Basada en la popular novela de Noah Gordon y ambientada en el siglo XI, narra el viaje del joven Rob Cole, traumatizado por la muerte de su madre, en su obsesión por convertirse en médico y estudiar con el legendario sabio persa Ibn Sina, en una coproducción alemana que combina aventura, drama y épica histórica.

Desde el punto de vista técnico, El médico demuestra un firme dominio de la puesta en escena. La dirección de Stölzl logra transformar una novela extensa y compleja en una narración cinematográfica cohesionada, aunque no siempre elegante en su economía narrativa. La película se extiende durante más de dos horas y media, y en varias secuencias se siente ese peso de la duración: hay momentos que fluyen y cautivan, y otros donde el ritmo decae hasta hacer palpable la distancia entre los fragmentos de la historia.

La fotografía de Hagen Bogdanski es uno de los puntos más notablemente logrados. Las imágenes evocan con claridad y belleza los escenarios del medievo europeo y del mundo islámico de entonces, desde polvorientas calles inglesas hasta los zocos brillosos de Isfahán. Las tonalidades, la composición y la iluminación contribuyen a sumergir al espectador en una época que rara vez se siente tan vívidamente representada en el cine comercial.

La música, compuesta por Ingo Frenzel, acompaña de manera eficaz los altibajos del relato. Si bien no es memorable en sí misma, cumple su función de subrayar el tono emocional sin caer en el melodrama fácil, lo cual es de agradecer en un género que suele abusar de la musicalización afectiva.

En cuanto al guion —adaptado por Jan Berger—, el principal acierto está en establecer un arco claro para Rob Cole: de huérfano desvalido a aprendiz apasionado. Sin embargo, ese arco se presenta a veces con matices simplistas y un tratamiento del contexto histórico que prioriza la accesibilidad sobre la profundidad. La película incurre en arquetipos que se sienten cómodos en la pantalla —el sabio maestro, el amor joven, la intolerancia religiosa— lo que, si bien facilita la empatía del espectador, también empobrece la complejidad de las tensiones culturales y científicas que podrían haber sido exploradas con más precisión.

Las actuaciones sostienen buena parte de este equilibrio entre ambición y simplificación. Tom Payne ofrece un retrato convincente del idealismo de Rob, y su química con Ben Kingsley —quien encarna a Ibn Sina con dignidad y presencia— es uno de los pilares emocionales de la película. La cinta se apoya en esta relación alumno-maestro, que funciona tanto como motor narrativo como símbolo de la transmisión del conocimiento. Las interpretaciones más secundarias, como la de Emma Rigby, aportan calidez y humanidad, aunque a veces se quedan relegadas por un guion que no siempre les confiere el espacio que merecen.

En términos de verosimilitud histórica, El médico opta por una mezcla de fidelidad y concesiones dramáticas. Algunos comentaristas han señalado inexactitudes o simplificaciones respecto a la época, la cultura y las dinámicas religiosas que se representan, una crítica válida desde una perspectiva histórica más exigente. Desde un punto de vista cinematográfico, esas libertades —aunque comprensibles para alcanzar un público amplio— pueden desinflar el potencial de la película para ser una obra profundamente educativa o desafiante.

El médico es una película que admiro, aunque con reservas. Como espectadora apasionada por los dramas profundamente humanos, encuentro en la historia de Rob Cole un viaje emotivo que me conmovió más de una vez; la búsqueda de conocimiento, el enfrentamiento con la muerte y el choque entre culturas son temas que resuenan con fuerza. Las imágenes y la puesta en escena logran transportar al espectador a otra época, y las interpretaciones centrales —especialmente la de Ben Kingsley— elevan el material.

No obstante, la película no siempre alcanza la profundidad que promete. Su ritmo irregular, algunos diálogos previsibles y una tendencia a preferir la claridad sobre la complejidad histórica limitan su alcance. Estas no son debilidades menores: en una historia sobre el nacimiento de la medicina como ciencia y sobre el desafío a prejuicios arraigados, uno desea un examen más matizado de esos conflictos. Aun así, El médico logra conmover y hacer pensar, y pocas películas combinan aventura, emoción y reflexión con la misma honestidad narrativa.

Se trata de una obra sólida que sabe a dónde quiere ir y casi siempre acierta. Me deja con la sensación de que las historias sobre la búsqueda de sentido y conocimiento tienen un valor incuestionable en el cine, incluso cuando no alcanzan la perfección técnica o histórica. Al terminar, me quedé reflexionando sobre cómo enfrentamos nuestros propios miedos y qué significado tiene aprender en medio de la incertidumbre. Esa, para mí, es la marca de una película que merece ser vista y discutida.

La entrada El médico (Philipp Stölzl , 2013) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Ridley Scott, conocido por redefinir la ciencia ficción con obras maestras como Alien, el octavo pasajero y Blade Runner, resucitó en el año 2000 el género de péplum (cine de romanos), tan popular en los años 60, con la icónica Gladiator (El gladiador). Esta película, protagonizada por un elenco de lujo que incluye a Russell Crowe (Master and Commander), Joaquin Phoenix (Her, Napoleon), Connie Nielsen y el legendario Richard Harris, conquistó cinco premios Óscar, entre ellos el de Mejor Película y Mejor Actor para Crowe. Su guion, aunque ficticio, se inspira parcialmente en La caída del imperio romano (1964) de Anthony Mann, creando una narrativa que mezcla hechos históricos con una poderosa ficción épica.

En el año 180 D.C., el Imperio Romano es la superpotencia de la antigüedad, gobernando gran parte de Europa y el norte de África. Tras una dura victoria contra los bárbaros en Germania, el anciano emperador Marco Aurelio (Richard Harris) decide que el general Máximo Décimo Meridio (Russell Crowe), un brillante comandante que ha demostrado su lealtad y valentía en innumerables batallas, sea su sucesor. Sin embargo, su decisión enfurece a su ambicioso hijo Cómodo (Joaquin Phoenix), quien, cegado por la envidia y el deseo de poder, asesina a su padre antes de que el anuncio sea oficial. No contento con esto, ordena la ejecución de Máximo y de su familia. Aunque Máximo logra escapar, al regresar a su hogar encuentra a su familia asesinada. Capturado y esclavizado, se convierte en gladiador y, a través de la arena del Coliseo, desafiará al mismísimo emperador.

Ridley Scott nos entrega un filme épico que combina el clasicismo de las antiguas películas de romanos con las técnicas de vanguardia en efectos especiales. La recreación de la Roma antigua es un deleite visual, destacando la majestuosidad del Coliseo, reproducido con un nivel de detalle que transporta al espectador a la época de mayor esplendor del Imperio.

Aunque la historia toma libertades artísticas, incluye personajes históricos como Marco Aurelio y Cómodo, adaptándolos para servir a la narrativa. El resultado es una trama cargada de acción, drama y tensiones políticas. Las escenas de combate son brutales y coreografiadas con maestría, mientras que los momentos más íntimos de los personajes añaden una dimensión emocional que eleva la película por encima de un simple espectáculo de violencia.

Russell Crowe ofrece una interpretación inolvidable como Máximo, encarnando a un héroe trágico lleno de honor y venganza. Por su parte, Joaquin Phoenix da vida a un Cómodo escalofriante, cuya fragilidad emocional y crueldad lo convierten en uno de los villanos más memorables del cine. Phoenix estuvo nominado al Óscar como Mejor Actor de Reparto, y su actuación es tan impactante que en ocasiones roba el protagonismo a Crowe.

La banda sonora, compuesta por Hans Zimmer y Lisa Gerrard, es una obra maestra en sí misma. Temas como Now We Are Free no solo complementan la acción, sino que aportan una carga emocional que permanece con el espectador mucho después de que los créditos hayan terminado.

Gladiator no solo revitalizó el género de péplum, sino que abrió la puerta para futuras producciones como Troya, El reino de los cielos (también dirigida por Scott) y El rey Arturo. Su impacto cultural y cinematográfico sigue vigente, demostrando que el cine épico aún tiene un lugar destacado en el siglo XXI.

En definitiva, Gladiator es un filme imprescindible que combina acción, espectacularidad, una ambientación exquisita, efectos visuales de primera, actuaciones memorables y una banda sonora inolvidable. Es un relato de honor, venganza y redención que sigue resonando con los espectadores de todo el mundo. Una de las mejores películas de todos los tiempos, una obra que sigue deslumbrando y emocionando más de dos décadas después de su estreno.

Frase memorable:
«Me llamo Máximo Décimo Meridio, comandante de los ejércitos del norte, general de las legiones Fénix, leal servidor del verdadero emperador Marco Aurelio, padre de un hijo asesinado, marido de una mujer asesinada, y alcanzaré mi venganza en esta vida o en la otra.»

La entrada Gladiator (Ridley Scott, 2000) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Abordar la vida y trayectoria del mejor dramaturgo de la historia nunca ha resultado tarea fácil para los cineastas. Aún así, hemos tenido buenas muestras de ello a lo largo de la historia del cine. Sin embargo, nunca hasta ahora habíamos visto en la gran pantalla un argumento que pusiera la historia del revés y se hiciera eco de algunas de las teorías que, desde tiempos inmemoriales, han puesto en duda la autoría real de las obras de Shakespeare. Aquél que se atreviera a hacerlo debería tener, además de valentía, un esmerado aprecio por la época isabelina puesto que al presentarnos una historia hipotética, con elementos claramente risibles, tendría que asentarse bien dentro del contexto histórico para que la película no acabara deambulando por los terrenos de una comedia o parodia sin sentido.

Ese es el primer aspecto digno de alabanza en Anonymous. Y eso se consigue gracias al cuidado guión de John Orloff, un escritor norteamericano que llevaba varios años intentando colocar su libreto hasta que entró en contacto con Roland Emmerich. El director alemán, experto en blockbusters y en films de consumo rápido, siempre ha buscado construir una carrera paralela en la que pudiera expresar unos valores diferentes, construidos a partir de una narrativa cinematográfica clásica. El realizador ya había apuntado ese otro carácter como cineasta en El Patriota (2000), un film épico histórico que incluía momentos de gran emotividad en el contexto de la Guerra de la Independencia Americana.

Anonymous es el resultado de la suma de dos grandes voluntades, unidas por el interés en llevar adelante una propuesta arriesgada y quizá irrespetuosa pero que rezuma pasión y entrega en cada uno de sus fotogramas.

No obstante, es preciso dejar constancia de algo que resulta imprescindible hacer antes de ver el film: es necesario despojarse de prejuicios y aceptar que Shakespeare se nos va a mostrar como un paleto iletrado, con más talento para las bufonadas que para la escritura. Si aceptas ese principio, podrás disfrutar de la película pero, si no compras lo que te ofrecen, la sensación final puede ser decepcionante.

Hay que tener en cuenta que Anonymous es un film bien construido y estructurado. Es una pieza de buen cine pero no de historia. Debemos asumir que estamos viendo una propuesta de ficción unida a personajes y situaciones reales. Por tanto, no saldremos de la sala habiendo recibido una lección de historia inglesa. En todo caso, si la película nos satisface, habremos salido con la sensación de haber visto una atrevida cinta que nunca intenta pontificar y que deliberadamente enmarca su acción, desde el inicio, en una obra de teatro que se pone en marcha al mismo tiempo que la narración. De hecho, un siempre brillante Derek Jacobi nos introduce en la obra que vamos a presenciar, estableciendo una curiosa analogía en la que el público de dentro y fuera de la pantalla se une expectante ante el inicio de la representación. Un recurso estilístico innovador y efectista que otorga aún más crédito a la propuesta de Emmerich.

Así pues, tenemos en Anonymous la confirmación de una puesta en escena y un estilo narrativo prometedor y sorprendente en la trayectoria de Roland Emmerich. Apoyado en un reparto de ensueño, repleto de nombres ilustres y jóvenes promesas de la escena británica, el director establece un ritmo continuado, con saltos constantes en el tiempo que tienen la virtud de ofrecernos el background necesario para entender las conspiraciones y tramas que rodean a la corte de Isabel Tudor.

John Orloff eligió construir su guión recogiendo la que parece ser la teoría más verosímil entre aquellos que creen que William Shakespeare fue un señuelo. En concreto, esta hipótesis se centra en la figura de Edward de Vere (1550-1604), Conde de Oxford. Un hombre polifacético y enormemente culto, cuya pasión por la escritura y el teatro le llevaron a crear varias piezas de renombre. Los teóricos de la conspiración ven en él al candidato perfecto puesto que poseía una sólida formación académica y, a la vez, disponía de gran conocimiento sobre la historia de Inglaterra y sus cortes, algo fundamental en la configuración de muchos de los personajes en la obra de Shakespeare.

El galés Rhys Ifans destaca sobremanera en el papel del Conde literato y, a través de él, nos sumergimos en la triste historia de un joven que llegó a amar a una Reina, debiendo asumir posteriormente las consecuencias de esa relación prohibida.

Shakespeare, por su parte, se nos presenta tal como los escépticos creen que era: un campesino que había probado suerte en Londres como actor. Carente de estudios, iletrado, incapaz de albergar una mínima sensibilidad artística… todas ellas características muy habituales en la época. Rafe Spall realiza un buen trabajo recreando una y otra vez las bufonadas del personaje y ahí es donde más debemos dejarnos llevar y no pensar demasiado en quien está interpretando.

La película realiza varios cambios en la línea de los acontecimientos para acomodar mejor lo que quiere transmitir pero sus responsables cuidan al detalle el contexto histórico en cuanto a escenarios, ambientación, y vestuario se refiere. Además, se hace un uso muy interesante del CGI para mostranos unas impresionantes vistas aéreas del Londres del siglo XVI.

Anonymous es una película coral, que narra sucesos en un lapso temporal de cincuenta años, y que consigue hacernos entrar en una época apasionante para presenciar unos hechos que, durante un breve periodo de tiempo, pueden reabrir una polémica latente.

No quiero finalizar el artículo sin hacer una mención especial a la interpretación de la veterana Vanessa Redgrave en el siempre difícil papel de Isabel I. Resulta también un acierto contar con su propia hija, Joely Richardson, para dar vida a la Reina en sus años de juventud y madurez. Madre e hija unidas de nuevo en un terreno que no les es desconocido. Redgrave asumió el papel de Ana Bolena, segunda esposa de Enrique VIII, en Un Hombre de la Eternidad (1966). Joely, por su parte, fue Catalina Parr (sexta y última esposa del Rey Enrique) en la renombrada serie Los Tudor (2010).

La entrada Anonymous (Roland Emmerich, 2011) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Napoleón Bonaparte, un joven militar corso, dejará su isla natal para subir en los escalafones del ejército francés para conseguir la gloria, primero como general, después como político y, finalmente, como Emperador de Francia, estableciendo un nuevo reino surgido de las cenizas de la Revolución y el Terror. Pero como pasa siempre, este ascenso hasta la cima no lo consiguió él solo, ya que contó con la ayuda y el apoyo de su esposa Josefina, una noble que sobrevivió a la Revolución y supo moverse para situarse junto al hombre más importante del momento. Pero como pasa siempre, no todo son rosas, sino que también hay espinas, como la infidelidad, la traición o la derrota, cosas que se pueden dar tanto en los palacios como en los campos de batalla.

Suele suceder con todos los biopics que pretenden retratar toda la vida de un personaje histórico que, por muy larga que sea una peli, siempre se queda corta de tiempo y da la sensación que se salta algún que otro episodio… y esta peli sobre Napoleón no es una excepción. Como es de esperar se salta toda la infancia y la juventud para ir directamente al momento en el que el corso empezó a destacar, el sitio de Tolón, y a partir de ese momento empieza a dar grandes zancadas en la línea temporal, de tal modo que, si no fuera por los textos sobreimpresos, creeríamos que todo sucede en apenas unos meses.

Este podría ser considerado el mayor error, pero es un defecto habitual de estas cintas sobre las vidas de alguien, que a no ser que se retrate solo un episodio, suelen quedarse escasas. Sin embargo, lo que acrecienta este error es la caracterización de Joaquin Phoenix, no por la interpretación del actor, de la que hablaremos más adelante, sino por la imagen que se le ha dado. Entre el nulo uso del rejuvenecimiento digital —por suerte para todos— y del maquillaje, más allá de media arruga, el cambio de peinado y de vestuario, parece que Napoleón siempre tenga la edad que tenía Phoenix durante el rodaje. Algo parecido pero a la inversa sucede con Vanessa Kirby, que siempre parece más joven que Napoleón, a pesar de que Josefina era mayor que el corso.

Regresando a Phoenix y a Napoleón, se tiene que decir que su interpretación es magistral, sobre todo en los momentos claves, sin embargo —y no sé si por decisión del actor o de Ridley Scott—, hay momentos que parece que se le vaya la cabeza. Da la sensación que se pretende humanizar al personaje, alejarlo de la imagen idealizada que ha ido construyendo el imaginario popular, pero, personalmente, me da la impresión que se va demasiado lejos y se le ridiculiza, llegando al extremo de una incoherencia entre la sobriedad y la solemnidad de algunos momentos, con el absurdo y la vergüenza ajena de otros. Entiendo que se aleja de lo que es el “héroe francés”, pero en muchos casos se llega al histriónico Boney el ogro de la prensa británica de aquella época.

De la misma manera, la Josefina de Vanessa Kirby se centra más en el patetismo del drama de la mujer despechada, que en el de la dama fuerte de la corte, que sobrevivió a la Revolución y consiguió, desde bambalinas, que alguien como Napoleón no sólo entrara en la nobleza de la República, sino que también la encabezara como emperador.

Si parece que obvie al resto del reparto, es que no hay ninguno mencionable, ya que la cámara se centra tanto en el binomio Napoleón-Josefina, que incluso cuando se divorcian, siguen copando la cuota de pantalla de manera abismal respecto al resto. En este sentido, podríamos decir que Napoleón es una peli más de despacho y alcoba que de campo de batalla; y no porque las batallas estén mal representadas —ya que Ridley Scott no escatima en gastos para realizarlas, a pesar de algún que otro fallo histórico—, sino porque la trama se articula tanto sobre lo que sucede dentro de los palacios, que lo tiene lugar fuera podría ser obviado.

Aunque parezca que estamos ante una mala película, por los errores históricos y la representación exagerada de los protagonistas, estamos ante una más que aceptable fotografía de quien fue Napoleón; pero —porque siempre hay un pero— adolece del hecho de no sorprender a nadie. Sabemos que Joaquin Phoenix lo hará bien y que Ridley Scott hará otra muesca en su carrera de maestro del cine, pero nada más; una vez la veamos, nos iremos a dormir tan tranquilos y será una peli que recordaremos haber visto, pero que ni fu ni fa. Se dejará ver bien si nos gustan este tipo de pelis históricas, pero no será memorable.

La entrada Napoleón (Ridley Scott, 2023) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

La estela de Salvar al soldado Ryan es muy, muy larga, no solo por la calidad de la peli de Spielberg, que es indiscutible, sino que sentó las bases del cine bélico inspirado en la Segunda Guerra Mundial que se produciría a partir de ese momento. Es decir, no solo fue un punto de inflexión, sino que también estableció el nuevo patrón oro del género. Es por ello que no es de extrañar que todos quisieran reproducir su éxito, sin que ninguno de ellos lo superase… salvo las propias producciones de Spielberg.

Después del éxito de Salvar al Soldado Ryan, el propio Spielberg junto con Tom Hanks produjeron la inigualable serie Hermanos de sangre que crearía escuela a nivel televisivo, siendo de las primeras en demostrar que la pequeña pantalla no era contrario a calidad. Una década después vendría, también de la mano de HBO, The Pacific, y, ahora, casi quince años después de esta, ha llegado a nosotros la cuarta entrega de este particular universo bélico, Los amos del aire.

Tras explorar el día a día de una unidad élite como los paracaidistas y los sufrimientos de los marines en la campaña del pacífico, por tercera vez nos adentramos en la nostalgia y el amor por la épica de los estadounidenses por sus héroes del pasado, centrándonos en los pilotos de bombarderos que desarrollaron sus misiones en los cielos europeos.

Como en las anteriores ocasiones, esta serie, además de contar con la trepidante acción a bordo de los aviones y la tensión que se vivía en estas fortalezas volantes, lo que monopoliza toda la narrativa es el factor humano. Es decir, como las tripulaciones se enfrentaban a las realidades del combate. Desde un despegue relativamente tranquilo, pasando por los fallos mecánicos, los bombarderos antiaéreos y los ataques de los cazas alemanes, hasta las muertes en combate, los aviones derribados, los saltos en paracaídas y los aterrizajes de emergencia. En pocas palabras, lo que realmente conduce la trama, es como estos pilotos, navegantes, artilleros y demás tripulantes superan el hecho de saber que atacaban lugares habitados por civiles como sus familias, saber que un amigo ha sido gravemente herido o ha muerto. Y cómo debían sobreponerse para seguir luchando por el supuesto bien común.

Uno de los principales cambios respecto a las series anteriores, es que el elenco de actores está encabezado por dos caras ya bastante conocidas. En primer lugar está Callum Turner como el Bucky Egan que viene de aparecer en títulos como Emma o la segunda y tercera entrega de Animales fantásticos, Los crímenes de Grindelwald y Los secretos de Dumbledore. A su lado se encuentra Austin Butler en el papel de Buck Cleven, un hombre que últimamente está en todas partes y parece destinado a convertirse en la nueva gran estrella de Hollywood, con títulos a su espalda como Dune: Parte dos, Bikeriders o Elvis. Sin embargo, a pesar de ser los protagonistas y de ser capaces de comerse la pantalla, no lo hacen, y la historia se pluraliza lo suficiente para que todos tengan su momento de gloria, como ocurre con un breve Barry Keoghan, con escaso Ncuti Gatwa o un siempre efectivo secundario como Stephen Campbell Moore.

A pesar del reparto coral, la acción la protagonizan, sobre todo, los pilotos Egan y Cleven, y el navegante Crosby, que ejerce también como narrador. Serán ellos los que vivirán todo lo que hemos dicho anteriormente, cumpliendo su deber en misiones imposibles, llevando de regreso sus aviones e, incluso, luchando desde el interior de los campos de prisioneros en territorio nazi. Esta última, una vertiente interesante y hasta cierto punto novedosa, ya que se nos muestra a estos prisioneros en el campo asignado, como en La gran evasión, pero también en movimiento en los últimos días de la contienda.

Como no podía ser de otro modo, el cuidadoso trabajo de documentación y producción son uno de esta serie, sobre todo cuando son cosas que no se notan, en una ambientación tan perfecta que no pondremos en duda nada de lo que vemos, porque nos lo vamos a creer todo a pies juntillas por lo bien hecho que está.

Salvando algunas diferencias respecto a Hermanos de sangre, creo que Los amos del aire es el punto intermedio entre los combates intensos de Band of Brothers y el drama personal de The Pacific, encontrando el equilibrio entre ambos aspectos y logrando estar, de sobras, a la altura de sus predecesoras, a la vez que añade una pieza más al gran lienzo de historias que fue la Segunda Guerra Mundial.

La entrada Los amos del aire (Apple TV+, 2024) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

A pesar de que The Pacific es conocida por muchos como la segunda parte de Hermanos de Sangre, lo que en ello se nos narra sucedió antes de lo sucedido en Hermanos de Sangre. Los primeros americanos que entraron en guerra no fueron los que lucharon contra los nazis en una guerra sin cuartel por toda Europa, sino el Cuerpo de Marines de los Estados Unidos de América que desembarcaron en las islas del pacífico donde los japoneses —que habían iniciado la guerra con el ataque a Pearl Harbor el 7 de diciembre de 1941— habían creado un imperio que amenazaba a Australia y a los propios Estados Unidos.

Como es imposible narrar la historia de todos y cada uno de los marines que participaron en batallas tan importantes en la Guerra como Guadalcanal, Peleliu o Iwo Jima, la serie se centra en la experiencias de cuatro hombres, Robert Leckie, Eugene Sledge, Sidney Phillips y John Basilone. A través de sus vidas descubrimos como sufrieron los hombres que lucharon en el pacífico, como a pesar de no tener las mismas recompensas que los soldados del teatro europeo, lo dieron todo para luchar por su país. Lo que la serie quiere dejar claro es la dureza de los combates, tanto por las condiciones climáticas —que incluyen sequía, monzones, humedad, barro, enfermedades, y un largo y horrible etcétera— como por los rivales que tenían enfrente. Los japoneses no eran, como los propios protagonistas nos comentan, soldados normales, no se rendían, podían no comer, no beber, no tener armas, pero se mantenían en la primera línea de fuego hasta que la última gota de sangre les saliera del cuerpo. La divinidad imperial y los códigos de conducta japoneses hacían de estos hombres los más duros de pelar de toda la guerra.

Tras el éxito cosechado con Hermanos de Sangre, Steven Spielberg y Tom Hanks dieron por terminada su tarea, pero enseguida vieron que se habían olvidado de hombres que entraron en guerra antes, que estuvieron en guerra durante más tiempo, y que normalmente son olvidados, los Marines. Así que, sin prisa pero sin pausa, junto con un magnífico equipo se pusieron a trabajar en la producción de The Pacific, inspirándose en los relatos autobiográficos de Leckie y Sledge, entre otros, así como en el asesoramiento de Hugh Ambrose, hijo del asesor de Hermanos de Sangre, Stephen Ambrose.

Sin duda alguna, como era de esperar, el éxito de esta cinta estaba asegurado desde que se anunció que se realizaría, pero como también era de suponer, gustó mucho menos que Hermanos de Sangre. Como historiador militar debo decir que la introducción de lo que podríamos llamar “la vida cotidiana del soldado” —como eran antes, que se encuentran durante y después de la guerra— es interesante, pero esta cinta peca de exceso en este sentido. Por otro lado, y como crítico, lo que más me disgusta de la serie es la poca personalidad, es decir, mientras que Hermanos de Sangre veíamos a un grupo de soldados que evolucionaba con la guerra, morían o sobrevivían, pero siempre eran los mismos hombres, en este caso la mitad de la serie está enfocada a un grupo, y la otra mitad a otro, ambos conectados por la amistad de Eugene Sledge y Sidney Phillips. Con los personajes de Hermanos de Sangre vivías las mismas experiencias, te llegabas a sentir identificado, sufrías con ellos, en este caso ves como sufren los marines pero no sientes esa conexión con los personajes, incluso hay algunos personajes que pueden caerte mal o causarte una sensación extraña, identificándolo sus caracteres de forma equivocada.

A pesar de ello, y de no llegar al nivel de su predecesora —algo normal, ya que el nivel de esta serie es tan alto que resulta inalcanzable—, The Pacific mantiene la esencia y el estilo creado por Salvar al soldado Ryan y Hermanos de Sangre, dando lugar a una magnífica tercera entrega. Una serie brillante, que una vez empiezas a ver el primer capítulo no puedes parar hasta que termina, un imprescindible de los seriéfilos y de los amantes del cine bélico.

La entrada The Pacific (HBO, 2010) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

“No fui un héroe, pero serví en una compañía de héroes” — Mayor Richard Winters.

Con esta sencilla pero evocadora frase termina Hermanos de sangre, tal vez una de las mejores series bélicas de carácter histórico que jamás se han realizado, y seguramente, también una de las mejores series de la historia de la televisión. Este es uno de esos casos en que una serie tiene tal producción detrás que si los realizadores hubiesen querido se hubiera convertido en una saga de películas, pero por una vez se buscó complacer al público contando una historia, y no el máximo beneficio.

Justo después de la exitosa Salvar al soldado Ryan, la pareja formada por Steven Spielberg y Tom Hanks, quedaron tan cautivados por los relatos de los veteranos y de las crónicas de los soldados, que sabían que tras esa ficción que contaron había millares de historias que darían para una película. Decidieron centrarse en una, la relatada por el historiador Stephen E. Ambrose en su libro, Hermanos de sangre. Este historiador —asesor de Salvar al soldado Ryan, entre otras muchas películas y documentales— narra en su libro, las vivencias de un grupo de hombres que estuvieron juntos desde que se alistaron en la infantería aerotransportada y se entrenaron en el Campo Toccoa, hasta que vieron como terminaba la guerra desde el Nido del Águila, propiedad de Adolf Hitler. Este grupo de hombres se convirtió en la Compañía E, del 2º Batallón, del 506º Regimiento de Infantería Paracaidista de la 101ª División Aerotransportada del Ejército de los Estados Unidos de América, más conocida como la Compañía Easy, liderados durante casi toda la guerra por Richard Winters, este grupo de hombres se vio en las situaciones más complicadas, como un salto casi imposible sobre Normandía, o el sitio en el Bois Jacques.

Antes de empezar alabar esta serie —porque no se puede hacer otra cosa—, debemos fijarnos en su faceta histórica. La infantería aerotransportada, es decir, las tropas paracaidistas del ejército, no eran soldados de infantería normales, eran hombres extremadamente preparados, un cuerpo de élite, ya que sus misiones acostumbraban a ser de las más difíciles. Durante la Segunda Guerra Mundial, no entraron en combate hasta el Día D, pero no porque tardaran a alistarse, sino porque mientras otros cuerpos, como los Marines, enseguida, y sin apenas instrucción, ya eran enviados al frente, a los paracaidistas se les preparó durante años antes de lanzarlos sobre Normandía. En su primera misión, fueron lanzados tras las líneas enemigas situadas en las costas de Francia, para atacar a los alemanes por la espalda y conseguir establecer una cabeza de puente. Por decirlo de forma simple, eran la avanzadilla, y por lo tanto no eran carne de cañón, sino soldados profundamente experimentados.

Una cosa tenemos que tener clara, esta serie no tiene defectos, ni errores, ni siquiera en el contexto histórico, es una de las series mejor hechas de la historia. Puede que a gente le guste más o menos, o que simplemente no le guste el género bélico, pero la serie, por si sola, no tiene ningún fallo. Al contrario, solo tiene puntos positivos. En este caso como nos enseñan toda la evolución de los personajes, que viven, quienes mueren, por donde pasan, en seguida conectas con ellos, te sientes identificado con unos u otros, pero vives mucho más, compartes con ellos la dureza de la guerra, y sufres por ellos, y tampoco es de extrañar que la primera vez que se vea la serie cuando algún personaje es herido o muere, sufras igual que sus compañeros. A pesar de ello, es decir, a pesar de contarnos todos los detalles de la vida militar de estos hombres, el ritmo no desciende en ningún capítulo, todos son trepidantes, y aunque algunos sean más sentimentales y otros tengan más acción, siempre hay la dosis exacta de cada elemento para que al final de un capítulo no puedas evitar ver el siguiente.

Otro de los motivos por el cual te siente identificado con los personajes mientras vez la serie, es que antes y después de cada capítulo, algunos de los supervivientes de la odisea de Compañía Easy nos cuentan, de primera mano, que sintieron cuando estaban allí, como vivieron los buenos y los malos momentos.

El éxito cosechado por la serie, así como los magníficos resultados de crítica, son gracias a una excelente producción. Tras la serie hay un profundo trabajo de documentación, guion y dirección, así como de rodaje, ya que el rodaje empezó poco después del estreno de Salvar al soldado Ryan. Y sin duda alguna también se debe a un magnífico trabajo interpretativo, cuyo mayor peso recae sobre las espaldas de Damian Lewis, que encarna al Mayor Winters, siendo uno de los protagonistas de la serie, junto a él una mezcla de actores británicos y americanos, como Ron Livingston, Donnie Wahlberg (hermano mayor de Mark Wahlberg), Scott Grimes, Rick Gomez, James Madio, Michael Cudlitz, Dexter Fletcher, Ross McCall, Neal McDonough, Frank John Hughes, Matthew Settle y el asesor militar y especialista Dale Dye, encarnan a los miembros de la Compañía Easy. En la cinta también participan actores, en aquellos momentos casi desconocidos, como las grandes estrellas Michael Fassbender y Tom Hardy, en pequeños papeles muy secundarios. Y es que los actores no solo estudiaron su papel, sino que antes de empezar a rodar, el reparto principal pasó por un campo de entrenamiento, dirigido por Dale Dye —por donde también pasaron los actores de Salvar al soldado Ryan, y por donde pasarían los de The Pacific—, donde durante un par de semanas estuvieron siguiendo una instrucción enfocada a conocer los detalles de como se comportaban los soldados de la Airborne, así como a interiorizar sus papeles en sus diversos roles.

Es normal que, después de todo el esfuerzo, tanto físico como mental, que hubo durante la realización de esta serie —aunque a veces creas que se trate de una superpelícula de más de diez horas—, el resultado fuera tan bueno. En pocas palabras, es simplemente brillante y perfecta.

La entrada Hermanos de sangre (HBO, 2001) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Tras Tenet, que para muchos fue una fumada de Nolan, tenemos una de esas películas que no pasan desapercibidas en la cartelera, y más después de esa lucha de memes con Barbie. Oppenheimer narra la historia de J. Robert Oppenheimer, el científico clave en el desarrollo de la bomba atómica y del proyecto Manhattan. El ascenso y caída del que se considera el «padre de la bomba atómica».

Nolan, odiado por muchos y querido por otros, es conocido por su estilo distintivo y su habilidad para entrelazar narrativas complejas (y de complicar innecesariamente la trama en muchas ocasiones). En esta ocasión, se enfrenta al desafío de adaptar la historia de un personaje histórico real a su molde cinematográfico característico. La película es un intento de Nolan de colocar la figura de Oppenheimer dentro de su propia zona de confort cinematográfica, con todo lo que eso conlleva.

Para el protagonista principal, Nolan no se ha complicado mucho y ha elegido a uno de sus actores fetiche: Cillian Murphy, en su interpretación de Oppenheimer, es perfecto por su capacidad para capturar la complejidad interna del personaje, mostrando su lucha moral y su creciente conciencia sobre las consecuencias de su trabajo. El peso de la película recae completamente sobre él. Aparte del prota, aquí tenemos a un gran número de caras conocidas interpretando a personajes alguno de los cuales bastante conocidos en ese mundillo. Tenemos a Emily Blunt, en su papel de la esposa de Oppenheimer, Matt Damon, Florence Pugh, Jason Clarke, Kenneth Branagh, Casey Affleck y Josh Hartnett entre muchos otros, pero el que destaca más es sin duda Robert Downey Jr. en su papel de Lewis Strauss, ese juicio con Oppenheimer es de lo mejorcito de la película.

Técnicamente, la película es sobresaliente. La cinematografía, la banda sonora y el diseño de producción son de lo mejor que ha hecho Nolan (y eso es mucho decir), creando una atmósfera inmersiva que transporta a los espectadores a la época del Proyecto Manhattan. Eso añadido de que Nolan es fiel a los efectos prácticos y todo lo que se ve, es real, es decir, prácticamente no hay CGI en la película. Incluido el momento de la explosión nuclear de la prueba Trinity, es una explosión real (evidentemente no nuclear). Así todo lo que es a nivel visual, es perfecta. Rodada además en analógico en 70mm de IMAX. Sin embargo, el montaje frenético y el uso excesivo de elipsis hacen que sea difícil para el espectador sumergirse completamente en la historia y conectarse con los personajes, además hay muchos personajes y cuesta acordarse de todos. Por otra parte, el hecho de poner una parte en blanco y negro simplemente es por puro ego directil.

Un aspecto central de la película es su tratamiento de los temas de la moralidad en la ciencia y la tecnología. Aunque estos temas son abordados, a menudo se sienten tratados de manera superficial. La película intenta cubrir un amplio rango de temas y eventos históricos, pero a menudo se queda corta en desarrollarlos completamente, dejando al espectador con muchas preguntas sin respuesta. Esto se ve exacerbado por la estructura narrativa no lineal de Nolan, que, aunque mantiene el interés, puede hacer que la trama sea difícil de seguir.

Mientras que algunos aspectos cruciales de la historia son omitidos o apenas mencionados, otros eventos menos relevantes reciben una atención desproporcionada, como lo de la renovación del pase de seguridad. Esto ha llevado a que algunos críticos cuestionen las decisiones de Nolan en cuanto a qué aspectos de la vida de Oppenheimer y el desarrollo de la bomba atómica merecían ser destacados.

En resumen, Oppenheimer es una película que en general está muy bien pero con peros (nunca mejor dicho). Por un lado, es una obra técnica y visualmente impresionante con actuaciones destacadas. Por otro lado, su estilo narrativo, la falta de profundidad emocional en la representación de sus personajes y eventos históricos, y la elección de qué aspectos de la historia destacar han sido muy discutidos. A pesar de sus defectos, ofrece una mirada intrigante a una figura histórica compleja y a un momento crucial en la historia, invitando a los espectadores a reflexionar sobre las implicaciones morales y éticas de los avances científicos y tecnológicos.

«Ahora me he convertido en la muerte, el destructor de mundos».

Oppenheimer tras la prueba Trinity.

La entrada Oppenheimer (Christopher Nolan, 2023) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Ah, Pearl Harbor, la joya del cine histórico… o debería decir la joya perdida en la batalla de la precisión histórica. Michael Bay, el director de las explosiones, el maestro del exceso, nos trae una película que mezcla amor y guerra en una historia que parece sacada directamente de un culebrón. ¿Dos pilotos guapos y valientes enamorados de la misma mujer? ¡Oh, qué sorpresa tan original!

La trama nos sumerge en un triángulo amoroso mientras el ataque a Pearl Harbor se gesta en segundo plano. Aunque debo admitir que la escena del ataque es espectacular, como era de esperar cuando Bay está detrás de las cámaras. Explosiones por aquí, aviones por allá, una orgía de fuego y destrucción que distrae convenientemente de la falta de veracidad histórica.

Los personajes, aunque interpretados por actores conocidos como Ben Affleck, Josh Hartnett y Kate Beckinsale, quedan atrapados en un guion plano y predecible. La química romántica se siente forzada y poco creíble, dejándonos con la sensación de estar viendo una telenovela melodramática en lugar de una película ambientada en uno de los eventos más trascendentales de la historia moderna.

Y no podían faltar los efectos especiales, el pan de cada día en las películas de Bay. Explosiones exageradas, escenas de acción sobrecargadas y momentos de lucha dignos de una película de ciencia ficción. Todo para satisfacer al público sediento de emociones visuales, mientras la historia se desvanece en el fondo como un barco hundido.

Es una pena que Pearl Harbor sacrifique la precisión histórica por el bien del entretenimiento. Aunque no esperábamos un documental, la falta de respeto a los hechos reales es innegable. Se toma licencias creativas sin pudor, desde la historia de amor aparentemente interminable hasta los eventos que rodean el propio ataque a Pearl Harbor, que se sienten manipulados para generar un mayor drama y dar cabida a la trama romántica. Todo aderezado con esa estética tan patriótica que el propio Bay impregna en sus películas.

La música, aunque nostálgica y apropiada para la época, Hans Zimmer no suele fallar, no puede ocultar el hecho de que la película es simplemente una oportunidad para ganar dinero con una fórmula de éxito seguro. Incluso las canciones clásicas y típicas de la Segunda Guerra Mundial se sienten desplazadas en esta cinta que no parece tener claro si quiere ser un drama romántico o una película bélica.

En resumen, Pearl Harbor es una producción que, si bien puede resultar entretenida para algunos, deja mucho que desear para aquellos que buscan una película históricamente precisa y con una narrativa coherente. El enfoque superficial y sensacionalista que Hollywood adopta en ocasiones para eventos históricos importantes queda reflejado en esta cinta, desperdiciando la oportunidad de rendir homenaje a las personas que perdieron la vida en el ataque. Aunque cuenta con efectos visuales deslumbrantes y visualmente hoy en día sigue teniendo buen aspecto, el romance forzado y el enfoque en el entretenimiento prevalecen sobre la credibilidad del evento. Aun así, es una de esas pelis que se tienen que ver.

La entrada Pearl Harbor (Michael Bay, 2001) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Películas sobre las guerras mundiales se han hecho muchas, pero lo gran mayoría siempre han sido desde el mismo punto de vista, el bando vencedor, el bando aliado. Y más concretamente, Estados Unidos e Inglaterra. De la Segunda Guerra Mundial tenemos algunos ejemplos como Salvar al soldado Ryan, Dunkerque o Greyhound. De la primera tenemos Senderos de Gloria o la más reciente 1917. Pocas veces nos encontramos con films que retraten el otro lado, aunque algunos ejemplos los hay como la miniserie Hijos del Tercer Reich o la que mencionamos aquí: Sin novedad en el frente.

Como es habitual en este género, la peli es una adaptación de una novela, en este caso, del escritor Erich Maria Remarque del cual ya se hizo una película en 1930 y donde el protagonismo se centra en el bando alemán, donde un grupo de amigos, se alistan en el ejercito para combatir creyendo que todo sería un camino de rosas donde la gloria y el éxito les aguardaba. Lo que no sabían es que la guerra les iba a mostrar lo peor del ser humano.

La película me ha sorprendido para bien, no esperaba un producto de tanta calidad salido directamente de una plataforma de streaming, El film tiene todo lo que esperas ver en una película del estilo. Empezando por la ambientación, todo lo relacionado con la estética, ropa, armas, campo de batalla (sin ser un experto) diría que están a un gran nivel. Predominan especialmente las trincheras, donde se pasan la mayor parte y donde la angustia del protagonista queda mejor reflejada. Sin ir más lejos, la primera escena a modo de plano secuencia ya nos muestra que esta peli va a estar al nivel esperado.

Algo que me ha gustado mucho son esas dos realidades entre el campo de batalla con los soldados, el barro, la muerte y por el otro lado los líderes, con sus trajes relucientes en edificios de lujo, buena comida, gestionado la guerra de manera “diplomática”. Una forma clara de ver ambos escenarios: la de los soldados y la de los que mandan.

En cuanto a los protagonistas, es el actor Felix Kammerer en quien recae el peso principal de la trama, la mayoría de situaciones las vemos desde su punto de vista, y lo mejor es que todo se ve de una manera realista y creíble. No son héroes, no matan a ochenta mil enemigos, no hablan de temas trascendentales ni profundos, simplemente son chavales que intentan sobrevivir en una situación extrema. Sus únicas preocupaciones son comer, dormir y si puede ser, vivir. Por otra parte, tiene un final acorde, acaba de la manera que tiene que acabar, de la manera más creíble, teniendo en cuenta que es una guerra.

Sin duda, Sin novedad en el frente ha sido toda una novedad, (perdón por el chiste malo) una peli anti-belicista para recordarnos (por si lo habíamos olvidado) lo cruel y horrible que es la guerra. Comparándola con 1917 quizá no sea tan espectacular, pero sin duda es una peli más que decente que retrata una parte importante de la Primer Guerra Mundial. Además, vista desde el punto de vista alemán, ya que sea de un bando o de otro, no dejan de ser seres humanos enfrentarse entre sí por los delirios de otros.

La entrada Sin novedad en el frente (Edward Berger, 2022) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Neil Marshall escribe y dirige esta historia épica sobre un centurión, Quintus Dias, hijo de un gladiador que sobrevivió para conseguir la libertad, que lucha en tierras britanas contra los bárbaros para expandir el vasto Imperio Romano. Pero la lucha de guerrillas, a la que se ven abocados los soldados romanos, provoca más derrotas que victorias. Después de una fuga, una traición y una terrible emboscada, de la Novena Legión romana solo quedan un pequeño grupo legionarios, liderados por Dias, que se impondrán la misión de salvar de las manos de los bárbaros a su querido general, y más tarde para salvar la vida y volver a casa, creando a partir de aquí una epopeya que recorre los duros paisajes de una Britania muy diferente a la de hoy.

Esta cinta se une a otras muchas que se produjeron antes y después —desde Gladiator a 300— para dar lugar a este péplum moderno, en el que la épica se une con el realismo, mientras se busca la recreación histórica sin caer en lo tedioso. Con una magnífica estética de cómic y una historia muy cercana a peli de Ridley Scott, Centurión resulta ser una agradable cinta de aventuras épico-históricas, con reminiscencias que van desde El Señor de los Anillos —sacando, por ejemplo, mucho provecho de las grandes panorámicas de Escocia, para dar lugar a secuencias parecidas a las de la Comunidad cruzando las montañas nevadas de la Tierra Media—, pero también de cintas de acción como Acorralado o Venganza. Y es que la acción que se genera con el ir de venir de personajes por esos inhóspitos territorios, hace generar una tensión de una historia que si bien sencilla y con bastantes tópicos, nos cautivará.

Además, cuenta con una ambientación bastante más apropiada, y mejor lograda que en pelis ambientadas en la misma época como El Rey Arturo (Antoine Fuqua, 2004), esta se aleja de las «falditas» cortas de los filmes de romanos de los años 50 y 60, consiguiendo un realismo mucho más que necesario en las películas de época histórica. Es decir, los romanos sudan, sangran y luchan hasta el final, casi del mismo modo que sus rivales, los temibles pictos, en lo que es más un choque de culturas, una auténtica guerra, que una lucha entre el bien y el mal.

Como es de esperar, para llevar a cabo una historia en la que el espectador debe empatizar con los personajes, se debe recurrir a actores de talento, para ello, Neil Marshall contó con todo un reparto formado por secundarios de lujos —muchos de ellos procedentes de la televisión británica, al fin y al cabo es una producción franco-inglesa— y por rostros que ahora son muy conocidos, pero que por aquel entonces empezaban a hacerse un sitio en el panorama internacional. Michael Fassbender se convierte en el fiel y duro Quintus Dias —demostrando ese punto de tipo duro que se ganó siendo Stelios en 300— mientras deja ver ese talento interpretativo que hemos descubierto después. A su lado hay nombres como Dominic West como el aguerrido general romano, Olga Kurylenko como la rastreadora picta, Ulrich Thomsen como el temido líder de los pictos, pero también otros como JJ Feild, David Morrissey, Paul Freeman, Liam Cunningham —sí, sí, el Davos de Juego de Tronos—, Noel Clarke y un joven Riz Ahmed.

Con una historia simple pero contundente, un reparto a la altura de la situación y una ambientación perfecta, el resultado es una peli de esas que se dejan ver del tirón, ya que no tiene grandes pretensiones más allá de entretenernos durante la hora y media de metraje. Y es este pequeño detalle, su duración, una de sus virtudes, ya que, si se alargara un poco más, podría carecer del ritmo necesario para atraparnos; algo de lo que padece, por ejemplo, La legión del águila que va por los mismos lares, pero roza las dos horas. Centurión tiene suficiente con esos noventa minutos escasos para atraer nuestra atención, conseguir que conectemos con los personajes y mostrarnos la guerra de guerrillas que predominaba en las conquistas de los romanos fuera del continente europeo; todo ello, sin dejar de ser una cinta acción trepidante que nos entretendrá de principio a fin.

La entrada Centurión (Neil Marshall, 2010) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Como siempre ha sucedido, el cine se ha fijado en la historia de la humanidad para sacar de ella todo tipo de argumentos, y este es un claro ejemplo de ello. Jorge V, rey de Inglaterra, tiene dos hijos, el heredero es un vividor y un filántropo, y el segundo, preparado para las acciones de gobierno, es tartamudo. Tras la muerte del monarca, su heredero, Eduardo VIII, decide casarse con una plebeya norteamericana, hecho que conlleva su abdicación, dejando como rey a su hermano tartamudo, Albert, duque de York, futuro Jorge VI. La acción empieza mucho antes de este hecho histórico, después de probar todo tipo de tratamientos y médicos, Albert y su esposa, Elizabeth, se decantan por Lionel Logue, un terapeuta del habla, con unos extraños métodos, pero que conseguirá que el príncipe hable casi a la perfección.

Con unos diálogos rápidos, concisos y muy ingeniosos, nace una acción, que sin apenas movimientos de cámara —el director prefirió un enfoque estático— consigue que esta sea trepidante y que en ningún momento pierda el ritmo, algo de auténticos genios del cine. A pesar de las numerosas pausas, la película, a nivel técnico, es perfecta, y como dice uno de sus protagonistas: «las pausas dan solemnidad», y, en efecto, así es.

El protagonista, Colin Firth, reconocido actor británico que puede hacer todo tipo de papeles se pone en la piel del futuro rey Jorge VI y lo hace a la perfección, expresa como si fuera propio el sufrimiento de un tartamudo que tiene la obligación y el deber de no serlo, con los enfoques en primer plano de su cara cuando habla con la atenta mirada de los micrófonos —que se convierten en los auténticos villanos de la historia—, hace de estos momentos los más tensos del film. Por otro lado, el peculiar terapeuta Lionel Logue es interpretado por Geoffrey Rush, que entre entrega y entrega de Piratas del Caribe nos demuestra que es un auténtico actor, poniéndose en papeles tan impresionantes como este. Entre ambos actores surge una química que permite que la acción y el diálogo fluya sin interrupciones, que sea limpio, sin pausas forzadas, un movimiento perfecto entre todos los componentes del film, dejando que el espectador disfrute de tal extraordinaria obra de arte.

Helena Bonham Carter interpreta a la que hoy en día recordamos por ser la Reina Madre de Inglaterra, y lo hace con una solemnidad impresionante, siendo una británica sin parangón, y, curiosamente, después ha dado vida a la princesa Margarita, una de sus hijas, y hermana de la actual reina de Inglaterra en la tercera y cuarta temporada de la exitosa serie de Netflix, The Crown. Además de ella, aparecen actores de la talla de Michael Gambon interpretando a Jorge V, y Guy Pearce siendo Eduardo VIII, cuyo parecido con el personaje real es extraordinario.

Con las partes idóneas de drama, comedia y realismo, consigue que el espectador sibarita disfrute en todos sus aspectos, dejándole un magnífico sabor de boca. Esta será, sin duda, una de las películas que pasará a la historia del cine, convirtiéndose en una obra de arte así que pasen los años, dejando a todo su equipo, técnico y artístico, en lo más alto del Hall of Fame del cine. No solo por el talento a la hora de hacerla, sino también por centrar la atención en un elemento tan secundario pero a la vez tan relevante como lo puede ser la tartamudez de uno de los personajes históricos más discretos de la historia de Inglaterra.

La entrada El discurso del rey (Tom Hooper, 2010) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Era una de las películas del año que más ganas tenía de ver, y la verdad es que me ha dejado un poco frío (y no porque sea del norte). Por un lado, tiene cosas muy buenas pero por el otro, no es nada que no se haya visto ya. Es curioso porque con las dos películas anteriores de este director me pasa lo mismo. La Bruja tiene una ambientación y un diseño que te atrapa, pero una trama demasiado sencilla y para ser de terror pues no lo es mucho, aun así es de lo mejorcito del género. El faro también es una muy buena peli, destacando la gran actuación de los dos protagonistas Robert Pattinson y Willem Dafoe (este último magistral) y el gran diseño visual que tiene, pero con un final que intenta aparentar más de lo que es. Y es en esta tercera película suya donde se sigue la misma pauta que las anteriores.

Visualmente es impactante, los escenarios, los planos, todo está muy cuidado. Poco CGI vas a ver aquí. Las escenas de batallas, aunque muy escasas, tienen un ritmo intenso, en especial una que se apoya de un plano-secuencia muy bien rodado (de hecho esta es la única batalla potente que se muestra aquí). Si sumamos a esto una intensa banda sonora acorde a lo que esperas escuchar en una peli del estilo, hacen que esta sea una de esas obras que entra por los ojos. Por supuesto hay violencia, sangre y muchas muertes, algo esperado en una peli así.

Los personajes, por lo general, cumplen sobradamente. Tenemos a actores conocidos como Nicole Kidman, Ethan Hawke o Willem Dafoe (este último un cameo más que otra cosa) y la últimamente muy popular Anya Taylor-Joy, cuyo papel podría haber estado más desarrollado. El protagonista es Amleth interpretado por Alexander Skarsgård y hay que reconocer que da mucho el pego, sobretodo en las primeras escenas donde su físico impone mucho respeto. Luego se corta el pelo y pierde esa imagen del clásico vikingo rudo. Lo malo es que su papel, para ser el protagonista, no ofrece nada fuera de lo común, no llega a ser un personaje lo suficiente carismático como para que sea uno de esos que pase a la historia del cine.

La peor parte se la lleva la historia, que analizándola fríamente es lo de siempre, una historia de venganza típicas del género. Parece ser que esta es la historia que inspiró al Hamlet de Shakespeare y quizá sea así, pero eso no quita que podría haber sido mucho más potente. Tiene un inicio algo atropellado y cuando parece que la cosa mejora, nos deja con una trama ambientada en un escenario muy concreto y se pierde gran parte del ritmo que tenía hasta entonces. Aunque la escena final hay que reconocer que es muy espectacular. Como es habitual en el director, e igual que pasa en sus anteriores obras, mezcla realismo con esas visiones donde se juntan mitología y magia, con visiones o situaciones que no sabes muy bien si son reales o imaginarias.

A pesar de todo esto, no me entendáis mal. La peli me ha gustado y es bastante buena, pero quizá esperaba más. Quizá esperaba la peli de vikingos definitiva y no lo ha sido. De todas formas, merece muchísimo la pena verla y se agradece que de vez en cuando tengamos pelís de este estilo, alejadas de franquicias, remakes, reboots y superhéroes. Siempre da gusto ver obras así.

La entrada El hombre del norte (Robert Eggers, 2022) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

La Primera Guerra Mundial, como uno de los grandes conflictos bélicos contemporáneos que es, ha sido llevada a la gran pantalla en innumerables ocasiones. Los especialistas analizan y estudian películas como El gran desfile (King Vidor, 1925), Sin novedad en el frente (Lewis Milestone, 1930), La gran ilusión (Jean Renoir, 1937) y El sargento York (Howard Hawks, 1941), sin embargo, una de las más destacadas, tanto por historiadores como críticos, siempre ha sido Senderos de gloria (Stanley Kubrick, 1957).

El joven Stanley Kubrick, que solo tenía treinta un años cuando realizó esta película, muestra sus ideas más antibelicistas en esta cinta. Crítica la guerra y las injusticias que se viven, tanto por las misiones suicidas que están obligados a cumplir los soldados, por las ejecuciones para adoctrinar a la tropa, como por las diferencias entre soldados y oficiales. Basada en una novela de Humphrey Cobb de 1935, la historia de esta película fue rechazada por varios estudios norteamericanos debido a su carácter extremadamente crítico y antibelicista, ya que, aun habiéndose acabado el maccarthismo, todavía estaban muy presentes las listas negras. Esta situación obligó al director a rodar la película coproduciéndola con James B. Harris y con el apoyo, tanto económico como profesional, del actor Kirk Douglas, que protagoniza la cinta de manera excepcional.

Francia, 1916 – La guerra está detenida, nadie avanza ni retrocede, y la «tierra de nadie» crece día a día. La Primera Guerra Mundial, la Gran Guerra, iniciada dos años antes ha llegado a un punto muerto, las trincheras están sobrepobladas en condiciones pésimas de salubridad, y los soldados que no mueren intentado conquistar unos metros de tierra, enloquecen esperando el terrible momento de la muerte.

Nos situamos en el bando francés, el general Broulard, un alto cargo del ejército, le pide al general Mireau que conquiste la Colina de las Hormigas, una posición alemana inaccesible, es decir, una misión imposible. A cambio, a pesar de expresarse con sutilezas, recibirá un ascenso, y Mireau, reticente a llevar a cabo una misión como aquella, acaba aceptando sin dudarlo. Como es evidente, un general como Mireau, que vive en un palacete amueblado al estilo de Luís XVI, no puede dirigir la ofensiva personalmente, así que le pasa el encargo a uno de sus mejores hombres, el coronel Dax. Este se niega al principio, pero después se ve obligado a aceptar la misión por miedo a posibles represalias y ser licenciado con deshonor. Pero antes de emprender tan suicida misión, Dax encarga al teniente Roget, un hombre traumado por la guerra y adicto al alcohol, que haga una misión de reconocimiento de la «tierra de nadie». Sin embargo, durante esta misión, Roget pierde los estribos y provoca que uno de sus dos hombres muera, pero el otro, el cabo Paris, lo amenaza con confesarlo todo al coronel, dando lugar a una disputa personal provocada por la tensión que se vivía constantemente en las trincheras.

El intento de conquistar la Colina de las Hormigas empieza, los soldados caen como moscas en el campo de batalla, mientras que batallones enteros no avanzan por el miedo a morir. Mireu, enfurecido por la cobardía de sus hombres, decide abrir fuego sobre sus propias posiciones para que los soldados salgan de las trincheras o mueran en ellas, pero la orden no se llega a cumplir. El ataque resulta ser un auténtico fracaso y los soldados del coronel Dax son acusados de cobardía y traición a la patria. Para castigarlos y para que aprendan la lección, Mireau decide, con el permiso de Broulard, ejecutar a tres soldados, uno de cada batallón, seleccionados arbitrariamente por los responsables correspondientes. A pesar de que se realice un juicio militar secreto y sumario, la sentencia es irrevocable desde un principio, los tres soldados serán fusilados. Sin embargo, hay un hombre que intentará salvarlos, el coronel Dax.

El resultado final es una película con un mensaje claro, no contra los militares, sino contra todas las guerras, como la de Vietnam, que en aquellos momentos era el tema de actualidad en todo el mundo. Con un guion rápido y claro, y una fotografía excelente en blanco y negro, da la sensación de que la cinta se rodara en una auténtica trinchera francesa. Nos muestra el sufrimiento de los soldados, antes, durante y después de cualquier ataque, tan presente en todos los campos de batalla de la Primera Guerra Mundial.

La película está repleta de escenas que han pasado a la historia, como el travelling por las trincheras, una de las escenas de mayor sufrimiento humano de la historia del cine, o el juicio final, en el que se ve cuan injusta puede llegar a ser la justicia.

A pesar de su indiscutible cualidad fílmica, Senderos de gloria fue una película rechazada por muchos países, como en el caso de Francia, donde se prohibió su proyección hasta 1980, más de veinte años después de su realización, y de casi setenta de los hechos que narra.

Algo que queda muy claro al verse esta película son las diferencias entre soldados, oficiales menores y grandes oficiales. Mientras que los primeros viven en condiciones pésimas de salud, con la lluvia constantemente cayendo sobre ellos, embarrados, comiendo mal, etcétera, etcétera; los oficiales residían en palacios y casas aristocráticas de la época de la Monarquía absolutista, con todas las comodidades posibles: comida, bebida, descanso, alguna que otra fiesta o recepción. Dando lugar a una contradicción social, siendo los que más quieren luchar y combatir, los que menos lo hacen.

En la llamada «guerra de trincheras», que dominó casi todos los frentes de la Primera Guerra Mundial, las posiciones no se movían, puede que durante meses solo se avanzara unas decenas de metros, para más tarde volver a retroceder en favor del enemigo. La mayoría de los ataques eran actos suicidas, en los que se intentaba que de entre centenares de soldados, solo unos pocos lograran llegar hasta la posición enemiga, donde la inferioridad de fuerzas los llevaría igualmente a la muerte. Los soldados eran considerados por los oficiales como piezas de ajedrez, sobre todo peones, que se podían sacrificar en favor del triunfo del rey, es decir, los propios oficiales. Este desprecio por la vida de los soldados se puede ver perfectamente cuando el general Mireau hace un recuento de los porcentajes de bajas, bastante optimista, que sufrirá el cuerpo del coronel Dax durante el ataque, mostrando que, para Mireau, los soldados no son más que números y probabilidades, en su caso, de lograr el deseado ascenso.

Por otro lado, tenemos el caso de los adoctrinamientos mediante las ejecuciones, algo que si bien nos puede parecer imposible, incluso contraproducente, era un procedimiento habitual que seguía la siguiente reflexión: si matamos unos cuantos soldados por cobardía, o por cualquier otro tipo de traición, los otros tendrán más miedo de nosotros, sus oficiales, que no del enemigo; de este modo, durante los ataques preferirán salir de las trincheras y morir con honor, que morir fusilados por cobardes en manos de sus propios compañeros. A pesar de esta reflexión, cuya lógica está un poco pasada de vueltas, el resultado que se obtenía no era este, sino que los soldados respondían psicológicamente en negativo, por lo que no conseguían que luchasen con mayor fuerza, sino que quisiesen volver de cualquier forma a casa, algo imposible, provocándoles depresión, estrés, agotamiento físico y mental, y, por lo tanto, a la muerte igualmente.

Ha sido una película muy valorada y criticada a la vez, por ejemplo, Marc Ferro, uno de los pioneros en estudiar las relaciones entre historia y cine, lo destruye, no le niega su valor como película, pero si como el film histórico que quiere ser, tal y como expresa en estas líneas:

«Senderos de gloria es una película que tiene como objetivo complacer a un determinado público, y este público es bastante, y posiblemente hay verdad en este film, porque todos los pequeños hechos que explica Stanley Kubrick son auténticos: el general ha existido y el coronel también, y todos […]. Pero no fue todo junto ni en el mismo lugar; en nombre de la unidad de espacio y tiempo y de dramatización se ha hecho un film histórico que es falso. Y aquí llegamos a un punto crucial de la cuestión, porque el film como la novela y como cualquier medio de expresión tiene sus reglas, y estas reglas no siempre coinciden con la naturaleza histórica de los fenómenos.» (Ferro, M. «Perspectivas en torno a las relaciones Historia-Cine», en Film-Historia, vol. I, nº1, 1991, p.8.).

Como hemos visto, Senderos de gloria, además de ser una gran película, en la que la realidad humana de la Gran Guerra sale a relucir más allá de los grandes militares y estrategas, a pesar de tratarse de una ficción. Volviendo al principio, existe una larga lista de películas que nos retratan las diferentes facetas de conflicto armado, si bien al principio hemos mencionado las que los «especialistas» más valoran, ahora, y para terminar, os ofrezco unas pequeñas recomendaciones para aquellos que quieran seguir descubriendo la Primera Guerra Mundial sin tener que abrir un libro de historia:

—Lawrence de Arabia (David Lean, 1962). Arabia, 1916 – La vida de T. E. Lawrence durante el conflicto entre les tribus árabes y Turquía.

—Gallipoli (Peter Weir, 1981). Turquía, 1915 – Soldados australianos voluntarios durante la batalla de Gallipoli.

—Capitán Conan (Bertrand Tavernier, 1996). Frente Oriental, 1918 – Soldados franceses renegados al final de la guerra.

—Largo domingo de noviazgo (Jean-Pierre Jeunet, 2004). Posguerra a França – Doble hilo argumental entre el París de posguerra y la vida en la trinchera.

La entrada Senderos de gloria en la Primera Guerra Mundial se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

En agosto de 1519, 239 marineros partieron desde Sevilla rumbo a las Indias a bordo de 5 navíos. Tres años más tarde, solo 18 marineros famélicos y enfermos regresaron en la única nave que resistió el viaje, la Victoria. Lograron su objetivo y a la vez cambiaron el mundo. Ya que estos hombres fueron los primeros en circunnavegar el mundo, una hazaña que en aquellos tiempos se consideraba imposible. Este hito se le conoce como la Expedición de Magallanes-Elcano.

Con motivo del quinto centenario del evento histórico. Sin límites es la última producción que rememora estos hechos, en esta ocasión, tenemos una miniserie de seis capítulos dirigida por Simon West y coproducida por Amazon y RTVE. La historia narra desde el momento en el que Fernando de Magallanes solicita permiso al rey de Portugal hasta que, tres años después, Juan Sebastian Elcano llega al puerto de Sanlúcar de Barrameda.

Se le ha dado mucho bombo a la serie ya que no deja de ser una producción importante en España -además de las polémicas de siempre de intentar politizarlo todo-. A parte de esto, cuenta con dos actores bastante conocidos como protagonistas principales. Rodrigo Santoro y Alvaro Morte como Magallanes y Elcano respectivamente. Al primero, lo conocimos por ser el rey Jerjes en 300, y al segundo por ser el Profesor en La casa de papel. La serie le da mucho protagonismo a los dos, dejando muy de lado al resto de personajes, además los muestra como si fueran héroes, me explico, parecen personajes de la típica peli americana de protagonista bueno salvando al mundo, nobles, heroicos, inquebrantables. Hasta en los momentos de acción pelean como se pelean en esas pelis, donde el prota se carga a unos cuantos como si nada. En ese aspecto tiene un estilo demasiado yanqui, demasiado falso. En cuanto al resto de personajes, todos quedan muy relegados y solo te vas a acordar de tres o cuatro, no hay ninguno que les haga sombra a estos dos.

En cuanto a la historia, cogen muchos echos reales mezclados con lo que podría haber pasado. Pero a veces parece que van muy rápido o hay escenas que tienen pinta de estar recortadas. Se olvidan de explicarnos cosas y para los que no conozcan la historia, les puede costar orientarse. Por lo general, los hechos principales están bastante bien tratados, no soy un experto historiador de la materia, pero lo que uno conoce queda plasmado.

Quizá la parte más complicada de crear este tipo de series es la parte visual. En general cumple pero a pesar de tener un límite presupuestario bastante decente -unos cinco millones por capítulo- no lo parece. En especial las escenas a bordo de los barcos, se nota mucho que es un decorado. El mar siempre difuminado o con niebla y una iluminación muy artificial. No da la sensación de que estén en medio del océano. En cuanto a los escenarios abiertos, aquí si que queda mucho mejor aunque quizá las falte más variedad.

En general, Sin límites es una más que decente miniserie que narra un hecho muy importante en la historia de la humanidad, aunque me esperaba más ambición en cuanto a producción y personajes, porque si la tengo que comparar con Conquistadores: Adventvm, esta última recrea mucho mejor y de una manera más realista la proeza que hicieron estos hombres.

La entrada Sin límites (Amazon Prime, 2022) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

El 12 de Octubre de 1492 Cristóbal Colon y su tripulación llegaron a unas tierras nunca antes pisadas por los europeos, o como se dice también, por los cristianos. Pero lo que Colon creía que eran las Indias, para el resto de su tripulación era un nuevo mundo, un mundo por descubrir lleno de riquezas, o al menos eso creían.

Conquistadores Adventum nos narra los primeros treinta años desde la llegada de Colon al nuevo mundo. Una historia de unos pobres hombres que sin saberlo iban a formar parte de la historia de la humanidad. Como es evidente, vamos a encontrarnos nombres muy conocidos por todos y que marcaron época, algunos pasaran muy por encima, como Hernán Cortés o Francisco Pizarro y otros la historia se va a centrar más en ellos, como el propio Colon, Juan De La Cosa, Alonso de Ojeda, Vasco Nuñez de Balboa, Fernando de Magallanes o Juan Sebastian Elcano. Sí, también vamos a ver en pantalla la primera circunnavegación por mar. Muchas cosas que mostrar en tan solo ocho episodios, es por ello que la trama va bastante rápida y continuamente tendremos saltos de tiempo. Esto hace que muchas situaciones importantes pasen por alto o no se desarrollen del todo bien. Ayuda bastante el narrador, una voz en off que de vez en cuando nos va aclarando la situación y otras veces se inventa lo que podría haber sucedido, como curiosidad, la voz es del actor de doblaje Jordi Brau, conocido por doblar a Nicolas Cage o Tom Cruise entre otros. De todas formas en general, la serie tiene una factura técnica impecable, es increíble que siendo una serie española con un presupuesto seguramente bajo, comparado con las grandes producciones inglesas o americanas, no tenga nada que envidiarle a estas. Los escenarios, la ropa, la caracterización de los personajes están a muy buen nivel, no se les puede criticar. Aunque si que hay una parte que chirría, y es que cuando hay escenas de acción, como peleas o luchas con espada, las acciones son bastante flojas, no queda realista, con movimientos lentos y poco contundentes, imagino que este es uno de los ejemplos cuando no se puede gozar de una producción de tanto nivel. Pero quitando eso, el resto cumple sobradamente. Es una serie muy interesante de visionar por su vertiente histórica, y este es otro de sus puntos polémicos, y es que la sombra de la leyenda negra de España es muy alargada, unos dirán que lo fomentan más, otros que lo intentan blanquear, otros que se inventan muchas cosas, sea como fuere y aunque el rigor histórico no sea cien por cien real, la serie posiblemente sea una de las mejores series españolas de la historia. Ojalá una segunda temporada con la conquista de Cortés o Pizarro, sería algo increíble.

En general, la serie está por encima de lo acostumbrado para una serie española, es una lástima el poco ruido que ha tenido por lo que ha pasado muy desapercibida por el público, una pena porque historia hay para hacer unas cuantas temporadas.

La entrada Conquistadores: Adventvm (Movistar+, 2017) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

El coronavirus ha afectado a todos los sectores, y evidentemente el cine no iba a ser menos, ya hemos visto como se retrasaban los estrenos más esperados del año como la de James Bond o la Tenet de Nolan, así que este pinta ser un año muy flojo en el sector. Pero hay alternativa, y es que las plataformas de streaming están en su mejor momento. Y gracias a esto ya podemos disfrutar de la ultima de Tom Hanks, y no, no está en Netflix ni Amazon, esta el Apple TV+.

Cuando se anunció apuntaba a peliculón, una peli ambientada en la segunda guerra mundial, basada en hechos reales -como no podía ser de otra manera- un escenario poco visto, la guerra en ultramar entre los submarinos Alemanes U-boat y los convoys de ayuda que Estados Unidos enviaba hacia Gran Bretaña. Al frente, el Comandante Ernest Krause (Tom Hanks) es destinado al mando del destructor USS Keeling con el nombre en código Greyhound. A su cargo también cuenta con dos destructores británicos que le ayudan en la escolta de 37 barcos mercantes con destino a Liverpool. Una lucha desigual contra un enemigo que ataca en manada.

A priori tiene buena pinta y lo primero que llama la atención es su corta duración, ¿solo hora y media para una película bélica? Algo raro al principio, pero cuando vemos como está desarrollada enseguida se entiende, y es que la peli es un no parar. Quitando los primeros minutos de presentación, la cinta nos sumerge en una acción y tensión constante. Prácticamente no hay descanso y vemos la agotadora lucha que los aliados sufrían al enfrentarse a esos submarinos prácticamente indetectables. Por que sí, una vez mas lo vemos todos desde la perspectiva aliada, de hecho lo vemos todos desde los ojos del comandante Ernest Krause, siendo este el único y principal protagonista. Así que ya podemos ver que va ser una peli cargada de heroísmo yankee, algo que por otra parte ya estamos acostumbrados últimamente en el cine, de este modo no vamos a ver nada del otro bando y por supuesto eso hace que los veamos como los malos malisimos y no podamos simpatizar con ellos. Para un papel así que mejor que contar con uno de los mejores actores de Hollywood, Tom Hanks es Tom Hanks y hay que reconocer que este tío sabe de sobras como actuar. Él solo carga con todo el peso y dramatismo de la película, lejos de ser uno de sus mejores papeles el hombre lo clava como siempre. Pero el hecho de que se centre exclusivamente en Tom Hanks hace por ejemplo que el resto de personajes pasen muy desapercibidos, quitando a Stephen Graham que lo ves un poco más, el resto ni los recuerdas, pasan muy por encima. Lo mismo pasa con la acción, en general está muy bien y a nivel visual cumple, pero queda todo muy en segundo plano.

Al final la peli está bien pero tampoco es nada del otro mundo, es muy superficial, me esperaba algo mucho mejor, una especie de Master and Commander pero de la Segunda Guerra Mundial, esto hubiera sido algo genial, pero no se le acerca, tampoco se puede comparar con Dunkerque ni a nivel de tensión ni suspense. De todas formas merece la pena verla, sobretodo si te gusta el género.

La entrada Greyhound: Enemigos bajo el mar (Aaron Schneider, 2020) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Durante la Primera Guerra Mundial, cuando el frente se ha frenado por la más que conocida guerra de trincheras, dos soldados del ejército británico deben cruzar las líneas enemigas para llevar un mensaje a un batallón que está a punto de caer en un trampa trazada por los enemigos, los alemanes.

Hasta aquí se podría considerar que 1917 no es más que la enésima revisión de las películas bélicas, sin embargo el argumento, aunque notable, no es el eje principal sobre el que se articula la presente película, sino que es el montaje. La clave de esta película reside en el hecho de que toda ella se ha rodado en un solo plano secuencia y la acción transcurre en tiempo real. Solo con un corte temporal cuando el protagonista —con el que compartimos todas sus desgracias y percances, casi como si estuviéramos dentro de una novela narrada en primera persona— pierde el conocimiento, todo lo que sucede lo hace sin lapsos ni nada que nos pueda hacer dudar de que todo se ha filmado tal cual ha ido ocurriendo. Sin embargo, como es de suponer, llevar a cabo algo así sería imposible, por lo que en seguida nos daremos cuenta de que, aunque muy bien montado —ya que el trabajo de edición es magistral e imprescindible—, estamos ante un falso plano secuencia único. Es cierto que se han rodado largas tomas y todo se ha orquestado para que diera la impresión de que todo sucedía sin cortes, de un modo muy parecido a cómo lo hicieron un par de escenas de acción en las películas de Kingsman. Pero no todo reside en la labor realizada en la sala de montaje, sino que, previamente, existe un trabajo de coreografía y de planificación del rodaje importantísimo, ya que desde un punto de vista técnico se tenía que saber en todo momento por dónde pasarían los actores y la acción, para que las cámaras pudieran seguirlos sin problemas… e, incluso así, seguro que supuso todo un reto mover a centenares de extras al ritmo que se rodaba para dar la impresión de que detrás de la acción principal, también ocurrían cosas, para hacernos comprender de que 1917 solo es una de las miles de historias que tuvieron lugar durante la Primera Guerra Mundial.

Es por este motivo que en esta película el mérito de su éxito y de su genialidad no recae tanto en los actores y en su trabajo —impecable y realista si cabe mencionarlo—, sino en una laboriosa dirección que ha puesto toda la carne en el asador para ofrecernos una de las mejores películas de los últimos años. Del mismo modo que hiciera Spielberg con Salvar al soldado Ryan o Nolan con Dunkerque, Sam Mendes ha sacado provecho del género bélico para poner todos los recursos técnicos a su alcance para contar una historia épica a la altura de la que realmente tuvieron lugar, por algo esta película se basa, en origen, en las historias del abuelo de Mendes. Después de hacernos estallar la cabeza con una de las secuencias iniciales más espectaculares de la saga Bond en el Día de los Muertos de Spectre; en esta ocasión, Mendes recurre al mismo estilo de secuencia única para traernos una historia de esas que nos erizará la piel y nos hará ponernos nerviosos por saber si el cabo Schofield logrará cumplir en su misión. Como decíamos, aquí no hay egos por parte del reparto, si bien toda la acción recae en el personaje de George MacKay, un personaje sufrido pero discreto, uno con el que nosotros, el público, podamos empatizar y sentirnos en su piel; Mendes ha conseguido que un buen número de estrellas se presten a hacer pequeños papeles entre las decenas de personajes que hay en la cinta, así, por ejemplo, encontramos a Colin Firth, Andrew Scott, Mark Strong, Benedict Cumberbatch y Richard Madden que apenas salen unos minutos pero que, sin esfuerzo, logran comerse la pantalla dejándonos con ganas de más… pero no, y ahí reside la gracia.

1917 no es una película con nombres propios, no es una película grandilocuente —pero sí espectacular—, sino que es un testimonio más en este nuevo cine bélico que estamos teniendo en las últimas décadas, en las que se dejan a un lado los grandes movimientos de tropas, para centrarnos en pequeñas historias —la mayoría epopeyas a escala personal—, y dejar un retrato lo más cercano posible a la realidad histórica.

La faceta épica de 1917 tan bien pensada y llevada a cabo por Sam Mendes y su equipo, no reside tanto en la historia —de base bastante simple— sino en cómo se ha llevado a cabo; porque, aunque en pantalla a veces cueste de ver, detrás hay un trabajo titánico para que todas las piezas de esta locura —porque no se puede describir de otra manera— encajen y nos ofrezca un maravilloso espectáculo.

La entrada 1917 (Sam Mendes, 2019) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

El 26 de abril de 1986 el reactor número cuatro de la central nuclear de Chernóbil explotó por los aires liberando una cantidad enorme de material radioactivo. Este incidente fue catalogado como uno de los peores desastres medioambientales de la historia. La historia la conocemos todos. Las ciudades cercanas fueron desalojadas y muchas personas murieron, ya sea por la exposición directa a la radiación o por las secuelas que esta genera.

Pues bien, tras el cierre de Juego de Tronos parecía que ya podíamos cancelar la subscriptor de HBO hasta nuevo aviso, pero antes de que pudiéramos darnos de baja del servicio nos sueltan esta interesante miniserie. Y es que Chernobyl a sorprendido a todo el mundo, las críticas han sido unánimes y se ha convertido enseguida en una serie popular de la que todo el mundo habla. Así que vamos a ver que tiene de especial.

Como ya he dicho la historia la conocemos todos, pero realmente no sabemos lo que pasó. Ahora tendremos la oportunidad de ver como se ocasionó el accidente y como reaccionaron las personas involucradas, y aquí es donde tenemos uno de los puntos fuertes de la serie. El reparto está muy bien logrado, los protagonistas son creíbles, se desenvuelven bien y todo lo hacen de una manera natural y realista. La serie se basa en un hecho real y del mismo modo los actores interpretan a las personas que estuvieron allí, centrándose sobretodo en el científico Valery Legasov (Jared Harris) y el ministro Boris Shcherbina (Stellan Skarsgård) que fueron los encargados de supervisar el desastre de Chernóbil, pero también tendremos a otros como Anatoly Dyatlov (Paul Ritter) el responsable de turno que realizó las pruebas que ocasionaron el accidente o Ulana Khomyuk (Emily Watson) una científica que investigó el desastre llegando a descubrir el motivo de por qué falló, este personaje sin embargo es una invención de la serie y sirve para aglutinar a todos los científicos e investigadores que estuvieran detrás del incidente. De esta manera la serie se toma alguna que otra libertad narrativa, aunque eso no quita que la serie está muy trabajada en cuanto a realismo y rigurosidad histórica. Y este es el otro gran punto de la serie, la narración y el ritmo están muy bien cuidados durante todo el capítulo.

La serie es dura, en ocasiones angustiosa y cruel, pero necesaria por un hecho así. La serie transmite el horror que se tuvo que vivir allí, todo eso unido a una estética fría y sobria típica de cuando se recrea a la época soviética -no olvidemos que la serie es americana, ejem- aunque hay que reconocer que no se politiza mucho ni se deja en ridículo a la antigua URSS, la serie se centra sobretodo en las personajes que intentaron evitar un desastre peor y deja a un lado las rivalidades ideológicas, aunque obviamente se tomaron muchas malas decisiones en el proceso y el gobierno intentó ocultarlo. La duración de la serie son simplemente cinco capítulos que no llegan a una hora cada uno, por lo que se te va hacer corta si o si. La serie dura lo justo y necesario, lo suficiente para mostrarnos todo lo ocurrido mas o menos en un periodo de dos años desde que ocurre el desastre. Aunque no está todo lo que pasó si vemos lo más importante, también hay que decir que los tres primeros capítulos tienen mejor ritmo que los dos últimos, estos son menos impactantes y con alguna que otra escena más larga de la cuenta, pero esto no empaña al resultado final.

Sin duda Chernobyl ha sido la sorpresa del año, dudo mucho que haya otra que pueda hacerle bajar del pedestal, cierto es que es una miniserie y que solo tiene cinco capítulos (y no sería justo compararla con otras que tengan varias temporadas) pero lo que hace lo hace bien, de hecho lo hace muy bien. Series así dan gusto verlas, además te permiten investigar más sobre lo ocurrido haciendo que sientas curiosidad y aprendas más sobre el tema, de hecho yo tras verla me he convertido en un experto en energía nuclear. Vale no, pero al menos sé para que sirve el botón AZ5.

La entrada Chernobyl (HBO, 2019) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Con First Man (El primer hombre) regresamos a la guerra fría y en especial a esa lucha que mantuvieron la URSS y Estados Unidos por ser los primeros en la carrera espacial. La Unión Soviética se había adelantado lanzando el Sputnik 1 en 1957, el primer satélite artificial de la historia. Por si no fuera suficiente, en 1961 el cosmonauta soviético Yuri Gagarin se convirtió en el primer ser humano en viajar al espacio exterior. Ante tales acontecimientos, Estados Unidos se había quedado en el segundo lugar en esa guerra espacial y evidentemente no se podían permitir quedar humillados de esa forma. Por ello en la década de los sesenta se desarrollaron los programas Gemini y Apolo que servirían para enviar a un hombre a la luna, una hazaña que les serviría para ganar esa lucha que tenían con los soviéticos.

La película se centra exclusivamente en la vida de Neil Armstrong, desde su vuelo en el X-15 hasta su llegada a la luna, un periodo comprendido entre los años 1961 y 1969. Lo primero que llama la atención de la película es la mezcla entre los momentos en los que pasa con su familia y los que transcurren en sus pruebas de lanzamiento y demás. Dos ritmos completamente distintos, es por ello que la peli tiene unos altibajos que puede que a más de uno no le terminen de encajar. Las escenas de su vida cotidiana son lentas, con planos largos y ritmos pausados que en general no llaman la atención, tampoco ayuda el propio carácter de Armstrong, una persona reservada y poco emotiva la cual hace que difícilmente podamos empatizar. Ryan Gosling es quien se encarga de interpretarlo y como ya os imagináis su capacidad interpretativa es mas bien limitada, aunque en esta ocasión no sabes más si es por Gosling o por el propio personaje que interpreta, no es que Gosling sea mal actor pero está claro que es fácilmente encasillable, claro que aquí el papel le va como anillo al dedo.

Por otro lado tenemos los momentos de pruebas y lanzamiento de cohetes que hacen que el ritmo se dispare. Es cierto que algunas escenas son demasiado mareantes con esos cambios de plano pero también se muestran frenéticas y con ritmo. Estas partes son sin duda lo mejor de la película y nos recuerdan a otras del estilo como Gravity o Interstellar. La emoción va in crescento hasta el punto álgido de la película, el momento que todos esperábamos, el lanzamiento del Saturno V que llevaría a tres hombres a la luna. El desarrollo es muy bueno aunque no llega a tener ese momento épico que a lo mejor le correspondería a esa hazaña, no llega a ser heroica. De hecho lejos de lo que se podría considerar en un principio, el film no tiene ese sentimiento tan patriótico que hemos visto en otras películas del estilo, algo que sorprende para bien. Si esta película la hubiera dirigido Michael Bay o Roland Emmerich tendríamos banderitas americanas por todas partes, pero el director Damien Chazelle (conocido por La La Land y Whiplash) ha sabido alejarse del patriotismo barato y nos ha mostrado la carrera espacial desde un angulo completamente distinto.

En definitiva, First Man es una de las mejores películas estrenadas de este año pero que no llega alcanzar la calidad y la epicidad que se esperaban, un drama biográfico que se centra más en el hombre que en su hazaña, aun así merece la pena verla.

La entrada First Man (Damien Chazelle, 2018) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Ante las preguntas: ¿Se puede hacer historia con el cine de ficción? ¿Podemos ver el pasado a través de las imágenes creadas en la actualidad? La respuesta más acertada sería, como poco, dubitativa, siendo un «sí pero no», o con un «no pero sí».

Al responder con esta doble ambigüedad del «sí pero no» y el «no pero sí», nos referimos a uno de los dos principales obstáculos con los que choca el historiador cuando pretende utilizar el cine como una fuente histórica única y sin apoyo de ninguna otra: la veracidad. Sin duda se podrían utilizar muchas de las películas pertenecientes al género histórico; ahora bien, si creyésemos a pies juntillas lo que en ellas se explica y representa estaríamos cometiendo un error de base, ya que si la película escogida no sigue los hechos históricos correctamente, aquello en lo que basaríamos nuestros estudios resultaría erróneo. Para solventar dicho problema, deberíamos contrastar la película o películas con fuentes «autorizadas» en la materia, por lo que ya no sería un «sí» rotundo, ya que dependería de otras fuentes que le aportaran validez histórica. De la misma manera, que al responder con un «no», también podríamos admitir que el cine de ficción puede ser utilizado como una fuente secundaria para el análisis del pasado.

Respondiendo de esta forma puede parecer que es imposible que la relación entre el cine y las fuentes históricas tradicionales vaya más allá del mero recurso didáctico; sin embargo, no es así. Si alguien quiere utilizar el cine de ficción como fuente histórica, inevitablemente antes deberá contrastar lo que en él se narra con la realidad, para poder distinguir qué puede ser considerado historia y qué ficción. Este hecho, que podría negar la base de Una historia de película, a la vez demuestra que no es así, ya que a partir del momento en que se haga una sola contrastación de aquella película y se demuestre su validez histórica y su utilidad como fuente, ya es posible aceptar que aquella película funciona, por sí misma, como recurso histórico válido. Bien es cierto que a posteriori se pueden hacer otras interpretaciones, validaciones o, incluso, negaciones de la película en cuestión; pero, ¿no sucede lo mismo con las fuentes escritas tradicionales?

El cine […] nos permite volver de alguna manera a empezar desde cero, a tomar conciencia de que jamás podemos conocer realmente el pasado, sino que solo podemos jugar constantemente con los vestigios que ha dejado tras de sí, volver a configurarlos y tratar de darles sentido.
Robert A. Rosenstone
La Historia en el Cine. El Cine sobre Historia

La Historia, como ciencia basada en la interpretación de unas fuentes, que pocas veces son completamente objetivas, está siempre en constante evolución y reinterpretación, por lo que de facto no hay nada cien por cien establecido. Bien es cierto que, en muchas ocasiones, existen ciertos elementos aceptados por todos que nos permiten estudiar la Historia, pero, al fin y al cabo, estos no son más que derivados del imaginario y del necesario convencionalismo para homogeneizar esta ciencia. Por ello, a pesar de que el medio es completamente diferente a lo que se ha considerado tradicionalmente historia con mayúsculas, el cine se nutre de estos ya que, aún que no esté aceptado de forma mayoritaria, se basa en hechos, momentos y movimientos reales del pasado, al igual que la historia impresa.

Como ya hemos comentado, el principal inconveniente que los historiadores tradicionalistas encuentran en el cine como fuente histórica es la poca veracidad histórica que tiene como tal. Por muchos motivos el cine de género histórico, ambientado en la época que sea, parece carecer de la impronta de realismo histórico que poseen las grandes monografías y ensayos históricos, sobre todo por partir de un medio que, en un origen, no era más que un espectáculo. Al ser así, es inevitable creer que llegados a un punto en el que se tenga que elegir entre la fidelidad histórica y la espectacularidad del film, los realizadores se decantarán por lo segundo, y, probablemente, sea así.

Sin embargo, ¿no se podrían considerar «espectáculo carente de realismo histórico» algunas de las fuentes que se utilizan hoy en día para cimentar los estudios históricos? Gacetas, panfletos, documentos emitidos por unos u otros gobiernos, y un largo etcétera. De acuerdo, el medio utilizado era otro, pero en realidad se quería poner encima de todo una ficción que, en la mayoría de los casos, difería bastante de la realidad acontecida. Eran estas informaciones las que conformaban la imagen que la gente tenía de los grandes acontecimientos históricos que tenían lugar a miles de quilómetros de ellos. Y es por este motivo que el cine debe ser tenido en cuenta como fuente histórica, ya que a diferencia de los grandes estudios de historia, son las películas y las miniseries, estén basados en hechos reales o ficticios, en obras literarias o en cualquier otra fuente, las principales vías a través de las cuales la mayor parte de la gente conoce y entiende los acontecimientos y las personas que conforman la historia.

Para despertar cualquier tipo de interés es necesario que el tema abordado sea, por así decirlo, traducido […] a los modos de lenguaje de la época.
Robert A. Rosenstone
La Historia en el Cine. El Cine sobre Historia

Este lenguaje ha evolucionado a lo largo de la historia, antes hemos mencionado las gacetas, equivalentes a nuestros periódicos; pero, según la época, la historia se ha pasado de unos a otros de muchas y diversas formas. Además de la historia escrita, que ha creado una versión más lineal y científica de la historia, podríamos hablar de la historia oral que, durante siglos, fue una de las pocas formas de transmisión de conocimientos, no solo históricos, sino de toda índole. Sin embargo, esta situación aparentemente estática de cómo transmitir la historia que ha establecido la historia escrita está cambiando gracias al cine. Este medio cambia las reglas del juego y genera su propio tipo de verdad, para poder abordar el cine desde perspectivas completamente nuevas.

El cine crea un pasado que tiene varios niveles y que tiene tan poco que ver con el lenguaje escrito o hablado que resulta difícil describirlo adecuadamente con palabras. El mundo histórico que crea el cine es potencialmente mucho más complejo que el texto escrito.
Robert A. Rosenstone
La Historia en el Cine. El Cine sobre Historia

Según estas palabras de Rosenstone, mientras vemos una película no solo estamos viendo imágenes, sino que además vemos el movimiento de estas, escuchamos las voces de los protagonistas o las músicas de la banda sonora, incluso podemos llegar a leer palabras. Todos estos elementos, que descritos de esta forma podrían no encajar, se unen para crear un nuevo significado tan diferente al de la historia escrita, como el que ésta generó frente al de la historia oral.

Tan diferentes que permiten plantear hipótesis de que los medios visuales pueden representar un cambio importante en la conciencia de cómo reflexionamos sobre nuestro pasado.
Robert A. Rosenstone
La Historia en el Cine. El Cine sobre Historia

Hoy en día, la inspiración de la imagen, del film, reescrito en la gran pantalla y la televisión, toma el relevo a las formas escritas, tiende a sustituirlas, apoyado por el poder de los medios de comunicación.
Marc Ferro

Retomando la idea del cine de ficción como fuente histórica, debemos tener en cuenta que si bien, como ya hemos anunciado, es un medio más complejo que otros para llegar al espectador, también lo es por la información que transmite. La historia escrita, debido al soporte, es completamente lineal, la división por capítulos según la temática que se quiera contar implica que si por un lado puede ofrecer mayor detalle en dicha información, por el otro no lo hace como una visión de conjunto, ya que inevitablemente trata la historia como compartimentos estancos. Sin embargo el cine, si bien muchas veces no puede profundizar en ciertos detalles por cuestiones técnicas y de duración de las películas, nos muestra una realidad formada por múltiples facetas que interactúan entre ellas dando lugar a una realidad mucho más completa que la de la historia escrita. En una misma imagen podemos ver como cuestiones políticas, económicas, sociales, bélicas o de cualquier índole van conformando una realidad histórica permitiendo al espectador tener una visión de conjunto mucho más amplia a la vez que más clara.

De la misma manera, en la historia de papel en muchas ocasiones el «punto y a parte» obligado al final de los capítulos implica una división de lo que se está contando; mientras que el cine puede mostrarse como es la historia en realidad, un proceso. Como se repite en las clases de las facultades de historia, no se pasó, por ejemplo, de la edad moderna a la contemporánea de la noche a la mañana, sino que tanto antes como después de la fecha que marca cualquier separador temporal, hubo una serie de cuestiones que llevaron a cambiar la forma de ver y vivir ese presente. En este sentido, a diferencia de la historia escrita que marca mucho más las divisiones con claros fines analíticos, el cine permite ver cómo la historia evoluciona y avanza, y cómo las personas viven y se adaptan a estos cambios.

Además de lo que el público puede ver en pantalla a través de una película de género histórico, en algunas ocasiones el cine ofrece otra forma de conocer el pasado, mediante aquello que no se ve, aquello que se puede ver entre líneas, pero sí qué se interpreta si se tiene en cuenta cuando, cómo y quién hizo una película determinada.

En el cine, la Historia reproduce muy a menudo las corrientes dominantes de pensamiento o, por el contrario, las que lo cuestionan.
Marc Ferro

Esto nos permite ver cuál era la realidad histórica, no sólo de lo que se nos describe en el argumento y la ambientación de una película, sino de cuando fue hecha. Qué llevó a realizar esa película, qué impulsó a decantarse por ese argumento y no otro, y cómo presentarlo al público, para que éste recibiera un mensaje u otro dependiendo de la intencionalidad del trasfondo. Esto da la posibilidad al historiador de comprender que, del mismo modo que la literatura, la pintura u otras artes representativas, el cine permite establecer una conexión entre el presente y el pasado, pudiendo estudiarse tanto la época representada como la creativa.

Podemos ver como el cine de género histórico, así como muchas otras fuentes históricas, no es más que una interpretación de lo que nos ha llegado hasta día de hoy; es el trabajo de una o varias personas que han recogido dichas evidencias, sean del carácter que sean, y han intentado dar un sentido lógico a aquello que han descubierto, para poder comprender mejor el pasado del que venimos. En este sentido, el cine no es una excepción, ya que recoge historias y las reinterpreta y representa para que el público de hoy en día las comprenda y se pueda hacer una idea de todo aquello que le precedió. Expresado de una forma mucho más romántica, el cine histórico permite a todo aquel que lo vea realizar un viaje en el tiempo y descubrir cuál era la realidad de una época en concreto siglos atrás.

Todavía hoy, a pesar de lo anteriormente expuesto, el cine sigue siendo considerado por la mayoría como algo complementario a la historia tradicional o escrita; aun así, como vemos en Una historia de película, existen motivos suficientes para creer que las películas de ficción, no tan solo las que quieran mostrarse como testimonios del pasado, sino también aquellas que simplemente estén ambientadas en otras épocas, se convertirán en bases firmes y reconocidas de estudios históricos importantes.

La entrada El cine como fuente histórica se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Christopher Nolan se ha convertido, por nombre propio, en uno de los grandes directores de cine que tenemos actualmente, la cantidad de seguidores y de «haters» que tiene son tantos como los debates que se ocasionan en las redes sociales. Lo ames o lo odies, Nolan no deja indiferente a nadie.

Tras la genial Interstellar (2014), Nolan cambia de aires y opta por un film ambientado en la segunda guerra mundial y basado en un echo real. Es la primera vez que el director británico abandona el tono sci-fi y de misterios para ofrecernos algo más real.

La historia se basa en la Operación Dinamo. En 1940 en plena Segunda Guerra Mundial un grupo de soldados británicos y franceses quedan rodeados por las lineas enemigas en Dunkerque, Francia. Atrapados en la playa, con el mar cortándoles el paso, las tropas se enfrentaban a una situación angustiosa que empeoraba a medida que el enemigo se acercaba y los pocos recursos que el ejercito británico ofrecía parecían escasos.

Nolan ha vuelto a hacer de la suyas y nos ha ofrecido algo totalmente distinto a lo esperado, Dunkerque no es una película bélica clásica como estamos acostumbrados a ver, con muchas explosiones, muertes, escenas de acción, grandes diálogos, etc. Tampoco se trata de una peli heroica inflada de patriotismo donde los soldados del bando aliado derrotan a las tropas alemanas, nada de eso, simplemente vamos a ver un momento intenso en el que un grupo de soldados intentan salvarse, donde intentan salir de allí, volver a casa. Y es aquí donde nos sorprende con el estilo de la narración.

La historia de Dunkerque se divide en tres partes, tres líneas temporales diferentes que se van intercalando hasta que terminan por encontrarse. Para los soldados embarcados en el conflicto, los eventos tuvieron lugar en diferentes temporalidades. En la tierra, algunos quedaron atrapados una semana en la playa. En el agua, los acontecimientos duraban mas o menos un día. Para los eventos en el aire, los cazas británicos llevaban una hora de combustible.

Esta mezcla de escenas requiere un buen montaje para que todo encaje bien, pero sabemos que Nolan no es la primera vez que nos desmonta las tramas. Memento (2000) es el claro ejemplo de peli desordenada donde lo que vemos no sigue una misma dirección. Este es el principal atractivo de la película.

En el apartado sonoro es donde se encuentra la otra gran clave de la película. El sonido es increíble, tanto el de los efectos especiales, los (pocos) disparos y explosiones que hay, o los sonidos de los cazas, si hasta les tiembla la voz cuando hablan desde la cabina, como la otra vez genial banda sonora de Hans Zimmer. Si en Interstellar la banda sonora cobraba una especial importancia, aquí es prácticamente el cincuenta por ciento de la película. No dejamos de percibir un sonido que no deja de elevarse, basado en la escala de Shepard, el ritmo sube en función de la escena y el tempo tipo tic-tac del reloj hacen que se genere una sensación constante de angustia y tensión.

Sin duda el aspecto audiovisual es la clave de la película, es una película pensada para ver y oír, parece algo absurdo, al fin y al cabo todas las películas son así, pero aquí tienen mucha más importancia porque justamente la otra parte importante de una película, el guión, está reducido a la mínima expresión. Los diálogos son escasos, contando lo básico sin necesidad de informarnos sobre lo que pasa, a fin de cuentas ya lo estamos viendo. De esta manera, la sensación de inmersión y realismo es mayor, como si estuviéramos viéndolo realmente, como si eso fuera justamente lo que pasó, como si viésemos un documental histórico ultrarealista de alto presupuesto. Es por eso que esta parte es la que más le puede chocar a la gente, ya que no estamos acostumbrados a ver una película narrada de esta manera, para algunos les puede parecer confuso.

Al tener un guión muy reducido, se pierde también la profundidad de los personajes, prácticamente podemos destacar a tres: Fionn Whitehead que protagoniza el tramo dedicado a los soldados en la playa, Mark Rylance el de los civiles en el mar y Tom Hardy el del combate aéreo. A pesar de que lo hacen muy bien, su peso argumental es muy pobre, perdiendo interés en la trama llegando al punto en el que te da igual lo que les pase. Ese podría ser el único punto débil de la película, pero al fin y al cabo es el sacrificio necesario para desarrollar una peli así. Lo mismo le pasa a la duración la cual no llega a una hora y cincuenta minutos, siendo una de las más cortas de Nolan. Ya saben el dicho, lo bueno si breve…

En definitiva Nolan vuelve a ofrecernos un peliculón, un drama bélico angustioso y trepidante donde la tensión va in crescendo, lejos de lo que tenemos acostumbrado al genero bélico. Aunque eso sí, desde mi punto de vista no es la mejor película de Nolan pero sí que creo que es la que mejor está rodada, pero es que hay que reconocer que todas las pelis de Nolan son todas de nota alta.

La entrada Dunkerque (Christopher Nolan, 2017) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Durante la segunda guerra mundial, uno de los objetivos principales, y quizá menos conocido a nivel general, fue evitar que los alemanes obtuvieran la capacidad de crear armas nucleares. La batalla del agua pesada u Operación Telemark, como también se le conoce, fueron una serie de operaciones por parte de los aliados con el objetivo de impedir que la Alemania nazi obtuviera agua pesada, material necesario para la creación de armas nucleares. Se denomina agua pesada al óxido de deuterio, molécula que se utiliza como moderador en los reactores nucleares.

Con la invasión de noruega por parte de Alemania, estos se apoderaron de una instalación conocida como Norsk Hidro, la única en Europa capaz de crear agua pesada. Cuando los británicos se enteraron que Alemania estaba interesada en el agua pesada, comenzaron a investigar sus motivos hasta descubrir que un científico alemán llamado Werner Heisenberg estaba creando un reactor nuclear. Rápidamente Inglaterra organizó unas operaciones para destruir la planta de procesado de agua pesada y evitar el posible acceso de los alemanes a la energía y armas nucleares.

La serie parte en 1939 cuando el científico Heisenberg es galardonado con el nobel de física, su éxito le abre el camino para la investigación dentro del gobierno alemán, su objetivo es la creación de un reactor nuclear para generar energía, aunque a los jefes militares nazis les interesa más la capacidad destructiva de dicho proyecto. La serie intercala lo momentos de Heisenberg y sus estudios con los del grupo de operaciones aliado, cuyo objetivo es sabotear los planes de los alemanes. El principal escenario es la planta de obtención de agua pesada en Noruega cuya trama también engloba a su nuevo director y los problemas que este genera con los empleados y los oficiales alemanes.

En ningún momento la serie nos pinta como a los alemanes los malos y los aliados los buenos, simplemente son dos bandos opuestos cada uno con sus  objetivos. Mostrándonoslo de manera bastante objetiva siendo nosotros los que tengamos que juzgar al respecto.

Uno de los mejores aspectos de la serie es la ambientación, especialmente los escenarios en campo abierto, generalmente nevados por la ubicación de dicha historia, así como los momentos donde la trama se desarrolla en interiores, cuidando los detalles de la época. Se nota el exquisito trabajo de documentación histórica.

La miniserie producida en Noruega consta de seis capítulos de unos cincuenta minutos de duración, su ritmo no es precisamente rápido ni su historia es tan compleja como para necesitar más metraje. De esta manera no llega ser pesada y se convierte en una buena serie histórica y cultural de un hecho que quizá no es tan conocido por el gran público, pero que fue decisivo en la victoria aliada.

La entrada La Batalla del Agua Pesada (Filmkameratene A/S, 2015) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

El 6 de Junio de 1944 fue un momento clave en el transcurso de la Segunda Guerra Mundial, el mayor conflicto de la historia. La operación Overlord consistía en un desembarco multitudinario por parte de las tropas aliadas en las costas de Normandía, en la Francia ocupada por los alemanes. Los aliados tomaron ese punto como el punto de entrada y el comienzo de la liberación y el fin de la guerra. En ese trasfondo a un grupo de soldados estadounidenses les encargaron una misión más humanitaria, encontrar al soldado James Ryan y traerlo de vuelta a casa. Basado el caso real de el soldado Fritz Niland.

Steven Spielberg vuelve a mostrarnos los pormenores de la guerra, si en el Imperio del Sol (1987) nos mostró el lado oriental de la Segunda Guerra Mundial (en la guerra Chino-Japonesa) y en la Lista de Schindler (1993) el lado más cruel con el holocausto Nazi, en Salvar al soldado Ryan nos enseña parte del conflicto europeo. Y nada mejor que empezar mostrándonos el desembarco de Normandía como no lo habíamos visto antes, partiendo del desembarco estadounidense producido en la playa de Omaha, podemos ver la crueldad que se pudo vivir en ese momento, el silbido de las balas, las bombas cayendo en la playa, los disparos de los alemanes, un infierno en el que Spielberg ha querido ser muy fiel y realista, vemos gente muriéndose a causa de la artillería alemana, soldados perdiendo extremidades a causa de las bombas, otros pasando miedo, médicos intentando curar a los heridos, curas dando la extremaunción. En todo este marco tomamos como testigo al capitán John H. Miller (Tom Hanks) del 2º Batallón Ranger desde su salida de la embarcación hasta que consiguen penetrar en las defensas alemanes. Treinta minutos de auténtica tensión y agonía. Tras asegurar la playa, el mando general del ejército le encomienda la misión de encontrar al soldado James Ryan (Matt Damon) de la 101ª División Aerotransportada que está desaparecido en algún lugar de Normandía. Al parecer sus tres hermanos han fallecido en combate y no quieren darlo otro disgusto a su madre. Miller reunirá a un grupo soldados y partirá en buscar de ese hombre arriesgando sus vidas sin saber si al final merecerá la pena.

Visualmente la película es una pasada, cada escenario está recreado con todo lujo de detalles, la playa del desembarco, los pueblos por los que pasan destruidos, el apartado sonoro también es excepcional se nota al alto nivel de recurso que tuvo la película, por algo se llevó cuatro Oscars relacionados con lo visual y sonoro, además del Oscar al mejor director, algo que siempre da mucho caché a una película. Como todas tiene sus cosas malas, por un lado el bando alemán no lo muestran mucho, (pero bueno al fin y al cabo se centra más en la relación entre los personajes y no de toda la guerra en sí), no es una peli didáctica que nos pueda mostrar algo más de historia del conflicto, pero sobretodo algo que puede gustar menos a más de uno es su lado patriótico, principalmente por ese final tan propio de Hollywood y tan de que se USA son los mejores. De todas formas es Spielberg y la trama va de buscar a un soldado estadounidense con lo cual puede ser comprensible, esto no es Eastwood con sus Banderas de nuestro padres  o Cartas desde Iwo Jima.

Entretenida, impactante, patriótica y sobretodo espectacular son adjetivos para definir esta película, totalmente recomendable.

La entrada Salvar al soldado Ryan (Steven Spielberg, 1998) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.