Son pocos los realizadores que han triunfado en su primera obra, Stanley Kubrick, Ridley Scott o George Lucas, son algunos ejemplos, entre muchos otros, y, entre ellos, aunque pocos lo sepan, se encuentra el director británico Guy Ritchie. Desde sus comienzos se labró los laureles del éxito, hasta el punto de ir mejorando asoliendo auténticas cimas en su filmografía, dejando el cine independiente británico para pasarse al comercial, con la mala fortuna que nunca ha logrado repetir los éxitos de sus primeros años. ¿Pérdida de estilo propio? ¿Búsqueda de hacer caja en lugar de contar buenas historias? Quién sabe, pero ahora nos centraremos en la cinta que dio el pistoletazo de salida a su ciclo de mafia británica, Lock, Stock and Two Smoking Barrels.

Esta peli nos cuenta la historia de cuatro jóvenes aspirantes a mafiosos, Eddie, Tom, Bacon y Soap, que con las expectativas puestas en ganar un dineral en una partida de póquer, consiguen endeudarse con el jefe mafioso del barrio, Harry el Hacha, al que tendrán que pagar medio millón de libras en una semana, para ello se les ocurre robar a unos ladrones que pretenden robar una granja de marihuana, que pertenece al camello del barrio, al que los cuatro amigos pretenden venderle la mercancía robada, y un largo etcétera de embrollos cada vez más complicados, en la que los implicados irán involucrándose más y cayendo en un espiral de deudas de la que, a priori, parece imposible salir.

Este film marcó el patrón por el que se guió Ritchie más tarde, llegando a crear un estilo tan propio que ha llegado a crear escuela, ya que además de sus propios filmes, películas como Ases calientes están claramente inspiradas en el peculiar estilo cinematográfico de Ritchie, así como las de Matthew Vaughn, en la que los giros de guion están tan calculados que todos los problemas irresolubles tienen una solución, por imposible que parezca. Por otro lado, tantos hilos argumentales que convergen redundan en un reparto muy coral, algo típico de los primeros años de Ritchie, en el que si bien hay unos protagonistas, también existen un sinfín de secundarios que aportan color y vida a un mundo muy completo como el que nos presenta el cineasta británico, hasta el punto de dar vida a un universo propio en el que podrían convivir muchas de sus pelis.

Con este film Ritchie, además de crear su propio género, descubrió a unos auténticos actores que después se convertirían en estrellas, los dos casos más destacados son los Vinnie Jones y Jason Statham. El primero, exfutbolista conocido por su agresividad en el terreno de juego, se ha labrado un carrera de tipo duro en el cine con películas como 60 segundos o La isla de los condenados, convirtiéndose en una estrella del cine mundial y un referente en el cine de acción británico. Jason Statham, que con este film consiguió su primer papel, ha ido más allá e incluso se ha convertido en uno de los hombres de acción del cine heredero de Stallone y Schwarzenegger, con una carrera tan extensa como exitosa que lo ha convertido en una de las mejores estrellas del momento.

El resultado de Lock & Stock, junto con todas las obras de Ritchie que han venido después, es que han creado un cine de mafiosos a la inglesa, siendo el referente de este género en las islas, y brindándonos algunos de los mejores filmes de acción lejos de los habituales tiroteos y persecuciones de los americanos; en los que además de una acción contundente y sin respiro, todo se impregna con un halo de humor negro que hace mucho más entretenidas sus películas, hasta el punto de descojonarnos ante la brutalidad de una secuencia en la que la situación más histriónica nos puede sorprender.

Esta, como todas las películas de Ritchie, son recomendables para aquellos amantes del cine de acción y de mafiosos que quieren un nivel más en los argumentos de este género, un paso más allá del mero crimen, sino de una trama cargada de más historias a su alrededor. Una de las cintas más brillantes que existen a la que se debe volver más a menudo de lo que uno pueda recordar.

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Al Capone fue posiblemente el mafioso más conocido de todos los tiempos, estaba en la lista de los más buscados por la policía pero cada vez que le atrapaban quedaba libre por falta de pruebas. Curiosamente solo pudieron condenarle a la cárcel por evasión de impuestos. En los Intocables veremos el trabajo del agente Eliot Ness y sus compañeros para intentar meter entre rejas a este mafioso.

Durante los años treinta, en plena ley seca, tras el asesinato de una niña por culpa de la guerra del alcohol, Eliot Ness (Kevin Costner) —un agente federal— jura encontrar a los culpables y a detener el tráfico ilegal de alcohol. Una noche Ness conoce a Malone (Sean Connery) —un policía de la vieja escuela—, al que reclutara para capturar a Al Capone (Robert De Niro), y poco después se unirán al equipo Oscar Wallace (Charles Martin Smith) —un agente del tesoro— y George Stone (Andy García) —un cadete de policía—, dando lugar a un equipo, llamado “los intocables” por la prensa, cuya principal misión será fastidiar todos los planes de los mafiosos por traer alcohol a Chicago. Al principio no se harán notar demasiado, pero poco a poco llamarán la atención de su principal presa, el propio Capone, decida acabar con ellos para proseguir con sus negocios, para lo que contratará a un asesino a sueldo para eliminarlos uno a uno.

Estamos ante una de esas pelis que si bien no tienen la estela de supuesta perfección de El padrino, sí que ha pasado a la historia como una de las mejores. Y no es ninguna sorpresa, sobre todo cuando Brian De Palma consiguió reunir a un gran elenco de actores para dar vida a los personajes reales de está historia. El primero de ellos y más destacable seria Robert De Niro en el papel de Al Capone —no podía faltar De Niro en una peli mafiosa—, cuyo personaje tiene momentos impactantes, como la del bate de béisbol, pero también su primera aparición mientras lo afeitan y es interrogado por un montón de periodistas. Kevin Costner, el antagonista del anterior, es el auténtico protagonista de la función al dar vida a Eliot Ness, un hombre justo, incorruptible y que siempre hace lo correcto, pero que esta vez necesitará recurrir a la ayuda de un poli veterano, alguien de la “vieja escuela” para atrapar a los gánsters, este será el agente Malone interpretado por Sean Connery —papel que le valió el Oscar al mejor actor secundario—, dando lugar a una pareja ganadora de héroes reales que luchan contra un mal, también, demasiado real. Si a estos, además, sumamos a Andy García o Billy Drago estaremos ante un gran reparto.

Lo cierto es que podríamos pensar que Los intocables de Eliot Ness es una peli lenta y que puede llegar a cansarnos por la temática y un ritmo no demasiado trepidante, sin embargo, la factura con la que el equipo de Brian De Palma lleva a la gran pantalla una de las historias más conocidas sobre el crimen, hacen de ella una de esas pelis en las que, cuando nos queramos dar cuenta, habremos llegado a su final sin haber mirado el reloj. Lo curioso del asunto es que De Palma, cineasta con nombre y apellidos propios, se aleja de su entorno de comodidad más cercana al crimen latino de Florida, como ya había hecho en Scarface o haría en Carlito’s Way junto a Al Pacino, para ir al germen del imaginario del cine de mafioso, en un contexto más cercano a los orígenes de la familia Corleone que a lo de los mencionados títulos; demostrando que es un cineasta con mayor perspectiva de la que parece logrando captar la esencia y caracterizando una época muy particular.

Todo ello hace que esta cinta es un clásico del cine negro, ley seca, contrabando, organizaciones criminales, policías buenos, agentes corruptos, asesinatos, ajuste de cuentas… todo lo relacionado con el mundo de la mafia y el crimen organizado está ahí metido, todo bien rodado y con una bonita escenografía para recordarnos los “felices” años 30. Por todo ello, Los intocables de Eliot Ness, ya desde su estreno, consiguió convertirse en un clásico moderno instantáneo.

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Cuando se habla de mafia lo primero que nos viene a la mente es cualquier escena de los numerosos filmes que nos han contado sus historias, entre estas películas hay autenticas obras de arte, como la que ahora tenemos entre manos… El padrino. Por muchas que hayan venido después, estamos ante la joya de la corona del género, cuyas secuelas dieron una visión completa del auge y caída de la familia Corleone, pero fue esta, la primera entrega, la que creó escuela y sentó las bases de este género tan respetado como temido.

Como ya hemos dicho cuando uno piensa en mafia, piensa en películas de mafia, pero en realidad una de las primeras imágenes que nos pasa por la cabeza es la imagen de Marlon Brando caracterizado como Vito Corleone, el gran capo y padrino del cine de mafiosos, acariciando un gato en la penumbra. El público en general no sabe que esta magnífica obra cinematográfica se inspiró en una novela de un autor italiano, Mario Puzo, pero el motivo por el cual, a pesar de basarse en una novela —porque en estos casos es siempre mejor el libro que la película—, resulta ser mejor el film que la novela, es porque fue el mismo autor de la obra literaria junto con el director del film, Francis Ford Coppola, quien escribió el guion del film, dando así una obra maestra del cine contemporáneo.

La ley seca hace años que ha desaparecido, y las familias mafiosas de Estados Unidos deben buscar los ingresos en otros productos ilegales, como la droga, pero el veterano capo de la familia Corleone, Don Vito, cree que no es un producto moral y éticamente limpio, porque teme que llegue a les escuelas, pero el resto de familias, e incluso su propio hijo y heredero, Sonny, son favorables a este nuevo negocio, alejándose así de la prostitución, el juego y la extorsión, provocando diferencias entre las familias y llevándolas al enfrentamiento directo. En medio de todo ello, su hijo menor, Michael, vuelve de su servicio militar, y a pesar de que su padre quiere que sea político o algo que le aporte poder pero de forma legal, él quiere involucrarse en los negocios de la familia, sin saber si quiera matar a alguien a sangre fría. Todo se complica cuando el enfrentamiento llega a mayores, con el Don herido y moribundo, momento en el que Michael tendrá que actuar como el hombre que no creen que sea.

Este es el planteamiento inicial de un film de casi tres horas, donde se nos muestran los conflictos económicos entre las distintas familias y como actúan ante ello, tanto los mismos gánsters, como los policías e incluso los políticos.

El padrino no es tan solo una obra de arte por tener un extraordinario libreto basado en una excelente historia, sino por un magnífico reparto lleno de profesionales y de grandes estrellas —y de futuras grandes estrellas como Al Pacino que con su interpretación llega a hacerse ver como uno de los mejores actores de este siglo—. La imagen de El padrino es sin duda Marlon Brando caracterizado como un italo-americano de sesenta y pico años, que a pesar de ser un delincuente a los ojos de la sociedad actúa también como un padre de familia, amigo y marido, llegando a ser querido hasta por sus propios enemigos. Brando hace una inigualable actuación demostrando que es —o que desgraciadamente fue— un actor muy versátil y de gran calibre. Junto a él, pero al mismo nivel, encontramos al ya nombrado Al Pacino que, a pesar de su juventud, demuestra, como se ha podido ver después, que es un extraordinario actor solo comparable al mismo Brando y a su amigo Robert De Niro —que se quedo fuera del film por no encajar en ningun perfil de la historia, pero que intervino como el joven Vito Corleone en El padrino II—. Detrás de estos dos grandes profesionales se encuentran unos jóvenes Diane Keaton, James Caan y Robert Duvall, entre los nombres más conocidos. Debemos decir que al momento de elegir el reparto Francis Ford Coppola y su equipo de casting estuvieron trabajando y haciendo numerosas pruebas a los distintos actores, ya que al principio no estaba asegurado ni el mismo Marlon Brando, que hasta que no se puso queso debajo las mejillas y creó el personaje de Don Corleone, no convenció al director.

El trabajo del director, como pasa en todas las obras de Coppola como Apocalypse Now, u otras películas de este maestro, tiene un excelente enfoque, y su trabajo de los ángulos y las sombras son sobrecogedores, impregnando la sala con la acción casi obligándote a entrar en la historia, consiguiendo que no apartes la mirada de la pantalla durante todo el film a pesar de su espectacular duración, que en ningún momento se nos hará pesada e iremos de una secuencia a otra como si de un baile se tratara.

Se podría hablar y hablar sobre El padrino, pero es algo que ya se ha hecho tantas veces que es innecesario, por lo que me quedaré al decir que no hay discusión de que esta peli es una obra maestra del cine, sin parangón, inigualable e irrepetible, simple y llanamente perfecta.

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Si en El Padrino la Ley Seca había pasado, en Camino a la perdición —o Road to Perdition, el nombre de un lugar y no la situación derrotista que nos plantea el título en español— se centra en los temidos años de la Gran Depresión americana y la prohibición del comercio de alcohol, en los que el conocido Al Capone hacia temblar a la policía. Rock Island está dominada por la mafia irlandesa, liderada por John Rooney, un temido hombre de «negocios» que saca beneficio de todo, y sus terribles y leales secuaces, entre los que se halla Michael Sullivan, tal vez uno de los más fieles empleados de Rooney, y gracias a ello vive a cuerpo de rey con su mujer y sus hijos. La relación que existe entre jefe y empleado es casi como de padre e hijo, algo que no gusta a Connor, auténtico hijo de Rooney, que es una decepción constante para su padre. Todo va bien hasta que el hijo de Michael presencia un asesinato a manos de Connor, entonces los Rooney se ponen en guardia por miedo a que el joven Sullivan confiese y los lleve todos a la cárcel, empezando por Connor. Es en ese momento en que se decide perseguir y acabar con los Sullivan para evitar que se destape el pastel, pero Michael no permitirá que su hijo sufra por lo que él ha hecho, y querrá evitar a toda costa que los mafiosos pongan la mano encima a su retoño. Por su parte, y para evitar males mayores, John Rooney decide contratar a un asesino a sueldo para acabar con Michael, y así evitar errores como los cometidos por su hijo.

El origen de esta magnífica y atípica historia de gangsters está en una novela gráfica de Max Alan Collins y Richard Piers Rayner, elaborada en blanco y negro y que en su momento sirvió para tener el guion y el storyboard del film. ¿Por qué digo atípica? Porque normalmente el jefe mafioso nunca persigue a su secuaz número uno para matarlo, siempre encuentra la manera de que se haga perdonar o se lo carga de un tiro a la primera de cambio y sin dudarlo; pero aquí los lazos que unen a Rooney y Sullivan son demasiado fuertes como para romperlos de un solo tiro, ya que el viejo jefe se ve en la obligación de matar a alguien que ha sido como un hijo, incluso más que el suyo propio. Esta es una de las múltiples y profundas lecturas que se pueden hacer de esta peli —y del cómic, claro—, además de ver como Michael cuida tanto a sus hijos que quiere que sean algo mejor que él y que no se conviertan en delincuentes.

Sam Mendes demuestra una vez más que es un artista del celuloide, ya que convierte cada fotograma en una excelente fotografía estática y en movimiento a la vez, que mantiene al espectador en vilo para ver que pasará en la siguiente secuencia. Evidentemente, como siempre sucede, el trabajo y el valor de una cinta no se queda tan solo en el guion y el director, sino que en gran parte también se debe a los actores que se toman muy en serio esta cinta, convirtiéndola en una obra de artesanía fílmica. Algo que se hace evidente cuando se cuenta con nombres propios como Tom Hanks, Paul Newman, Jude Law o Daniel Craig, cuyas interpretaciones no se quedan en una mera anécdota, sino que van un paso más allá dándole vida a estos personajes tan complejos.

Un irreconocible Tom Hanks —ya que normalmente no hace de asesino—, demuestra una vez más que es un magnífico y polivalente actor, de aquellos que hacen historia, dejando a un lado sus clásicos papeles tragicómicos. Y que decir de Jude Law y Daniel Craig, aún sin ser actores consagrados cuando se hizo la peli, pero que ya demostraban porque hoy son de las estrellas mejor valoradas del panorama internacional. Finalmente, por ser el mejor de todos ellos, el veterano Paul Newman, que al igual que Hanks, consigue hacer un papel alejado de los que es habitual  en su carrera —del guaperas gamberro al viejo bribón—, aquí, en su último gran papel como actor, demuestra porque es uno de aquellos astros que brillan y brillarán por si solos en el firmamento de los grandes del cine.

En definitiva, para este film lo único que se pueden dar son alabanzas y piropos críticos de esta magnífica obra fílmica, una película redonda que demuestra que para tener una buena historia de gangsters no solo debe tener tiros, sangre y alcohol ilegal.

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