de Abe Sapien y Liz Sherman, su mejor amigo y su novia, contará con la ayuda de la nueva incorporación a la A.I.D.P., Johann Krauss, un extraño personaje medio-hombre medio-ectoplasma de origen alemán, que se mantiene sólido en un traje de contención creado por el Profesor Broom.

A pesar de basarse en le universo creado por Mignola para Hellboy, en esta ocasión Guillermo del Toro opta por centrarse en una historia completamente original, pero que encaja a la perfección con lo que el dibujante había contado hasta entonces. Es cierto que se aleja de lo trascendente de la primera entrega, siendo esta una batalla más mundana, alejada de la mitología lovecraftiana de la primera entrega, pero consigue captar la atención del espectador a lo largo de todo su metraje… salvo si, de entrada, te fijas en que solo hay un desenlace posible, teniendo en cuenta el vínculo entre los dos príncipes.

Si ya lo hiciera en la primera, aquí Guillermo del Toro suelta todas sus capacidades para crear monstruos raros y grotescos, algo palpable en todas sus pelis, pero aquí se deja ir ya que los personaje creados por Mike Mignola parecen hechos a medida para encajar en el imaginario del peculiar director mejicano.

Al tratarse de una secuela que se sustenta en unos personajes muy potentes, se recurrió al reparto que ya protagonizó la primera parte. Encabezados por un Ron Perlman que está en su salsa como diablo rojo, Selma Blair, Doug Jones y Jeffrey Tambor repetirán, a los que se les unirá un nombre tan interesante como sorprendente, Seth MacFralane —creador de Padre de familia, y voz de Peter, Stewie y Brian—, que prestará la voz al curioso hombre ectoplásmico.

Comparativamente hablando, algo inevitable en una secuela, a pesar de tener una historia acertada y cautivadora surgida de la colaboración directa de Guillermo Del Toro y Mike Mignola, lo cierto es que no logra encandilarnos como lo hizo la primera entrega, que se fijaba más en los orígenes del personaje. Sin embargo, lo cierto es que la peli está a la altura de las expectativas, permitiendo que el espectador disfrute de la trama, de los efectos especiales y de la narrativa de la mano de unos personajes bien definidos, a la vez que consigue un final relativamente concluyente para que la ausencia de la esperada parte no duela tanto. Si bien el fandom a logrado que el Hellboy de Perlman consiga la consistencia de personaje fílmico, tanto esta como la otra no logran alejarse de la potencia de los primeros números del cómic, del que sigue siendo una suerte de complemento, interesante pero aún dependiente de él, sobre todo en esta segunda entrega.

La entrada Hellboy II. El ejército dorado (Guillermo del Toro, 2008) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Desde siempre han habido héroes y villanos, en la eterna lucha entre el bien el mal, no solo en el cine, sino también en la literatura y todos los otros medios, ya que buscamos esos extremos para distanciarnos de la amplia gama de grises en la que vivimos. A pesar de ello, en algunas ocasiones, sobre todo en el mundo del cómic, se ven los llamados antihéroes, unos personajes que están predeterminados a ser malvados pero por algún motivo acaban siendo uno de los baluartes del bien. Uno de estos hombres, aunque no lo sea propiamente dicho, es Hellboy.

Durante la Segunda Guerra Mundial, los nazis se dedicaron al ocultismo —algo que realmente sucedió—, a intentar conseguir formas poco convencionales de ganar la contienda. Una de las investigaciones más importantes que llevaron a cabo fue en una vieja iglesia de Escocia, donde, de la mano de Rasputín, resucitado de su antigua muerte en la Rusia zarista—; allí, el brujo ruso, que consiguió conjurar un viejo ritual pagano para llamar a un demonio, pero justo en el momento que parece haber triunfado, un grupo de soldados americanos asesorados por el doctor Trevor Bruttenholm, consigue reducir a los alemanes y hacerse con dicho demonio… que, para su sorpresa, no es más que un niño de color rojo con cuernos y cola. Educado como un humano oculto tras la protección del profesor Broom y de la agencia secreta que dirige la B.P.R.D. —en castellano Agencia de Defensa e Investigación Paranormal—, convertirá a este demonio en un héroe que lucha contra lo desconocido. Junto a él no solo hay agentes especiales tipo CIA, sino que también hay otros seres con poderes como Abe Sapien, un hombre anfibio, y Liz Sherman, una mujer que crea y controla fuego. Para ellos las cosas son sencillas gracias a sus poderes, pero el equipo de Hellboy deberá hacer frente a una temible amenaza… Rasputín ha regresado de la muerte otra vez.

Hasta el momento del estreno de este film, tan solo habíamos visto superhéroes con mallas y máscaras, pocas veces asociados a una agencia gubernamental, y Mike Mignola brindó esta oportunidad a Guillermo del Toro, para que este obrará su magia creando una versión cinematográfica del héroe rojo, en la que se entremezcla realidad, fantasía y seres del horror cósmico de Lovecraft. Ahora, visto en retrospectiva, es cierto que tiene muchos defectos y sufre del paso del tiempo, sobre todo en los efectos especiales o en el tono colorista, pero sigue siendo la mejor adaptación que se ha hecho hasta ahora.

El reparto escogido para llevar a cabo está al nivel del director, John Hurt es el profesor Broom, Selma Blair es Liz, el metamórfico Doug Jones, se pone en la húmeda piel de Abe Sapien, y el más sorprendente de todos es el actor que interpreta a Hellboy, Ron Perlman, sorpresa incluso para él, que en el making of afirma que “la magia del cine reside en convertir un hombre de cincuenta años en un demonio de no más de treinta”. Además el malvado es Rasputín está interpretado por uno de los habituales villanos del cine, el checo Karel Roden, que logra captar la esencia mística y enigmática del personaje en la versión presentada por Mignola en los cómics.

Tal vez a los más puristas seguidores del cómic no les guste esta versión de la historia, que puso en la gran pantalla uno de los primeros arcos del personaje, pero debemos tener en cuenta que la combinación de Mignola con el estilo de Del Toro, logra como resultar una magnífica adaptación. A pesar de diferir un tanto de la obra de papel, lo cierto es que consigue algo importante, dar consistencia a todo el mundo de Hellboy y en apenas dos horas, no solo nos cuenta una historia, sino que sienta las bases del universo que servirá para ir a siguientes entregas… aunque, al final, solo hubiese una; algo que a los que no hayan leído ni una página de Mignola agradecerán no perderse en este mundo en el que duendes, brujos, hechizos y seres arcanos se entremezclan con situaciones reales o, incluso, históricos.

Seguramente, lo que más nos chirría es la presencia del personaje de John Myers, ya que está completamente sacado de la manga, y si bien sirve como vehículo para pasar de un mundo a otro, lo cierto es que no era necesario, ya que se le otorga cierto protagonismo en detrimento del potente Hellboy de Ron Perlman… un personaje que, a estas alturas, ya ha pasado a la posteridad del séptimo arte.

La entrada Hellboy (Guillermo del Toro, 2004) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Justo cuando el el cristianismo y el islam están enfrentandos y todavía se están imponiendo a las viejas costumbres paganas, un señor de los valles de Euskal Herria hará un pacto con una diosa ancestral para hacer frente a los francos que están invadiendo sus tierras: a cambio de la victoria, él dará su propia sangre. Años más tarde, su hijo regresará para suceder a su abuelo, sin embargo, para ello, deberá recuperar el cuerpo de su padre y el tesoro de los francos que, según cuentan las leyendas, está oculto en lo más profundo de los bosques, allí donde todo lo que tiene nombre existe. Por suerte, no irá solo, sino que contará con la ayuda de Irati, la enigmática nieta de la hechicera pagana local.

Irati es una peli estrenada en la actualidad, sin embargo sigue la tradición más clásica del cine fantástico de los ochenta, pero con una ambientación a la vasca de la mano de un director muy atrevido que ya destacó con Errementari —por cierto, cinta extraña y de difícil digestión, pero interesante para aquellos que quieran algo diferente—, por lo que se podría decir que estamos ante una versión moderna de Conan el Bárbaro o una revisión de Excalibur, pero, personalmente, mientras veía Irati en mi cabeza no dejaba de venir el recuerdo de Black Angel (Roger Christian, 1980), una cinta de media hora escasa cuyo protagonista parece un ancestro de Eneko o de su padre, y es que incluso el póster lo recuerda.

En este aspecto, es cierto que el reparto —la mayoría habitual de Urkijo y que ya apareció en Errementari, además de un irreconocible Karlos Arguiñano— está muy cuidado, y logra que asumamos sus roles y sus papeles con facilidad, gracias también a una puesta en escena muy cuidada en la que cada detalle importa, desde una parte de la indumentaria de un secundario hasta un objeto que reposa en la cueva del tesoro… todo en favor de una historia simple —al fin y al cabo es la búsqueda de un tesoro y de una venganza— y sin demasiados giros, pero que está tan bien narrada y nos entra visualmente con facilidad que no la cuestionamos, sencillamente dejamos que nos lleve por los ríos que en ella aparecen, cruzando frondosos bosques, hasta lo más profundo de ellos, en cuyo corazón residen esas creencias paganas que articulan la trama.

Se trata de una cinta que va de menos a más; al principio da la impresión de que no arrancara, pero una vez han situado al espectador la acción se precipita de forma trepidante para engancharnos hasta un final perfecto y para nada previsible en el que se atan todos los cabos de la única manera posible para poner el broche de oro final.

Urkijo, que no solo dirige, sino que también escribe junto basándose en la novela gráfica El ciclo de Irati de J. Muñoz Otaegui y Juan Luis Landa, recurre a las leyendas antiguas, pero también a la historia, para hacer el retrato de una época complicado y oscura de nuestra historia —ya que lo que sucedió en el País Vasco también sucedió en otros puntos de la frontera franca—, para mostrar un difícil encuentro entre las nuevas religiones, como el cristianismo y el islam, con los restos de la culturas paganas, que todavía venían influenciadas por las tradiciones, no solo peninsulares, sino también romanas, griegas o fenicias, por decir solo algunas. Al ser religiones politeístas, absorbían todo lo que hallaban a su camino, mientras que las nuevas, monoteístas, se lo cargaban todo. Lo que viene siendo un cambio en el orden mundial… Ya estoy divagando… Pero es que esta peli te hace divagar, te pierde en este tributo sutil a los bosques y a la tierra que ya muchos hemos olvidado al vivir en las junglas de asfalto de las ciudades.

Si bien hoy se trate de una peli que nos sorprenda, si alguien nos dijera que se hizo a mediados de los ochenta en pleno cine de explotación europeo, nos lo creeríamos y tan solo preguntaríamos ¿pero está muy bien hecha, no? Y ese es otro factor a favor de Irati y de sus responsables, y es que con unos pocos efectos especiales muy bien medidos y ubicados a lo largo del metraje, logran sumergirnos en una cinta de fantasía épica espectacular que nos dejará sin palabras y con una sonrisa en los labios al descubrir que, por suerte, aún se hace buen cine en nuestro país.

La entrada Irati (Paul Urkijo, 2022) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Más de mil años antes de que Geralt de Rivia viva las aventuras más importantes de su vida —concretamente aquellas que representa la serie protagonizada por Henry Cavill—, el mundo en el que vive ya existía, en él también había hechiceros, elfos y enanos, pero no humanos, los que reinan en el presente de Geralt y de Jaskier. Precisamente es a este al que se le presenta un hado del tiempo para narrarle la mayor historia que jamás hubiera podido jamás contar, la historia de la creación del primer brujo y de la Conjunción de las Esferas, un suceso que marcará un antes y un después en la historia del mundo.

Como era de esperar, después del éxito que tuvo The Witcher en Netflix, estos no tardaron en preparar todo un universo a su alrededor para seguir ordeñando la teta de la licencia que han pagado. Además de la serie principal, que ya afronta la tercera temporada —con los cambios de reparto de por medio con la caída de Cavill como protagonista—, también se ha realizado una peli de animación contando los orígenes de Geralt y, sin sorpresa alguna, la presente miniserie, una precuela. En lugar de explorar los años jóvenes de Geralt y abusar del carisma del personaje, se tomó una decisión apropiada al relatar un momento tan importante en el devenir del mundo del brujo como fue la aparición del primer brujo y lo llamado como la Conjunción de las Esferas. Para hacernos una idea, ambos sucesos, como muestra la serie fueron contemporáneos, pero si lo primero hizo aparecer a estos mercenarios dopados, lo segundo trajo a los humanos cuando miles de portales espacio temporales los llevaron allí, cambiando por completo la biodiversidad de ese mundo. Debemos pensar que la aparición de los hombres hizo recular a los elfos hasta el punto de casi extinguirlos, por lo que marca un antes y un después.

Dejando a un lado la potencia de un argumento como el que sirve de premisa para la serie, lo cierto es que a la hora de la ejecución se queda lejos de la calidad de The Witcher. Lo cierto es que si se compara resulta un producto completamente comercial enfocado a estirar el chicle, y así ha respondido el público y la crítica que la han machado suspendiéndola en IMDb o en Rotten Tomatoes. Y si somos quisquillosos, la verdad es que ninguno de los cuatro capítulos se sostiene por ningún lado, y no por que no sepan contar la historia, sino porque lo hacen de forma superficial y muy comercialmente. De algún modo se podría comparar con un especial del canal Syfy, es decir, que no es nada del otro mundo pero que se deja ver si uno se presta al espectáculo fantasioso descarado, y no a una lectura de alta fantasía, género al que se adscribe la obra de Sapkowski y al que pretende unirse la serie de Henry Cavill.

Alguien podría decir que es un trabajo mal hecho, tanto por parte del guión y la dirección, a cargo de gente con un bagaje televisivo importante pero no sonado, como por la vertiente interpretativa, que a parte de una Michelle Yeoh preoscarizada —que sirve de cabeza de cartel—, está repleto de caras absolutamente desconocidas; sin embargo, en su defensa, diré que cumplen con el cometido que se les pedía, pero, desafortunadamente, no con las expectativas que había en ellos tras el éxito de The Witcher, cuya sombra es demasiado alargada.

Así pues, aunque ha recibido bastante varapalos y se ha convertido como el sparring perfecto para que The Witcher siga teniendo ese halo de calidad, si uno la ve con buenas intenciones y solo con ganas de pasarlo bien durante cuatro capítulos, podrá disfrutar de Blood Origin como un niño; si, en cambio, se espera una obra de arte, no lo encontrará.

La entrada The Witcher: El origen de la sangre (Netflix, 2022) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Cuanto daño ha hecho Marvel. Y es que ahora todas las películas de acción palomiteras tienen el mismo estilo.

Dungeons & Dragons: Honor entre ladrones podría ser tranquilamente una película de la fase 20 de Marvel y te lo creerías, un Guardianes de la Galaxia vol. 8. Por un lado, tenemos ese toque humorístico tan típico de sus películas, ese estilo de chascarrillos y frasecillas graciosas cada dos por tres, las cuales parecen una versión moderna de un libro de chistes para niños. Por el otro, no deja de ser una película family friendly apta para todo el público, es decir, no vamos a ver ninguna gota de sangre por ningún lado a pesar de que hay muertes. Y por último, a pesar de todo lo anterior, la película te entretiene. Esto es lo que mejor sabe hacer y lo cumple sobradamente.

Principalmente porque la historia y los personajes encajan muy bien en este formato. Quitando el hecho de que la peli venga de algo tan friki (en su época) como es Dragones y Mazmorras, ahora gracias a otras obras como Stranger Things se ha popularizado todo este mundillo. Además, a diferencia de otras, no es una saga tan explotada cinemáticamente hablando. Sí, hubo esa del 2000 y alguna secuela pero nadie se acuerda de ellas, por lo que esta peli, dentro de lo que cabe, tiene un toque fresco y distinto de las secuelas/precuelas/reboots/remakes que pululan por los cines en estos tiempos.

Evidentemente la historia no es que sea nada del otro mundo, pero al ser un mundo (valga la redundancia) bastante desconocido por el público mainstream tiene ese interés por ver lo que se ofrece. Conocer mundos de fantasía con magia y demás siempre es entretenido. Además, como era de esperar, ofrece detalles y guiños que los fans del juego de rol conocerán.

En cuanto al casting, creo que han acertado con los personajes, Chris Pine y Michelle Rodríguez vendrían a ser los protagonistas, como si fueran una versión nerd de Bonnie & Clyde. El primero con sus toques de humor y la segunda haciendo de tipa dura como suele hacer en las pelis que sale. A estos le acompañan el mago que es muy torpe pero al final controla sus poderes y la chica que puede transformarse en otros animales. Todos cumplen su rol aunque el que sale mejor parado es el villano de turno, que es interpretado por el inglés Hugh Grant, un malo de esos típicos de los dibujos, con malicia y picaresca pero que le sale todo mal. Creo que Hugh Grant como villano medio torpe es uno de esos registros que le queda muy bien al actor.

A nivel visual, la peli cumple con lo que estamos acostumbrados a ver últimamente, el CGI no desentona y los escenarios son bastante creíbles, hay buenas coreografías en los combates y la banda sonora está bastante bien, de hecho está muy bien, de lo mejor de la peli seguramente, justo después de las palomitas.

En definitiva, Dungeons & Dragons: Honor entre ladrones es un blockbuster entretenido. Tiene ese humor que se lleva ahora y que hemos visto mil veces en pelis de Marvel pero como no deja de ser una historia nueva, pues encaja bastante bien. No viene a revolucionar el género pero puede ser una alternativa al género de superhéroes, si deciden hacer más secuelas claro (que material tendrían de sobra).

La entrada Dungeons & Dragons: Honor entre ladrones (John Francis Daley, Jonathan Goldstein, 2023) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Ante todo tenemos que dejar clara una cosa, aunque a los más puristas les pese, El Silmarillion es una obra difícil, dura en muchos casos, que cuesta de leer si uno no está familiarizado con la obra de Tolkien. Hoy en día, después de dos trilogías de películas y el principio de una serie, el universo de Tolkien se ha acercado al gran público, por lo que se puede caer en el error de que sus escritos están al mismo nivel de accesibilidad, pero no es así. Mientras que El hobbit y El señor de los anillos son novelas completas, que buscan narrar una historia y, por lo tanto, la manera en que uno se introduce en la Tierra Media, aunque densa, es como la lectura de cualquier otra novela; sin embargo, El Silmarillion es algo completamente diferente, si bien se puede considerar la primera parte de las historias de Tolkien.

Para hacernos una idea, debemos tener en cuenta que la trama de El Silmarillion tiene lugar miles de años antes de los sucesos de El hobbit y ESDLA, sin ir más lejos, lo que en ellos se narra empieza cuando se forja primero el universo y después el mundo en el que se sitúa la acción de la Tierra Media. De algún modo, El Silmarillion sería una suerte de Antiguo Testamento tolkiano, en el que descubriremos cómo nacen los diferentes dioses y criaturas que pueblan ese mundo, llamado Arda, y como las relaciones entre los dioses afectan a elfos, enanos, orcos y humanos, hasta el enfrentamiento de todo ellos en diferentes facciones… como siempre, retratando la lucha constante entre el bien y el mal, entre la luz y la oscuridad. Veremos los primeros pasos de Sauron como leal sirviente de Melkor, pero también, ya mucho más adelante, el papel que jugó este en la caída de Númenor y en la forja de los anillos de poder.

Así, a bote pronto, se podría pensar que se trata de un episodio más de la extensa historia del universo que creó Tolkien —del que su hijo Christopher ha procurado editar la mayor cantidad de los apuntes, notas y borradores de su padre—, por lo que debería ser tan fácil de leer como El hobbit o El señor de los anillos, pero no es así. Primero de todo debemos tener en cuenta que es una narración que se extiende desde el principio de los tiempos hasta justo antes de los sucesos de ESDLA, por lo que se condensan muchas cosas en relativamente pocas páginas; y en segundo lugar, pero más importante, no es una obra terminada de Tolkien, sino que su hijo, por expreso deseo de su padre, recopiló y editó los relatos con mayor peso y los ordenó con coherencia para presentar al público El Silmarillion, por lo que se trata más de, en el mejor de los casos, una recopilación de relatos que no una novela. Además, la comparación con el Antiguo Testamento no ha sido solo por el contenido, sino también por la forma, ya que la manera de narrar los hechos se asemeja más a un texto religioso o mitológico antiguo —o, incluso, a una obra histórica de carácter académico—, que no a una novela de fantasía; lo que conlleva una lectura más lenta, menos amena, complicada y, a pesar nuestro, tediosa.

Aunque El Silmarillion es una pieza clave del Legendarium de Tolkien —colección de toda la mitología creada por el autor—, junto con otros como Cuentos inconclusos de Númenor y la Tierra Media, y puede completar la visión que uno tiene de su mundo, lo cierto es que no es para todos los públicos. Como ya hemos dicho debido a su contenido, que se aleja de la fantasía y se acerca a la mitología, y su narrativa se aparta de la novela para abrazar lo académico, hace que para aquellos que no les interese demasiado el mundo Tolkien, no sean demasiado lectores o, simple y llanamente, estén desprevenidos, se toparán con un libro duro de roer. Y es una auténtica pena porque lo que en sus páginas se relata es muy interesante y demuestra el poder imaginativo del autor británico, pero a la vez deja bien claro la dificultad que puede tener un escritor, incluso uno con el talento de Tolkien, a la hora de crear un universo desde cero y, además, hacerlo entretenido; y, de paso, se entiende porque El Silmarillion fue una obra que estuvo en desarrollo desde los años veinte hasta la muerte de su autor, ya que ni él ni sus editores tuvieron muy claro en ningún momento como se debía presentar esta historia… aunque, tras la muerte de Tolkien, además de El Silmarillion, se hayan publicado más libros de su autoría que durante su vida.

Así pues, queridos lectores, quedáis advertidos de que esta precuela de El señor de los anillos solo es apta para los más fans de los libros de Tolkien —ojo, que no he dicho de las películas—, ya que, por el contrario, os toparéis con un muro bastante difícil de sortear. Lo dicho, no es un libro para todos los públicos.

La entrada El Silmarillion (J. R. R. Tolkien, 1977) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

En la ciudad de Los Ángeles de 1948 predomina la magia, todo el mundo la usa porque, en definitiva, te hace la vida más fácil, solo hay un hombre que no la use, ni para encenderse un cigarrillo, y ese hombre es el detective Harry Philip Lovecraft. Será por este motivo que Lovecraft será contratado por un rico coleccionista que le pide que busque el libro que le robó su chófer, llamado el Necronomicón. Aunque parece un trabajo habitual de los que tiene Lovecraft, lo que no espera es toparse con Harry Bordon, su antiguo compañero y actual dueño del club Dunwich, desde el que controla los bajos fondos de la ciudad.

Si alguna vez alguien se ha preguntado si se puede meter en el mismo cajón a Dashiell Hammett y a H. P. Lovecraft, esta peli le da la respuesta con un clamoroso y contundente sí. Para empezar, la trama de la que parte podría ser cualquier escrita por los grandes autores de la novela negra de los años treinta y cuarenta, y nos puede recordar muchísimo a El sueño eterno, cuya versión para el cine fue protagonizada por Humphrey Bogart y Lauren Bacall en 1946. Sin embargo, en lugar de quedarse en la trama habitual de detectives, chantajes y robos, en este caso se suma el elemento fantasioso mediante la magia, y para ello se nutre de toda la mitología que creó Lovecraft en su obra, desde los dioses antiguos, al Necronomicón, pasando por toda la lista de antiguos mitos y rituales que surgieron de su mente. Pero es que, además, la mayoría de nombres proceden de su imaginario, desde el protagonista que tiene las mismas iniciales y el mismo apellido, hasta el nombre del club, que hace referencia a uno de sus títulos más conocidos; sin olvidar el sinfín de referencias que se hacen a la literatura fantástica.

Esta combinación de elementos podría ser difícil de cuajar, salvo en la mente de realizadores como Guillermo del Toro —por cierto, ¿alguien puede sugerirle un remake de gran presupuesto de su mano?—, y más teniendo en cuenta que se trata de una producción para televisión, directamente para la HBO de principio de los noventa, mucho antes de lo que son ahora las plataformas de streaming. Sin embargo, Martin Campbell, como buen artesano del cine que puede sacar de un apuro a cualquiera —como lo hizo con dos entregas de James Bond o Límite vertical—, consigue una buena cinta de hora y media que, a pesar de las más que evidente limitaciones, sobre todo en efectos visuales, logra que nuestra mente se deje llevar y nos creamos lo que se nos está contando. Pero lo más importante de todo es que la historia, por sí sola, logra mantener una lógica interna que funciona a la perfección y, dentro de su universo, no tiene fallas ni sinsentidos… a no ser que seamos unos puristas del cine negro o de Lovecraft.

Como es de esperar, la peli no solo funciona —aunque sea como producción televisiva casi de serie B— por el buen trabajo del guionista y del director, sino que también lo hace por una interpretación bastante convincente por parte de sus protagonistas. Teniendo en cuenta cual es el trasfondo de la cinta, los actores podrían resultar sobreactuados o desubicados, pero todos ellos hacen gala de sus tablas y demuestran porque, a día de hoy, todavía son respetados actores, de esos secundarios de lujo que siempre, siempre, siempre, demuestran su talento. Con Fred Ward como protagonista, a su lado encontramos nombres de la talla de David Warner, Clancy Brown, Raymond O’Connor o Lee Tergesen, así como una Julianne Moore en el papel de femme fatale. Así pues, aunque de entrada todo el mundo pueda pensar al ver la sinopsis o el trailer de esta cinta que se trata de otra producción de serie B que más vale no ver, en realidad estamos ante un título muy recomendable para aquellos que les gusta la mezcla de géneros y tienen gustos atrevidos, ya que, de algún modo, sirve como una suerte de precuela de Bright, y esa sí que tenía presupuesto para trabajar, y los resultados son diametralmente opuestos. Un título extraño, un poco desconocido, pero que si uno tiene el valor de verla, descubrirá un pequeño diamante en bruto.

La entrada Hechizo letal (Martin Campbell, 1991) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Una de las virtudes —y, a mi entender, también único defecto— del mundo creado por J. R. R. Tolkien son sus dimensiones. Y no solo hablo de dimensiones geográficas que se recorren a pie o a caballo —a veces en águila o a vuelo de dragón—, sino también a las argumentales y cronológicas, ya que la historia de la Tierra Media es, cuanto poco, exageradamente extensa. A pesar de que libros publicados por Tolkien en vida son, principalmente, El hobbit y El señor de los anillos, a estos se le han sumado incontables ediciones llevadas a cabo por su hijo Christopher —en base a las notas y esbozos de su padre—, con títulos importantes como  El Silmarillion y Cuentos inconclusos de Númenor y la Tierra Media, pero también la casi enciclopédica La historia de la Tierra  Media, con trece volúmenes bastante gruesos. Esto provoca que se trate de una obra inabarcable o al alcance de muy pocos, ya que la prosa no es que sea precisamente ligera, pero, por el otro lado, permite que se pueda adaptar las historias de Tolkien de muchas maneras… y es aquí donde ESDLA: Los anillos de poder encuentra su filón.

Ambientada miles de años antes de los sucesos de El hobbit y El señor de los anillos —da igual si los libros o las pelis—, se centra en los sucesos de la Segunda Edad del Sol, focalizando su atención en una Galadriel y un Elrond mucho más jóvenes, así como un reparto de nuevos personajes —de invención propia o de los libros—, que nos permitirán conocer lo que sucedía en la Tierra Media mucho antes de la gran guerra contra Mordor y Sauron que Frodo zanjó arrojando el anillo único a las entrañas del Monte del Destino. Podría alargarme más e intentar resumir las principales tramas argumentales que nutren la serie, pero lo cierto es que sería un esfuerzo inútil, ya que uno de los principales defectos que tiene la serie es, precisamente, unas historias bastante flojas. Es decir, como sucede en todas las series, hay varios hilos argumentales que se desarrollan y se entrecruzan, o no, para dar vida los muchos personajes que las nutren. Ahora bien, en este caso, aunque las haya, nos encontramos ante unas historias tan sosas y que se alargan demasiado como para que conectemos con ellas. Se formulan grandes incógnitas, como: ¿quién es Hallbrand? ¿o el extraño?, pero se dejan en el aire para resolverlas en el último momento. Para que nos hagamos una idea, hasta que no se llega al final del episodio seis y los episodios siete y ocho, no sucede nada memorable, siendo más un prólogo muy extenso que algo realmente importante. Y, para colmo, cuando llega este momento, se convierte en trascendental e importante por el hecho que conecta con las historias que ya conocemos, a la vez que finiquita la temporada, dejándonos con ganas de más.

Es cierto que Amazon —siendo una apuesta personal del gran jefe, Jeff Bezos—, se ha dejado una pasta para conseguir los derechos —por los que negoció solo por una pequeña parte de todo lo que comentábamos antes— y a invertido un dineral para convertir esta serie en la más cara de la historia; sin embargo, aunque en pantalla se aprecia esa inversión con unas imágenes a la altura de lo que fuera la trilogía de El señor de los anillos de Peter Jackson, dejando claro que en el apartado técnico no hay nada que discutirle, en lo argumental —como ya decíamos— y en lo artístico se queda a medio gas. Los responsables de ambientar la Tierra Media se han lucido, han aprovechado cada maldito céntimo que les han dado, tirando del imaginario que todos conocemos —sin ir más lejos, se ha regresado a Nueva Zelanda—, para ofrecernos algo increíble. Pero parece que en lo creativo, es como si se hubiera querido abarcar demasiado, sin perder de vista lo que otros han hecho antes y no se ha sido demasiado atrevido. Desde mi punto de vista, recurrir a Galadriel y a Elrond es un recurso comercial, ya que el elenco de personajes es mucho más amplio en el mundo de Tolkien, y más cuando se les ha dado libertad para crear siempre no se contradiga lo que escribió el autor. Para buscar un ejemplo comparativo, la impresión que uno tiene es la misma que se tuvo cuando Juego de Tronos dejó de seguir los libros, es decir, que le falta la chicha, la sustancia que solo gente como George R. R. Martin o Tolkien le pueden dar a una historia, como si a lo que se nos presenta le faltará un hervor, pulirlo un poco más.

Ha sido una serie que me ha costado ver y seguir, sobre todo porque en los cinco primeros episodios no lograba conectar con los personajes, no me importaba lo que les sucedía, a la vez que costaba ubicarse en un mundo tan grande como el de Tolkien, y solo la presencia de personajes conocidos —los mencionados Galadriel y Elrond, cuyos carácteres no cuadran con lo que tenía preconcebido, y otros que no chafaré— ha conseguido engancharme de nuevo. De momento, por lo que a mí respecta, esta primera temporada de Los anillos de poder sirve como precuela justita de lo que había hasta ahora, ya que carece de la fuerza suficiente como para tener entidad propia, veremos si la cosa sigue igual en las siguientes temporadas —supuestamente cuatro más—, o si, por el contrario, mejora lo suficiente como para se la compare con lo que dirigió Peter Jackson hace ya veinte años.

La entrada El señor de los anillos: Los anillos de poder T.1 (Amazon Prime, 2022) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

¿Puede una serie de diez episodios de diez minutos ofrecernos una magnífico entretenimiento? Sí, puede, y Over the Garden Wall —traducida en nuestro país como Más allá del jardín— es un ejemplo de ello. Con el formato de una serie infantil, se nos presenta un relato protagonizado por dos hermanos, Wirt y Greg, —el primero vestido como una especie de elfo y el segundo con una tetera sobre la cabeza y una rana bajo el brazo— que se adentran en un bosque que descubrirán mágico mientras tratan de encontrar la manera de regresar a casa con la ayuda de una serie de personajes que no serán lo que aparentan, como un leñador o un pájaro azulejo.

Con un estilo gráfico a mitad de camino entre el de Cartoon Network de los noventa —precisamente, se basa en un corto del creador de la serie, Patrick McHale, llamado Tome of the Unknown, para dicha cadena— y los antiguos cortos de animación de primeros de siglo XX, estamos ante una serie que tiene mucho más de lo que aparenta a primera vista. Las influencias que se pueden percibir son incontables, desde las historias de terror de los ochenta, al terror gótico de finales del siglo XIX, así como ciertos aires a la literatura de Edgar Allan Poe; sin embargo, la mejor descripción posible sería que Más allá de jardín es una versión más oscura y tétrica de Alicia en el país de las maravillas. Los dos personajes principales viajan a un mundo que, si bien les es desconocido, no se sienten extraños, y en el que habitan un sinfín de criaturas junto con otras personas, pero nadie pone en duda sus comportamientos: desde una escuela para animales, a un crucero para ranas, a una fiesta de la cosecha de calabazas esqueléticas, todo es posible y aceptable en estas tierras inexploradas… aunque en ocasiones Wirt vea en ello algo extraño.

A pesar de que visualmente es llamativa aún su sencillez, así como el empaquetado de música y grafismo puede llamarnos la atención por ese toque a lo antiguo, la realidad es que son las diferentes lecturas que se pueden hacer de la trama y de los simbolismos usados lo que nos atraerán a verla más de una vez para captar todas las capas narrativas que hay en ella. Dejando a un lado la primera lectura fantástica —muy acertada, por cierto—, la que rápidamente nos llamará será la que descubramos después de ver el penúltimo capítulo, en el que descubrimos que ambos personajes pertenecen a un presente mucho más moderno —en el que ya no se estilan demasiado ni las cintas de casete—, en el que después de un accidente caen a un lago en el que empezarán a ahogarse. Esto implica que, en realidad, lo que estamos viendo es una especie de alucinación previa a la muerte, sin embargo, el hecho de que ambos hermanos lo compartan nos lleva a pensar en una especie de limbo. Para sustentar esta teoría, debemos tener en cuenta que a lo largo de la serie son muchas las «almas en pena» con las que se cruzan —como el comerciante de té, cuya lápida veremos el cementerio del capítulo nueve—, lo que nos lleva a pensar que se trata de eso, un lugar de trance para que las almas determinen su futuro, como es el caso de Wirt y Greg, cuyas almas se están debatiendo entre dejarse llevar por la corriente o aferrarse a sus cuerpos reales. En esta línea, hay muchos pequeños detalles esparcidos por todos los capítulos —incluidos los logos finales—, que nos llevan a ver esta serie como una reflexión sobre lo que hay más allá de la vida, tras la muerte, tras lo desconocido… nombre con lo que también se conoce el bosque.

La virtud de esta serie es que, si lo deseamos, y no queremos atar tantos cabos y pasar un buen rato con un relato de terror fantástico a la vieja usanza, también nos lo ofrece, ya que todos los personajes son carismáticos —hay un caballo que habla, a quién no le gusta eso—, y las historias se plantean y resuelven rápida y magistralmente, permitiéndonos que nos adentremos en este universo paralelo a nuestra realidad del mismo modo que lo hacen los protagonistas, con recelo y curiosidad a la vez. En este sentido, la brevedad de la serie, que una vez terminada nos puede parecer exagerada —fin de cuentas dura algo parecido a una peli de menos de dos horas—, aunque puede sabernos a poco, logra concentrar todo lo bueno y darnos un producto que, por el contrario, si se hubiese alargado como un chicle hubiese perdido su sentido y la concepción de este.

Al fin y al cabo, Over the Garden Wall no deja de ser un cuento como los de antes, que puede ser contado muchas veces y todas ellas se pueden disfrutar por igual, pero desde ópticas muy diferentes. Estamos ante una pequeña joya de la animación, imprescindible para cualquier aficionado a la fantasía y al terror más clásicos.

La entrada Más allá del jardín (Cartoon Network, 2014) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Mucho antes de que The Witcher triunfara en Netflix  y mucho antes de que CD Projekt revolucionara el mundo del videojuego con la serie The Witcher, existió lo que en polaco —su lengua original— se conoce como Saga o wiedźminie, lo que viene siendo la Saga del brujo, los relatos protagonizados por un brujo de largo cabello blanco, con la espada colgada a la espalda y cuyo cometido es matar a los monstruos que acechan en un mundo de fantasía creado por Andrzej Sapkowski y cuyo nombre no es otro que Geralt de Rivia.

Todo empezó con el relato de «El brujo» en 1986 en la revista Fantastyka, a lo que seguirían nuevos relatos, que después darían paso a las novelas. Sin embargo, esta serie no es una que pudiésemos llamar regular, con varios libros similares —como podría suceder con Harry Potter, Juego de Tronos o El Señor de los Anillos—, sino que sus ocho tomos se podrían dividir en tres partes muy distintas, no solo por su estructura, sino también por la historia que cuentan y como la cuentan.

La primera de estas partes serían los dos primeros, El último deseo y La espada del destino, ambos compendios de relatos que recogen diversas aventuras de Geralt y sientan las bases del universo del brujo, por decirlo de algún modo, las normas por la que se rige. Sinceramente y desde un punto de vista muy personal, sino uno quiere descubrir lo que es el mundo del brujo, estos dos tomos son imprescindibles y, a la vez, perfectos como recopilación de relatos de fantasía. La acción es muy directa, no se anda con rodeos y nos mete de lleno casi como si fuésemos los compañeros de Geralt en sus aventuras, a la vez que se conocen algunos de los personajes más carismáticos de la serie, como el bardo Jaskier o la hechicera Yennefer.

Después de todos estos relatos, Sapkowski quiso dar un paso más allá en su universo, y dejando atrás el formato de una aventura por relato, desarrollo una gran trama protagonizada por el brujo, pero en la que también jugarían un papel importante personajes como los ya mencionados, así como Cirilla de Cintra, la joven heredera de un reino que, tras la invasión de un enemigo, correrá todo tipo de aventuras para salvar el pellejo con la ayuda de Geralt. Con esta premisa y con sinfín de situaciones que se encadenan una tras otra, en los siguientes cinco libros —titulados La sangre de los elfos, Tiempo de odio, Bautismo de fuego, La torre de la golondrina y La dama del lago—, veremos como Cirilla lucha para reunirse con sus preceptores, Geralt y Yennefer, mientras que «los malos» solo pretenden capturarla por su sangre y los intereses políticos y mágicos que en ella residen. Si en los relatos Sapkowski supo mantener el ritmo a pesar de su forma de escribir muy florida y un tanto barroca, en este caso cometió un error: se enrolló más de la cuenta. Es decir, lo mismo contado con la mitad de texto y con el mismo estilo de los relatos —aquí los capítulos se alargan demasiado—, hubiese sido más trepidante, ya que hay momentos en los que divaga demasiado para contentar al lector de corte político más interesado en los más y los menos de las relaciones diplomáticas entre los diferentes reinos, que no al que quiere saber que les ocurre a los carismáticos personajes. Aunque dijera en la nota de autor que precede el relato de «Algo termina, algo comienza» que «la Saga de Geralt de Rivia fue escrita siguiendo un plan preciso y que, pese a las habladurías, no fue escrita caóticamente como si se tratara del desarrollo de un juego de rol que se termina cuando el autor empieza a aburrirse», da la impresión de que se fue por los cerros de Úbeda y luego no supo como volver a Polonia. Si uno intenta esquematizar las diversas tramas veremos que en los cinco libros que forman la trama de Ciri, llega un punto en que da la impresión que los personajes se pasean de aquí para allá sin un motivo, e, incluso, en ocasiones ellos mismos se preguntan que hacen paseándose de ese modo mientras los malos siguen haciendo de las suyas. Además, por si esto fuese poco, después de centenares de páginas mareando la perdiz, el final llega abruptamente y todo termina en unas escasas diez páginas… aunque luego queden otras cien en las que todo parece que acabe sin acabar. Y, para rematarlo todo, el final podríamos decir que es cuestionable y bastante confuso, haciendo que se nos quede una cara de jaque de campeonato mientras intentamos comprenderlo y atar el mar de cabos sueltos que deja.

Finalmente, como tercera parte existe una novela que se podría considerar independiente titulada Estación de tormentas, que, aunque fue publicada catorce años después de La dama del lago, se sitúa entre las aventuras de los dos primeros, pero en lugar de ser diversos relatos, estos se conectan entre ellos para dar lugar a una trama mayor. Aquí parece que el autor recuperase el estilo de sus inicios y lo combinase con alargar una trama mayor, con capítulos más breves y mejor ubicados para el lector que permite no perderse y disfrutar más. En muchos sentidos, la historia de Ciri de los otros cinco libros, hecho en tres con el formato de Estación de tormentas hubiese sido redondo… pero así son las cosas.

En último lugar existen dos relatos no canónicos —o no canónicos del todo—, el primero, «Camino sin retorno», se puede considerar una precuela al estar protagonizado por los padres de Geralt, y «Algo termina, algo comienza», en el que Geralt se casa con Yennefer. Ambos muy acertados pero rechazados por el autor en cuanto a la historia «oficial» de Geralt de Rivia.

A grandes rasgos podríamos decir que Sapkowski estructura un mundo muy complejo y muy bien elaborado que, aunque también hay enanos, magos y elfos, saca mucho material del folklore europeo, tanto occidental como oriental, con criaturas más originales e interesantes que los típicos trols o los dragones de toda la vida… que los también hay. A pesar de ello, todo lo que consigue con los relatos, lo estropea él mismo en las novelas al querer expandir la historia, hasta el punto de que Geralt deja de ser el personaje principal siendo sustituido por Cirilla; a la vez que rápidamente traiciona el mundo fantástico para centrarlo en el politiqueo de un mundo medieval con muchos referentes a nuestra historia.

En resumidas cuentas, después de leer todo lo que conforma la Saga del brujo, si ahora tuviese que darle un consejo a mi yo del pasado que quiso leer las novelas escritas por Andrzej Sapkowski sería el siguiente: léete los dos primeros y Estación de tormentas, el resto es demasiado denso, barroco e innecesariamente largo para el final abrupto y de calidad cuestionable que te ofrece. Así que, Andrzej, te diré que el universo es brillante, el personaje principal es perfecto, pero la «gran» historia de Geralt te ha salido rana. Una pena.

La entrada Saga del brujo (Andrzej Sapkowski, 1993-2013) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

The Witcher ha sido una de las series más esperadas del año pasado. En el momento que Netflix anunció que produciría una serie basada en los libros de Andrzej Sapkowski se generó un gran revuelo en Internet, creando una falsa expectativa de que iba a ser la nueva Juego de Tronos, y es que a pesar de que las novelas del brujo Geralt quizá no sean muy conocidas por la gente en general, sí que hay una cierta popularidad gracias a la saga de videojuegos The Witcher de la desarrolladora CD Projeckt RED, especialmente con el lanzamiento de The Witcher 3: Wild Hunt en 2015 para pc y consolas. Y es que este juego es sin lugar a dudas uno de los mejores juegos de esta generación, acaparando montones de premios y un gran reconocimiento por parte del publico y la industria del videojuego. Aunque la serie se base exclusivamente en los libros cierto es que la popularidad de esta no seria la misma sin la saga de videojuegos que ha generado.

La primera temporada de The Witcher se basa exclusivamente en las dos primeras novelas tituladas La espada del destino (1992) y El último deseo (1993), donde se narran historias, sin orden cronológico, de Geralt de Rivia, un brujo que se gana la vida cazando todo tipo de monstruos que pululan en el mundo que se desarrolla, donde también existe la magia y razas como los elfos y los enanos. A diferencia de los libros donde todo se desarrolla con Geralt como protagonista, en la serie tenemos tres marcos narrativos de los tres personajes más importantes de la saga: Geralt, la hechicera Yennefer y Ciri, la heredera del reino de Cintra.

La serie son ocho capítulos de una ahora mas o menos de duración y cada capítulo tiene una historia principal, con una trama de fondo común a todas, cada capítulo tiene su cierto parecido con los capítulos de la novela. Del mismo modo que pasa en los libros, la serie está desordenada, es decir, no sigue una linea temporal continua si no que se van intercalando lineas temporales en función de los personajes, esto es algo muy importante de entender ya que como es lógico, cuesta en los primeros capítulos seguir la trama, sobretodo si no conoces las novelas, algo que puede echar atrás a mas de uno, además el ritmo en general es lento, por eso no tiene sentido compararla ni con Juego de Tronos ni con El señor de los anillos, esto no quiere decir que sea mala, pero no es una serie tan accesible y requiere que el espectador ponga algo de su parte -curiosamente también pasa con los libros-. En general la primera temporada tiene más luces que sombras, la mayoría de capítulos son buenos aunque hay alguno regulero, los efectos especiales sin ser nada espectaculares cumplen su función. La mejor parte se la llevan las escenas de combate que aunque son escasas están muy bien elaboradas.

En cuanto al elenco de actores, a pesar de los cambios que Netflix hace sobre el color de piel de los actores y personajes, -ese llamado blackwashing-, los protagonistas cumplen de sobras, es cierto que todos queríamos ver a Mads Mikkelsen como Geralt o a Eva Green como Yennefer por ejemplo, pero hay que reconocer que Henry Cavill lo clava, el aspecto es muy parecido y se nota que el tío le ha puesto ganas, ¡¡si hasta ha jugado a los videojuegos!! Anya Chalotra es otra gran sorpresa en el papel Yennefer donde además se le da un pasado que no vemos en los libros. Freya Allan como Ciri sorprende también para bien por lo que en ese aspecto la serie aprueba con nota. La serie tiene bastantes secundarios donde muchos salen muy diferentes respecto a los libros y otros literalmente se los han inventado para la serie, y es que como es habitual en las adaptaciones hay ciertas libertades narrativas de las que algunas salen mejor paradas que otras.

En cualquier caso es genial que una productora apuesta por este género que hasta hace un tiempo parecía difícil de trasladar a la pequeña pantalla, material tienen de sobra y el universo de The Witcher es apasionante, si lo gestionan bien pueden tener una serie de varias temporadas que a pesar de no ser tan espectacular como Juego de Tronos puede convencer a los que somos fans de este género.

La entrada The Witcher T.1 (Netflix, 2019) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Más de una década ha pasado ya desde que Ron Perlman se pusiera a las órdenes de Guillermo del Toro para encarnar al diablo rojo creado por Mike Mignola. Desde entonces muchas fueron las voces que dijeron que habría una tercera entrega, todas las partes parecían dispuestas a ello, pero los calendarios del director y las malditas diferencias creativas que siempre surgen, hicieron que el proyecto se fuera postergando indefinidamente. Entonces fue cuando Mignola tomó las riendas del guion y empezó a crear una tercera parte, sin embargo, Del Toro no quiso dirigirla si no tenía todo el control creativo de la cinta, y Perlman se negó a protagonizarla sin su amigo mexicano no la dirigía. Conclusión, se optó del método más sencillo para seguir aprovechando el filón de una franquicia, un reboot.

Un equipo completamente nuevo se reunió alrededor del autor del cómic para satisfacer sus necesidades, nuevo reparto, nuevo director, nuevo concepto, etcétera, etcétera, todo para traernos una película que, bueno, no llega ni a la mitad de lo que fueron las dos entregas de Del Toro. No quiero decir que las otras fuesen obras maestras y esta no, pero se nota que la sombra de las predecesoras es muy larga… y la de Ron Perlman aún más.

Basándose en las historias contenidas en los cómics de La oscuridad llama, La cacería salvaje y La tormenta y la furia, se nos presenta un reinicio un tanto soso de la historia de Hellboy. Existe una hechicera maligna que quiere dominar el mundo —en un segundo intento, porque el primero lo frustró el Rey Arturo— y destruir a la humanidad, entonces Hellboy, hijo de ambos mundos, deberá luchar contra su propio destino para hacer frente a tal amenaza… y ya. En pocas palabras, hay una mujer muy mala, muy mala, muy mala, que quiere hacer cosas muy malas, muy malas, muy malas, pero el héroe no tan malo como parece hará algo bueno para vencerla. Entre medio de todo, se nos presentarán personajes y situaciones que solo parecen destinadas a desembocar en las posibles secuelas, como Baba Yaga o Abe Sapien, en las que seguro que se tratan los argumentos que ya se utilizaron en las pelis de Del Toro. Todo muy lógico, como acostumbra a pasar con los reboots forzados.

Dejando a un lado la cuestión del argumento —muy mejorable, por otra parte— estamos ante una de esas películas —o adaptaciones— cuya estética es esencial para tener éxito, por lo que debe transportar la esencia de los cómics a la gran pantalla; desafortunadamente, aquí también se queda a medio camino. Aunque la ambientación es correcta, el estilo deriva más de una peli de «terror» —muy en línea de Resident Evil o Underworld— que no de una ciencia ficción y fantasía, auténtica base de las aventuras de Hellboy; y eso que hay secuencias que son directamente extraídas de los cómics, pero se comete el error de querer reproducir una historia tal cual sin tener en cuenta el salto de medio, cosas que funcionan muy bien en las páginas de un cómic, pueden fallar por todas partes en el cine y viceversa.

Otra de las piezas esenciales de Hellboy es el propio Hellboy, y aprovecho este punto para decir que el resto del reparto es completamente insustancial: Ian McShane hace de Ian McShane, como Milla Jovovich hace Milla Jovovich, y el resto pues está ahí, por lo que no hace falta fijarnos en nada más que no sea David Harbour, si es que se le puede ver bajo todas las prótesis. La calidad interpretativa del actor queda completamente anulada al no poder distinguir ni una expresión que no sea una cara de asco mostrando los dientes inferiores y con la boca abierta —seguramente sino no podría respirar—, por lo que no importa lo que diga o haga, siempre queda igual. Admito que en los carteles es una pasada, pero en la cinta es cansino y poco creíble, haciendo que la versión de Perlman le dé mil vueltas a la suya, y eso que a veces ya pecaba de inexpresivo. Además, hay un interés para recordarnos que el personaje es un tipo duro —un badass que dirían los americanos—, pero a excepción de mucha sangre, algún taco, una calificación R y algún que otro chascarrillo, el Hellboy de 2004 era mucho más duro que este.

A grandes rasgos, toda la peli huele a reaprovechado —como cuando recalientas las sobras de una semana para cenar el sábado—, se han ido cogiendo piezas de aquí y de allí: una historia que, a excepción de ciertos detalles, tiene toda la pinta de ser la tercera parte que nunca se hizo; unos personajes que son secundarios de la serie de cómics, se convierten en protagonistas para no repetir los mismos que en las pelis anteriores; un guion reciclado por el que se ha pagado un dineral y del que se tiene que sacar cierto rendimiento… Todo en pos de seguir tirando de un hilo que, por cierto, nadie se acordaba que existía desde hacía diez años.

Hellboy —originalmente titulada como Hellboy: Rise of the Blood Queen— es una de esas películas que, desafortunadamente, son innecesarias, están hechas a medias y con prisas, y cuyo único fin es sacar más dinero de algo de lo que no hace falta sacar más dinero. ¿Se tendría que haber hecho una tercera parte allá por el 2012? Sí. ¿Debería haberla hecho Del Toro y Perlman? Por supuesto. ¿Hacía falta que se hiciera esta en su lugar? Rotundamente no. Por suerte, siempre podremos volver a ver las de 2004 y 2008.

La entrada Hellboy (Neil Marshall, 2019) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

El espíritu de curiosidad del ser humano es ilimitado, en mi caso ha llegado a tal extremo que busqué en los principales rankings de películas en la red cual era la peor película de la historia, y descubrí que, entre las peor valoradas, había numerosas películas de Bollywood, o películas como Dragon Ball Evolution, sin embargo hubo una que me llamó la atención, Aztec Rex. Después de una tarde viendo tráilers y leyendo opiniones de estas y otras películas, pude comprobar que la que se llevaba la palma era la susodicha Aztec Rex.

La historia gira entorno a Hernán Cortes y sus hombres —los más allegados, porque el cuerpo de la expedición no supera la decena— cuando llegaron a la costa de Méjico por primera vez y donde encontraron una tribu de indígenas, que, al parecer, realizaban los famosos sacrificios humanos. Sin embargo no lo hacían para honrar a los dioses, sino para saciar el hambre de un «terrorífico» Tyrannosaurus Rex.

Frente a este planteamiento la película solo podría mejorar… Pero no lo hace. La amenaza principal del film, el dinosaurio, llamado «Lagarto Trueno», podría formar parte de los peores videojuegos de los noventa, y no de una película de 2007, y, para más inri, en numerosas escenas parece que el montaje digital no esté completo.

La ambientación es enfermizamente mala, el vestuario de los «españoles» puede ser comprado en el bazar de la esquina, cascos, corazas y espadas de plástico, combinados con unos magníficos chándales, porque, como todos sabemos, en aquella época ya existía la goma elástica. En cambio sus enemigos, son aún peores. Van vestidos con escasos modelitos a modo de «taparrabos» de carnaval con un exceso de ornamentos plumíferos y formados por huesos. Y, para colmo, el jefe de los nativos parece un aficionado de la selección alemana de fútbol, por las pinturas corporales que lleva pintadas en mejillas bíceps.

Supuestamente, la película nos los presenta como aztecas…¿Aztecas, en serio? Los actores que hacen de nativos pueden ser esquimales, nativos norteamericanos, o hawaianos, incluso tibetanos, todo menos aztecas. Pero si tenemos en cuenta que están frente a un Hernán Cortes de ojos azules con una peluca del «veinte duros», cualquier cosa es posible. La actriz protagonista, Dichen Lachman es nepalí, el soldado Mendoza era el protagonista de la serie The Lost World, William Snow (nacido en Gales), pero la auténtica sorpresa es el actor que interpreta a Hernan Cortes es Ian Ziering, que si por el nombre no suena, era el rubio guaperas de Sensación de vivir, difícil de creer pero cierto, que ahora se ha convertido en el indiscutible protagonista de la serie de películas de The Asylum, Sharknado.

Además los escenarios, grabados entre las playas y selvas de los parajes turísticos del Caribe, están adornados con joyas, edificios y elementos de plástico pintados con brocha gorda. La sangre tiene un parecido más que razonable a vino de garrafa. Hay un momento en que un español es atacado en el estomago por el T-Rex y después muere agonizando por las heridas, representadas por un montón de «botifarras» inundadas en ketchup.

Para rematar la historia tienen el valor de afirmar que la película está «Basada en hechos reales», porque el español que decide quedarse ahí consta como desaparecido y el valle donde suceden la historia nunca fue conquistado… ¿En serio? ¿Alguien se puede creer que eso signifique que la película está basada en hechos reales?

¿Alguien podría preguntarse quién paga para producir esto? Pues bien, esta película fue llevada a cabo por«galardonado» productor de la serie Farscape, que si bien no era una maravilla, comparada con Aztec Rex podría llamarse obra de arte.

¿Como resumir el «placer» de ver este film? Simplemente, completamente, y absolutamente, horrible, no se puede decir de otra forma, pero si uno se mentaliza y se lo toma todo a guasa, es un film que se dejar ver riéndote bastante.

Y como sé que pocos se atreverán a verla, puedo desvelar el mayor secreto jamás contado, el cura, llamado Gria, que se salvó y regresó a España junto a Hernán Cortés después de esta aventura, como él mismo dice, mientras toma una «copita»: «Por mis buenas obras me concedieron la santidad, y mi nombre pervive en esa bebida tan especial que creé, SANGRÍA»… ¡Ole tu huevos!

La entrada Tyrannosaurus Azteca (Brian Trenchard-Smith, 2007) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Creo que no me sentía tan orgulloso de haber terminado de leer un libro desde que finiquité el canon Holmesiano o El Señor de los Anillos, y es que la trilogía de Joe Abercrombie no merece menos.

Después de la travesía liderada por Bayaz, el Primero de los Magos, con un final un tanto abrupto, esta peculiar compañía —que nos recordará en muchos sentidos a la que se formó en la primera parte de El Señor de los Anillos— se topó con una sorpresa, que no revelaremos para no chafar el final de Antes de que los cuelguen —por cierto, un título que también quedaría genial para un western—, regresa a Adua, justo en el mismo momento en que la guerra contra los Hombres del Norte, cuyo rey Bethod no deja de amenazar a la Unión, parece pérdida, y en el mismo instante en que el Imperio gurko se dispone a invadir la capital. Por si eso no fuera poco, el rey de la Unión muere y, habiéndose quedado sin herederos, el Consejo Abierto se ve en la obligación de escoger a un nuevo monarca y, para sorpresa de todos, ese nombramiento recae en Jezal, supuesto bastardo del rey, ganador del campeonato de esgrima y reciente vencedor sobre una rebelión popular en el campo.

Por su parte, los demás miembros de la compañía se disgregan y empiezan a retomar sus caminos, Ferro Maljinn hacia el Sur, Logen Nuevededos hacia el Norte, y Bayaz en el centro, en el asiento más próximo al nuevo rey.

Este es el panorama con el que se presenta El último argumento de los reyes, y su autor, Abercrombie, lo tiene todo de cara para regalarnos una sorpresa tras otra, que nos dejará con los ojos abiertos y esperando más, sin nada que envidiar de los giros de Canción de Hielo y Fuego de George R. R. Martin.

Como no podía ser de otro modo, Abercrombie sigue la línea establecida en las dos novelas precedentes —La voz de las espadas y Antes de que los cuelguen—, con ese punto medio entre la novela épica, la fantástica y la humorística, ya que no olvidemos que, uno de los puntos fuertes de esta trilogía es que los momentos más duros y más crueles se solapan con el humor, negro, pero humor al fin y al cabo.

Después de dos mil páginas, los personajes como Glokta, Jezal o Logen se vuelven tan cotidianos como el más íntimo de los amigos, y es inevitable desear que el final de sus historias llegue a buen puerto o, al menos, su destino sea tan espectacular como los pasajes que nos han ofrecido. Y, para aquellos que duden, en este sentido la trilogía de La primera ley no decepciona.

Pero no es oro todo lo que reluce, si bien la novela sigue igual que las anteriores en cuanto a tono, la trama, llena de momentazos hasta ahora, en El último argumento de los reyes, se estanca. Es decir, aunque haya sorpresas y giros, no son tantos como a los que estábamos acostumbrados hasta ahora, sino que la trama, por los cauces que se ve obligada a recorrer, reduce en acción.

Sin embargo, no hay mal que por bien no venga, y si pierde acción —salvo en pasajes puntuales—, gana en lo que podríamos llamar «intrigas palaciegas», y es aquí cuando Abercrombie demuestra que su obra tiene el mismo valor que las obras de Martin, Tolkien o Sanderson.

Seguramente, esta entrega es la peor de las tres, o al menos la menos buena, pero eso es porque tendemos a limitarla por capítulos, pero, cuando forma parte del total de la trilogía, y si se lee como una sola novela, sin duda no se notará este bajón que he mencionado.

Salvo este pequeño detalle, sin importancia en un recorrido tan largo como es La primera ley, El último argumento de los reyes se convierte en un colofón perfecto para una trilogía que todos aquellos que gusten de espadazos, sangre y humor un tanto fuera de lugar, disfrutarán como niños. Mi única recomendación, intentar leerla del tirón.

Además, y con ganas de generar expectación para un público sediento de hype, el final, aunque haya muchos cabos sueltos que se aten, quedan los suficientes como para seguir adelante con las novelas independientes que Abercrombie publicó a posteriori, y que muchos que las han leído, afirman que son mejores que la trilogía de origen.

La entrada El último argumento de los reyes (Joe Abercrombie, 2008) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Las cosas en el Círculo del Mundo están cambiando más deprisa de lo que sus habitantes podrían esperar y desear. Los ejércitos del Norte bajo las órdenes de su rey, Bethod, está avanzando sin que nadie pueda pararlo hacia el sur, valiéndose de la fuerza de sus hombres así como de una extraña magia. Por otro lado, el Imperio Gurkish ha llegado a las puertas de Dagoska, ciudad que pretende mantener bajo asedio hasta que sea rendida o destruida. Desde la Unión, gobernada con flaqueza por centenares de burócratas que ponen por delante sus intereses a los de la nación, se miran estos hechos con medio, sabiendo que deben hacer algo, pero sin saber el qué. Para resolver ambos peligros, dos hombres sin parangón serán enviados para intentar evitar el desastre, aunque realmente están siendo apartados del centro de gobierno, ya que su valía les haría prevalecer por encima de los que ahora mismo gobiernan en lugar del rey.

Un Collem West ascendido a coronel es enviado a Angland, el territorio fronterizo con el Norte, uniéndose a las fuerzas expedicionarias del mariscal Burr, cuya misión es evitar que Bethod les arrebate ese territorio. Sin embargo, no solo tendrá que lidiar con los nobles que lo miran con recelo, sino también con la inutilidad del príncipe heredero, Ladisla, cuyas decisiones les pueden llevar al desastre.

Mientras, en el sur, el inquisidor tullido Sand dan Glokta es enviado a Dagoska como Superior de la Inquisición en la ciudad, dónde deberá investigar quién acabó con su predecesor, mientras que intenta mejorar las defensas de la ciudad frente al ejército Gurko, a la vez que intenta averiguar que miembro del consejo de la ciudad está traicionando a la Unión y planeando su propio asesinato.

Mientras todos estos sucesos hacen tambalear al mundo, una pequeña y peculiar compañía se dirige hacia al este liderada por el Primero de los Magos, Bayaz. A su lado están su aprendiz Malacus Quai, el norteño Logen Nuevededos, la antigua esclava Ferro Maljinn, el navegante Pielargo y el reciente vencedor del torneo de esgrima de Adua, Jezal dan Luthar, cuya misión consiste en llegar a la ciudad de Calcis, en el Viejo Imperio, para acabar con una amenaza que Bayaz se niega constantemente a revelar.

Tras los acontecimientos de La voz de las espadas, Joe Abercrombie sigue profundizando en su mundo de épica y fantasía, con la clara intención de mostrarnos la complejidad que este contiene, y lo consigue. Vemos que no son solo cuatro o cinco personajes recorriendo largos caminos para vivir aventuras, sino que también tienen una historia, tanto pasada como futura. En este sentido, aunque Logen y Sand dan Glokta siguen siendo los personajes más destacables, sobre todo por su forma de ser, descubrimos elementos en estos y en los demás, que cada vez nos hacen conectar más con ellos. Por un lado, Logen, por ejemplo, empieza a mostrar cada vez más a menudo un extraño y terrorífico poder que no puede controlar. Descubrimos que Ferro Maljinn no es tan arisca como la veíamos cuando se relacionaba con Yulwei, así como Jezal, que poco a poco, los hechos le obligan a ser cada vez menos pedante, y convertirse en alguien más completo, experimentado y, queriendo o no, diferente, al fin y al cabo.

Finalmente, otros de los personajes que, poco a poco, van ganando protagonismo, son el grupo de Tresárboles y el Sabueso, formado por norteños que huyen de Bethod pero que, sin poder impedirlo, verán que lo correcto será unir sus fuerzas con la Unión para hacerle frente.

Aunque el mundo de Abercrombie tiene su propia estructura, es inevitable compararlo con otras sagas de características similares, como Canción de Hielo y Fuego o El Señor de los Anillos, ya que, mientras se lee, es inevitable recordar ciertos pasajes de estas obras maestras. En primer lugar, imposible es no fijarse en que la visita de Sand dan Glotka a Dagoska, así como las modificaciones que hace en sus defensas, recuerdan mucho cuando Tyrion Lannister se convierte en la Mano y gobierna Desembarco del Rey y la defiende de los hombres de Stannis Baratheon. Y algo muy parecido sucede con la compañía de Bayaz, que, aunque no tienen que destruir un anillo, su misteriosa y, sobre el papel, imposible misión, y las diferencias entre sus miembros, la asemeja en extremo con la Compañía del Anillo que nos presentó hace años J. R. R. Tolkien.

A diferencia de lo que sucedía con La voz de las espadas, que parecía un extensa presentación de los personajes, en Antes de que los cuelguen se desarrolla una historia que, aunque no se sabe muy bien como acabara, se huele la conclusión que tendrá lugar en El último argumento de los reyes.

La entrada Antes de que los cuelguen (Joe Abercrombie, 2007) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

En el Círculo del Mundo, varios reinos e imperios viven en paz, una paz muy tensa, pero en paz, hasta que los antiguos y bravos guerreros del Norte se despiertan y deciden tomar lo que creen que es suyo y no de la Unión. Al mismo tiempo, en el sur, el Imperio Gurkish, viejo y vencido enemigo de la Unión, no duda en alzarse en armas para empezar una nueva guerra. En un momento de la historia en que la guerra es más que inevitable, varias personas emprenderán, sin saberlo, un camino hacia lo desconocido. Logen Nuevededos, un guerrero forajido del Norte, pierde a sus compañeros pero se encontrará con Quai, un aprendiz de mago, con el que viajara hasta las puertas de la Gran Biblioteca del Norte, dónde conocerá al Primero de los Magos, Bayaz, que vive apartado de la civilización que él mismo ayudó a construir, aunque no por mucho tiempo. Sand dan Glokta, un soldado tullido convertido en temible inquisidor, tendrá que hacer frente a una conspiración en el gremio de los sederos de la capital de la Unión, y, para ello, no dudará en utilizar a sus crueles ayudantes, los practicantes Frost y Severard. Jezal dan Luthar, un joven y apuesto soldado de la guardia real, a pesar de las tensiones que se están viviendo en el mundo, tiene su mente fijada en lo único que parece importarle a los que tiene alrededor, el prestigioso certamen de esgrima, que tiene que ganar sí o sí; sin embargo, en su camino, se cruzará Ardee, una apuesta mujer plebeya de Angland, hermana de su comandante y amigo, Collem West. Ferro Maljinn, una esclava del Imperio Gurkish, hará todo lo posible para vengarse de aquellos que la convirtieron en una mercancía, pero todo cambia cuando se cruza en su camino el anciano Yulwei, que la llevará por otro y más importante camino.

Valiéndose de diferentes puntos de vista, Joe Abercrombie nos cuenta una historia y nos presenta un mundo digno de las mejores sagas de fantasía épica de la historia. En una misma historia, nos sumerge en un mundo no solo estilo medieval —como sucede Canción de Hielo y Fuego—, sino también se atisban ciertos aires del renacimiento en lo que es la capital de la Unión, así como a los imperios de Asia y África que vemos en Gurkish, pero lo hace de tal modo, que todos parecen encajar, teniendo sus más y sus menos en los campos de la cultura y la guerra.

La narración es muy fluida, los diálogos y los pensamientos internos de los diferentes personajes que protagonizan La voz de las espadas hacen que se vaya pasando una página tras otra mientras no dejas de avanzar en una historia que, aunque muy enmarcada en un género, no deja de sorprendernos palabra a palabra.

Una de las principales bazas de esta novela —así como del resto de la saga— son los personajes, que sin bien arquetipos —un guerrero cruel, un villano sarcástico que puede que no sea tan villano, una mujer guerrera, etcétera, etcétera—, tienen ciertos elementos que los hacen excepcionales. En este sentido, si algunos personajes destacan por encima de los demás, son, sin duda, los Glokta y Logen. El primero destaca por algo que es inevitable, es el clásico malo que nos cae bien, al más puro estilo de Tyrion Lannister, y es que a pesar de que en realidad es un villano de arriba a bajo, su historia así como la manera de afrontar la dureza del presente, hace que sus capítulos sean los mejores, en los que te ríes con los sarcasmos e ironías que lanza a los demás personajes con los que interactúa o él mismo. Por otro lado, otro de los personajes que sobresale es Logen Nuevededos, por un lado es al primero que conocemos y durante sus primeros capítulos nos convertimos en su único compañero mientras recorre el Norte, pero, además, a medida que va conociendo a otros personajes como Malacus Quai, Bayaz o el propio Glokta, descubrimos que es algo más que un gran y temible guerrero. Sin ir más lejos, cuando descubre Adua, la capital de la Unión, deja de ser ese temible guerrero para convertirse en un indefenso turista que se ve superado por todo cuanto le rodea, convirtiéndose en el personaje más humano y con el que uno pueda identificarse de todo el repertorio de La voz de las espadas.

La única pega, si es que puede considerarse una pega, es que cuando se termina de leer La voz de las espadas tiene una extraña sensación, ya que si bien te ha gustado, te deja un poco cortado, como si, en realidad, este libro no fuera más que el planteamiento de una historia, que todavía necesita dos partes más. Por suerte, la publicación de la saga La primera ley no se detuvo aquí, sino que cuando se llega al final del presente libro, aun quedan por disfrutar, como mínimo, dos más, Antes de que los cuelguen y El último argumento de los reyes, que tarde o temprano llegarán a esta web.

La entrada La voz de las espadas (Joe Abercrombie, 2006) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

¿Te has preguntado alguna vez cómo seria El señor de los anillos ambientado en la época actual? Bueno pues los señores de Netflix se han encargado de mostrarnos un mundo donde orcos, elfos y otros seres mitológicos conviven con los humanos en pleno siglo XXI. A priori suena interesante pero veremos que se queda muy lejos de lo que podía ofrecer.

La película se centra en la trama de dos policías de Los Ángeles que patrullan juntos. Uno es el humano Ward (Will Smith), y el otro el novato orco Jakoby (Joel Edgerton). Ambos inician una guardia nocturna que cambiará el futuro y el mundo que conocen. A pesar de sus diferencias personales, deberán trabajar juntos para proteger a una joven elfa y un antiguo y misterioso artefacto -una varita mágica- que, de caer en las manos equivocadas, podría destruirlo todo.

David Ayer es el encargado de dirigir esta película, después de la bochornosa Escuadrón Suicida ahora nos muestra una “buddy movie” con dos policías muy diferentes, ya que la gracia de la película es utilizar las diferentes razas para definir las distintas clases sociales, de ese modo los elfos son gente de clase alta, adinerada, estilan glamour y lujo por todas partes. Por el otro lado están los orcos, que son la parte más baja de la escala social, odiados y discriminados por el resto. Y los humanos estamos en medio, como siempre. Una vuelta de tuerca a la clásica discriminación social y racial de la sociedad actual.L

La estética es muy “underground” y recuerda a su anterior trabajo Escuadrón Suicida, de hecho también tiene cierto parecido con la de Training Day, con escenas “inspiradas” en dicha peli. La película comienza bien, presentando su mundo que rápidamente te llama la atención por la mezcla que tiene, pero al rato de tas cuenta de lo poco aprovechado que está ese mundo, pasan por encima muchas cosas, muchos interrogantes que se quedan en el aire sin explicación, quizá sobre el papel tenía mucho que ofrecer pero no se han desarrollado como deberían, puede que una segunda parte le venga bien, aunque lo ofrecido en la trama deja poco interés para la siguiente, tendrían que enfocarse en otra historia. Por si fuera poco, se apoyan mucho en la acción lo que hace que decaiga aun más el interés. Ya que este aspecto es el mismo que en cualquier película del estilo por lo que toda la novedad y frescura que podía traer al género se diluye con las típicas escenas de siempre.

En definitiva, te quedas con la sensación de que podría haber sido mucho mejor, tenías un mundo interesante con muchas posibilidades pero que por una cosa o por otra se han quedado fuera, entretenida pero nada más.

La entrada Bright (David Ayer, 2017) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Tras siete años desde que dirigiese su última peli., Señales del futuro (2009), Alex Proyas vuelve a la carga con una película de fantasía y con la mitología egipcia como protagonista. Por desgracia, no vamos a encontrar nada nuevo en esta versión.

La historia la hemos visto mil veces en este tipo de películas, tenemos al malo, en este caso el dios Seth, que usurpa el trono de Egipto y se autoproclama rey matando a todo el que se interpone, excepto al protagonista que solo es desterrado. El dios Horus, el protagonista, inicia su aventura para destronar a Seth, para ello cuenta con la ayuda de Bek, un chaval, mortal, cuyo principal interés es devolverle la vida a su amada fallecida. A pesar de que nos dicen que es un chaval cualquiera, un ladronzuelo sacado de las calles de la ciudad, vemos enseguida que tiene una destreza y agilidad digna de los dioses. Estos dos, junto algunos otros que se les unen, serán los encargados de recuperar el trono de Egipto de las garras del malvado Seth.

Una historia clásica en este tipo de película, no hay nada nuevo que no hayamos visto, todo ello además se ve estirado en un metraje al cual le sobran algunos minutos.

En cuanto al reparto, llama la atención de Gerald Butler haciendo el papel de villano, al espartano normalmente lo vemos siempre como el protagonista que resuelve todos los problemas, en esta ocasión el papel de héroe se lo han dejado para Nikolaj Coster-Waldau, Jaime Lannister para los amigos, el cual cuesta de ver en otro papel que no sea el de Juego de Tronos. No es que estos personajes encajen en lo físico con como se supone que eran los egipcios pero bueno, es Hollywood y para ello el rigor histórico no es lo más importante. Pero al menos no desentonan y lo hacen bien, sobretodo Butler. También tenemos en pantalla a Chadwick Boseman (pantera negra en Civil War) como el dios Thoth, e incluso sale Geoffrey Rush en el papel del dios Ra, lo poco que sale es de lo mejor de la película. El resto del reparto queda mas deslucido.

Quizá la parte donde más peca es en el tema visual. Al principio llama mucho la atención por lo colorido de las imágenes, hasta que te das cuenta que abusan del CGI para todo, los escenarios están muy recargados y el aspecto recuerda más a los videojuegos, lo peor es cuando los dioses se transforman en animales mitológicos, un aspecto que recuerda demasiado a los Power Rangers de antaño, solo les falta que hagan una coreografía al transformarse. Por otra parte, los efectos especiales no ayudan y desentonan, como cuando los personajes pasan de CGI a carne y hueso, o las explosiones que están digitalizadas. Eso unido a algunos fallos visuales hacen que decaiga el interés ya de por sí bajo en la película.

Como siempre otra peli más que no se esfuerza en pasar del entretenimiento más básico, no vas a encontrar nada que no hayas visto en otras pelis como Furia de Titanes, Hércules, Percy Jackson, el Rey Escorpión (las secuelas) y ese tipo de películas de las cuales cualquiera de ellas ya es mínimamente superior a esta. Ni siquiera vale como interés por la mitología egipcia, ya que el rigor histórico está muy cogido por los pelos. Poco recomendable la verdad.

La entrada Dioses de Egipto (Alex Proyas, 2016) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Warcraft es una de las sagas de videojuegos más populares de todos los tiempos. La compañía Blizzard publicó en 1994 el primer juego llamado Warcraft: Orcs & Humans, un RTS (estrategia en tiempo real) donde se enfrentaban Orcos contra Humanos en un ambiente épico medieval. Fue uno de los primeros juegos de su género y el éxito le llevó a la creación de varias secuelas, su principal baza era el componente multijugador, tanto local como online, algo que en aquella época no estaba tan extendido. Blizzard supo aprovechar el éxito que se avecinaba con el online y creó una nueva marca llamada World of Warcraft en 2001, del género MMORPG (videojuego de rol multijugador masivo en linea) cuyo éxito fue brutal, tal que actualmente se sigue jugando y recientemente salió su última expansión, World of Warcraft: Legión. Además de los videojuegos, su éxito les ha llevado a la creación de otros productos como juegos de mesa, novelas y todo tipo de merchandising. Y como era de esperar, tarde o temprano tenía que llegar una película de su historia. En una época en la que en el cine hay más adaptaciones de novelas/videojuegos o remakes de otros que películas nuevas, llega la primera incursión del universo Warcraft en los cines, Warcraft: El origen.

El pacífico reino de Azeroth está a punto de entrar en guerra por la llegada de unos terribles invasores: clanes de orcos guerreros unidos en una Horda que han dejado su destruido mundo para colonizar otro. A través de un portal que conecta ambos mundos, un ejército se enfrenta a la destrucción, y el otro, a la extinción. Dos héroes, uno en cada bando, están a punto de chocar en un enfrentamiento que cambiará el destino de su familia, su pueblo y su hogar. Este es el inicio de la guerra entre orcos y humanos.

Aunque haya jugado a sus juegos, no me considero fan ni conozco al detalle su extensa mitología, de modo que la parte histórica y las referencias a los videojuegos no las voy a entender. Quitando eso, la película tanto si conoces su mundo como si no es bastante entretenida. Pelis del género fantástico las hay a patadas, algunas mejores y otras peores. Warcraft tiene un estilo propio que se aleja de lo ya visto. Para empezar su estilo visual es muy colorido y variado, la mayoría de escenas están generadas por ordenador, creando unos paisajes y ciudades increíbles, más propias de videojuegos, como es lógico. Incluso los Orcos están hechos por CGI, exceptuando a la orco protagonista. Esto podría ocasionar una gran diferencia entre los humanos con actores reales a los orcos digitalizados, pero el nivel de detalle es asombroso y no desentonan las dos partes cuando comparten plano. Al fin y al cabo la propia Blizzard ha estado involucrada como productora junto a otros estudios como Legendary Pictures. Para mí de los mejores CGI que se han visto últimamente en las películas. En cuanto a la historia, evidentemente no está a la altura de el señor de los anillos ni aspira a eso, el film tiene sus limitaciones y se conforma con llegar a donde puede, cosa que hace sobradamente. Es una historia que se entiende perfectamente y no te abruma con muchos nombres raros y palabras inventadas complejas. El director es Duncan Jones cuyas películas más conocidas (no es que tenga muchas) son Moon (2009) y Código fuente (2011). Un director enfocado sobretodo en la ciencia ficción que ha querido probar en esta un estilo más de fantasía. Quizá lo peor sea el reparto, quitando el reclamo de coger como protagonista a Travis Flimmel (Ragnar en la serie Vikings) o a Paula Patton (Misión Imposible IV), los personajes se ven muy falsos a la hora de interpretar, no les veo que pongan muchas ganas en la actuación, además de que algunos no encajan en sus papeles, de hecho los orcos CGI los veo hasta más creíbles que los humanos, quizá no les vendría mal que la película fuera íntegramente generada por ordenador.

Por lo demás la película cumple lo que promete, es una adaptación de un videojuego bastante fiel que los fans sabrán apreciar mejor, para el resto es una película más que entretenida.

La entrada Warcraft: El origen (Duncan Jones, 2016) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Nos situamos en el Londres victoriano de finales del siglo XIX, pero no es el que todos conocemos de las clases de historia o los relatos de Sherlock Holmes. En este Londres victoriano la electricidad es algo habitual, grandes dirigibles surcan los aires, y la tecnología está mucho más avanzada y aplicada a muchos ámbitos de la vida, como las comunicaciones o las armas. Pero, lo más importante, es que no solo lo habitan los humanos, sino también los licanos o híbridos, unos hombres lobo que aterrorizan la ciudad. Además de esta amenaza, la ciudad va llena de sentimientos de rebelión contra el sistema impuesto.

En este contexto, descubrimos que los hombres que luchan contra estas criaturas son la Orden de los Caballeros de su Majestad —para más señas, los Caballeros de la Mesa Redonda— que, desde tiempos del Rey Arturo, luchan contra esta amenaza valiéndose, entre otras cosas, del «agua negra», un líquido que extiende sus vidas y tiene cualidades curativas. De entre todos sus miembros, la historia girará en torno a Sir Galahad, uno de los caballeros más preparados, que, sin embargo, duda de la posición de la Orden en una lucha en la que los bandos se confunden unos con otros, sin saber exactamente quién es amigo o quién enemigo, de entre caballeros, licanos y rebeldes. Pero Sir Galahad no está solo en esta lucha, otro de los que pondrán en duda el papel de la Orden será su mentor, Sir Perceval, uno de los caballeros más veteranos, que incluso llegará a enfrentarse con el líder de los caballeros, el Lord Canciller.

Ayudados por Lady Igraine, hija adoptiva del Lord Canciller, y el Marqués de Lafayette, que es un aprendiz de la Orden, Galahad y Perceval iniciarán una investigación en los bajos fondos de este enigmático Londres victoriano, a la vez que hacen frente a la amenaza de los híbridos contra la que su Orden lleva siglos luchando.

The Order: 1886 parte de una premisa derivada del estilo steampunk, en el que la historia de finales del siglo XIX se entremezcla con ciertos elementos de tecnología retro-futurista y de partes fantásticas, como son los hombres lobos o los vampiros; todo ello dedicado, por completo, a sumergir al jugador en un ambiente excelentemente perfilado, en el que, si no lo supiéramos, dudaríamos de que es real y que no lo es. Además de los elementos propios del género, en la trama se suman otros conceptos más originales como la inclusión de los Caballeros de la Mesa Redonda —en una versión revisada del mito, en la que sus hombres pueden servir a la Orden durante siglos, como los casos de Perceval y Galahad—, dándole ese signo de distinción por encima de otras historias de este estilo.

Como os podéis suponer, el punto fuerte de este videojuego, teniendo en cuenta la historia que quiere narrar, es la ambientación. En este apartado, The Order: 1886 es un ejemplo perfecto de lo que PlayStation 4 puede ofrecer al público en cuanto a calidad técnica. Los escenarios han sido recreados al milímetro —desde las motas de polvo que flotan en el aire, al estampado de una alfombra, pasando por los diversos colores de la madera—, del mismo modo el tono y los filtros aplicados aun nos sumergen más en la época en que transcurre la historia, sin olvidarnos de una excelente iluminación que juega en favor de los diversos momentos del juego, tanto diurnos como nocturnos. En esta misma dirección corren los personajes, cuyos modelados son absolutamente perfectos, con unos movimientos tan reales y un comportamiento de telas y texturas tan conseguidas que muchas veces nos hará dudar de si no estamos viendo actores reales. En este sentido, el juego está tan cuidado que incluso los menús o los indicadores en pantalla durante la partida mantienen el estilo de la época y la historia que los realizadores nos quieren hacer vivir.

Pero no solo es calidad técnica lo que nos ofrece este juego, sino también argumental. Como ya habéis visto, la premisa de partida es más que llamativa, pero a medida que nos adentramos en los episodios y descubrimos a todos los personajes y sub-tramas que hay en la historia de The Order: 1886, descubrimos todo un mundo y una realidad perfectamente hilada y encajada, sin dudas ni titubeos. Por decirlo claramente, no es la típica historia de los juegos de acción y disparos, sino que nos aporta algo más, obligándonos a quedarnos anclados al asiento con las magníficas cinemáticas en las que se desarrolla la historia, siendo tan impresionantes que casi podríamos decir que se trata de una película de acción interactiva.

Son estas cinemáticas las que más nos permitirán ver cuán perfecto es el juego, ya que, entre otros motivos, estas están perfectamente integradas en la partida, que pasaremos, sin darnos cuenta, de uno a otro sin ningún tiempo de carga o pantallazo con un consejo o un icono dando vueltas.

Llegados a este punto, muchos os estaréis preguntando por qué aún no me he referido a lo que todo el mundo habla de este juego: ¿si es tan bueno, por qué ha recibido las horribles críticas que ha recibido? Como respuesta a esto, simplemente diré que la gente está cargada de puñetas, así de simple.

Cuando empiezas a jugar en The Order: 1886, te sumerges en un mundo tan excelentemente construido, que lo demás nos debería ser igual. La mayoría de las críticas de este juego han ido dirigidas a la jugabilidad, la falta de multijugador y la duración del juego. Hasta cierto punto se puede aceptar que la jugabilidad no es tan dinámica como muchos desearían, en algunos momentos parece algo incómoda, pero ¿qué queréis? Durante todo el juego se nos quiere que vivamos una historia, no que nos pongamos a valorar cada una de las diferentes armas. The Order: 1886 consiste en avanzar en la historia y descubrirla. En cuanto la falta de multijugador, si alguien critica este aspecto, es que no sabe de qué está hablando. La primera entrega de Uncharted no tenía multijugador, y nadie lo criticó, ¿por qué? Por qué ahora, no sé exactamente el motivo —seguramente algo relacionado con las grandes productoras, los DLC y las micro-transacciones—, todo y todos parecen enfocados a la faceta de multijugador online, ¡incluso hay juegos que solo tienen eso!

Dejando de lado este debate sobre el multijugador —que daría para otro artículo—, uno de los puntos más criticados es el de la duración del juego. Al principio se le criticó porque, unos días antes del lanzamiento, se filtró un playthrough completo del juego que duraba unas escasas cinco horas, por lo que, llegados a la fecha de estreno, la mayoría que no lo jugaron se cebaron basados en este elemento. En este sentido, los responsables, se hartaron de decir que se trataba de un ocho horas, incluso diez, algo que un servido suscribe, al haberlo jugado ya varias veces de cabo a rabo. Y es que la gracia de este juego es esa, poder disfrutar su historia una vez tras otra sin cansarte de él. Sí es corto, pero por el tipo de juego que es, debe ser así. Es como si alguien criticara la extensión de la campaña de los Call of Duty por ser demasiada corta.

En este sentido, Ru Weerasuriya, fundador de Ready at Dawn y uno de los responsables de The Order: 1886, dijo esto:

«Espero que la gente que le gusten este tipo de juegos [de corta duración], lo juegue. Pero también quiero que, como jugador, la industria me ofrezca esta posibilidad. He jugado a juegos de no más dos horas que eran mejores que los juegos de dieciséis horas. Esta es la realidad de ello. La duración del juego para es relativa a la calidad. Es como una película. Solo porque dure tres horas, no la hace mejor».

Y es que la clave de The Order: 1886 está en estas palabras. Cuando se valora un juego, una película o, incluso, un libro, no debemos basarlo solo en el tiempo del que hemos disfrutado de él. Si una peli es buena, lo es, y punto, pues lo mismo pasa con los videojuegos, aunque muchos lo olviden. La duración no es un factor a tener en cuenta respecto a su calidad. Por este motivo, me gustaría recomendar que le dierais una posibilidad a este juego, pero siendo conscientes de dónde os metéis. Luego no digáis que esperabais un Assassin’s Creed, y os habéis encontrado un Uncharted. Sería como poner un FIFA y esperar que fuera un Need for Speed.

En definitiva, The Order: 1886, a pesar de las críticas recibidas por parte de gran parte de los medios, es uno de los juegos más brillantes y perfectos que PS4 ha ofrecido en 2015 y ofrecerá en mucho tiempo, y aunque hasta ahora no se le haya valorado como merece, en un futuro, será uno de los clásicos de esta plataforma.

La entrada The Order: 1886 (Ready at Dawn, 2015) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Los Wachowski, Andy y Larry, o Larra, en fin, los hermanos Wachowski, ese dúo de directores que allá por el 1999 nos trajeron una de las pelis más populares, y por la que me considero fan incondicional, de todos los tiempos: MATRIX. Sí, una peli que subió el listón en lo que a ciencia ficción se refiere, sus técnicas que la convirtieron en un icono son a día de hoy básicas para cualquier película de acción mínimamente decente. Cuando una de tus primeras pelis tiene éxito, uno le sigue la pista al director, o directores que la han hecho, en este caso, los Wachowski tras hacer Matrix y sus secuelas, que aunque no sean tan buenas como la primera mantienen una calidad aceptable, esperas que vuelvan a inventar la rueda, ¿y qué tenemos? Bueno tras terminar la trilogía Matrix y sus sucedáneos hicieron Speed Racer (2008), vale que en 2005 participaron en V de Vendetta aunque como productores y guionistas, no como directores. Pasemos al siguiente, El atlas de las nubes (2012), una peli basada en un libro y que aunque considero que no era del todo mala, si que era algo lenta y difícil de seguir para la mayoría del público, la peli prometía pero pasó desapercibida. Por eso tras conocer su próximo título uno esperaba que esta pareja renaciera y volvieran a subir el listón del género de ciencia ficción que tanto me gusta. Para ello qué mejor que contar con el apoyo de la compañía que confió en ti para el éxito de Matrix, más un buen colchón de 170 millones de dólares de presupuesto. Algo grande se avecinaba ¿a qué sí? Pues no, decepción is coming.

Y es que la peli es mala, pero mala de verdad, no tiene ningún sentido, parece una película hecha por un estudiante de primero de carrera, cuando te enseñan los recursos típicos de las películas de cine, no hay nada que digas, ostras se han currado esto, o que bien hecha está tal escena, nada y me fastidia mucho porque tenía la esperanza que esta película podría encontrar hueco en un género en el que está prácticamente todo inventado. En lugar de eso nos encontramos con situaciones tópicas unido a escenas ridículas. Los actores no se esfuerzan ni siquiera en disimular los hechos. Channing Tatum no tiene ningún carisma y su rostro no expresa ningún tipo de emoción y esas orejas de elfo innecesaras no ayudan a mejorar el personaje, y las botas voladoras que lleva en las que patina sobre el aire de risa. Mila Kunis es muy guapa pero da la sensación de que se lo esté tomando a cachondeo el guión, como si no fuera con ella. El malo de turno Eddie Redmayne que ganó el Oscar por su papel en La teoría del todo, debería de devolver la estatuilla a la academia ya que su sobreactuación en representar el papel de villano dan vergüenza ajena. Vamos que nadie se salva. Encima sale Sean Bean y ¡no muere!, un actor que en sus mejores actuaciones su personaje siempre moría y ni siquiera hacen bien eso, lo tenían a huevo macho. 

A si que nada, otra película que se irá al cajón del olvido, recordada por pocos y admirada por nadie. A este paso pocas compañías van a volver a apostar por este dúo de directores, y me sabe fatal porque pienso que son de los directores que saben innovar y siempre ofrecen nuevas opciones y estilos para sus películas, o eso creía. Más que Jupiter Ascending debería haberse llamado Wachowski Descending, perdón por el chiste malo.

La entrada Jupiter Ascending (Wachowski’s Brothers, 2015) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.