«La magia del cine«. Una frase largamente mencionada en la historia del séptimo arte y que define la magnífica experiencia que el espectador puede llegar a sentir en una sala de cine. A pesar de lo que digan algunos puristas, esta sensación especial sigue estando muy presente en la cinematografía actual aunque, en ocasiones, esta impresión puede hacerse mucho más patente. Y eso es lo que ocurre con La Invención de Hugo.

Basándose en el cuento infantil (con formato de novela gráfica) escrito por Brian Selznick, la película dirigida por Martin Scorsese se construye como un maravilloso homenaje al cine. Enmarcado dentro de los cánones del cine infantil, el film consigue trascender cuando nos introduce en la apasionante historia de uno de los grandes pioneros del séptimo arte: Georges Méliès (1861-1938).

Conocido como el creador que más hizo evolucionar el cine en sus inicios, Méliès cayó en bancarrota durante la Primera Guerra Mundial y, profundamente amargado, decidió destruir su legado cinéfilo convirtiéndose, con el tiempo, en un triste vendedor de juguetes de la estación Montparnasse de París.

Combinando realidad y ficción, la historia de Selznick cobra nueva vida gracias a la exquisita adaptación de John Logan, que brilla especialmente a través de la maestría visual y técnica de un director que llevaba tiempo buscando un argumento de este tipo en el que la fantasía, la emotividad, y los grandes valores fueran el factor dominante.

Como en tantas otras ocasiones, la mirada de un niño es la que nos guía por los recovecos de una idealizada estación de tren en la que todos los relojes están interconectados por una serie de pasadizos y compartimentos. Perseguido por la tragedia familiar, el jovencito Hugo Cabret (Asa Butterfield) se encarga de controlar y dar cuerda a todos los relojes mientras socializa con varios personajes que trabajan en las diferentes dependencias de la estación. Pero un día todo cambia al conocer a un tendero empecinado en ocultar su glorioso pasado.

La Invención de Hugo es, ante todo, un gran homenaje al cine. Además de haber sido un gran cineasta, Scorsese también se ha distinguido siempre como un estudioso del séptimo arte y, en sus manos, una película de estas características brilla con más intensidad.

Es memorable la excelsa reconstrucción del plató de rodaje de Méliès y también la inserción de material fílmico del director francés combinado con recreaciones de diferentes escenas realizadas por Scorsese para la película. Una integración ejemplar para una película que hace gala en todo momento de una suprema elegancia y distinción.

Apoyado en un fenomenal reparto y colaborando con un director de fotografía de referencia, Robert Richardson, Scorsese crea una cinta magnífica que es capaz de insuflar el amor al cine hasta a aquellos que nunca se hayan planteado ir a ver películas que no estén protagonizadas por Jennifer Aniston o Drew Barrymore.

Scorsese comparte la producción con uno de sus socios en los últimos años, el británico Graham King, quien a su vez recibió el interés de Johnny Depp por formar parte del proyecto. Depp quedó fascinado por la atmósfera de la obra de Selznick y decidió abrir su carrera como productor con La Invención de Hugo.

Cuando se unen tantos talentos, en las diferentes facetas creativas, es obvio que se puede esperar el mejor de los resultados pero, en mi opinión, esta cinta no habría sido lo que es con otro director. El maestro Scorsese convence porque volca gran parte de su impulso en contar la historia de la redención de Méliès (brillantemente interpretado por Ben Kingsley). Su adaptación al formato 3D ha sido brillante, al igual que su apasionante propuesta visual, pero lo que más va a quedar en la memoria del cinéfilo será la indudable pasión que rezuma cada uno de sus fotogramas.

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Shutter Island es una película basada en la novela homónima de Dennis Lehane, con planteamiento de thriller con elementos de novela negra: el agente federal Teddy Daniels llega al manicomio Ashecliffe, para investigar la fuga de una de las pacientes. Pero el lugar oculta un misterio mucho más importante mientras que el agente tiene sus propios motivos para involucrarse en la investigación. El reparto de la película cuenta con un reparto estelar en la gran pantalla como Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo y Ben Kingsley. Estos tres interpretan el agente Daniels, su compañero y el director del hospital mental; constituyendo la piedra angular de una intrigante historia dirigida por Martin Scorsese.

Desde el momento en el que el agente y su compañero cruzan el umbral de la institución mental, el espectador es acompañado por una sensación opresiva y amenazante. Pocas veces aparece en pantalla un elemento terrorífico o directamente amenazador, pero el clima de desconfianza que reina entre los personajes, la música alta que acompaña las secuencias más impactantes, y los elementos de terror puro —escasos pero bien efectivos—, mantienen constantemente al espectador alerta. Del mismo modo, estar constantemente alerta es lo que se requiere también del agente Daniels, en cuya piel pasamos prácticamente toda la película. Junto a él, vemos cómo se va transformando paso a paso de un rudo federal dispuesto a enfrentarse con el reto que le supone la investigación y lograr su objetivo a un ser miserable, en un animal arrinconado que ni tan solo está seguro de si es real todo lo que cree que sabe, ve o escucha.

Esta degradación la vivimos principalmente a través de los recuerdos y las posteriores alucinaciones del protagonista. Teddy tiene continuamente visiones de su mujer muerta en un incendio y de las atrocidades que ha presenciado cuando su unidad liberó el campo de concentración de Dachau. Con estas escenas —marcadas por una iluminación mucho más colorida y puestas en escena surreales—, junto a otros detalles como la fotofobia del detective se acentúa la mirada subjetiva a través de la cual el público presencia el descenso de Daniels hacia la locura.

Una vez acomodada la mirada del espectador en la del protagonista, Scorsese nos arrastra con él. Y vaya si lo consigue… A medida que avanza la película presenciamos cómo Ashecliffe se convierte en una paralela respecto a Dachau, mientras que lo real, los recuerdos, y lo ilusorio cada vez se confunden y se mezclan más hasta el punto de que ni el personaje ni el público está seguro de lo que ha vivido y de cuál es la historia que le acaban de contar.

Detengámonos por un momento en cómo transcurre el tiempo en la narración de Shutter Island; si bien su historia es tradicionalmente lineal, se apoya fuertemente en flashbacks, en tanto que son recuerdos del propio personaje de DiCaprio. Sin embargo, estas remembranzas, de las que nos valemos para definir al personaje, se ven puestas en crisis constantemente por la nueva información que nos va dando la cinta. Por esto, si extrapolamos esta cuestión a un plano mucho más abstracto y conceptual, de lo que nos habla el viaje hacia la supuesta demencia de Teddy Daniels es del problema de la memoria y la percepción del pasado tanto a nivel personal como histórico.

En esta primera dimensión, el problema queda representado mediante la siguiente pregunta: ¿cuán reales son mis recuerdos? Esta cuestión ya ha sido tratada en otras obras como por ejemplo 1984 de George Orwell, pero si bien el planteamiento de esta cuestión en la obra de Scorsese no es tan profundo a nivel sociocultural, el componente psicológico ayuda —paradójicamente— a dilucidar sobre el núcleo cuestión. En este sentido, podemos ver claramente que al final de la película lo único que queda es la duda sobre el pasado.

Por otra parte, para hablar de la memoria en el sentido histórico, habría que remontarse al pasado militar de Teddy, además de las repercusiones que tiene en lo que aparece en pantalla. Al finalizar la Segunda Guerra Mundial, el gobierno de los Estados Unidos adoptó la narrativa de representar a sus soldados como hombres que volvían más fuertes de la guerra de lo que entraron; una de las consecuencias de este relato es que los soldados con secuelas no recibían ningún tipo de ayuda ni tratamiento. Justo uno de estos soldados es el agente protagonista quien, como ya se ha mencionado antes, encarna el trauma de una guerra que el mundo aún no sabe contar.

Un artículo de Vlad Hostyuk

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Tenemos nueva peli de Martin Scorsese esta vez centrada en el mundo de los corredores de bolsa y el auge que tuvo en los ochenta. Lo curioso en este caso es que está basada en hechos reales, basándose en la historia del corredor de bolsa Jordan Belfort, un joven que perseguía el sueño americano, pero que su éxito como bróker le llevó ser un hombre ambicioso sin control y sin límites. Su enorme éxito y fortuna cuando tenía poco más de veinte años como fundador de una agencia bursátil le valió el mote de “El lobo de Wall Street”.

Scorsese lo ha vuelto a hacer, se ha sacado de la chistera una nueva película más gamberra y pasada de vueltas sobre el mundo bursátil de Wall Street. La peli es una salvajada sin más, un cúmulo de excesos llevados sobre todo por el protagonista Jordan Belfort. Leonarco DiCaprio es el encargado de interpretar a este alocado personaje y vaya tela con DiCaprio, si hay alguien que diga que no se merece el Oscar ya no sé qué más va a poder hacer el chico, si es que lo hace todo en esta peli. Drogas, dinero, poder, mujeres este Jordan es un pichabrava que quiere vivir por todo lo alto. DiCaprio le imprime de un espíritu juvenil y gamberro a este personaje y nos deja grandes momentos perfectos para la creación de gif y memes. La evolución de DiCaprio tiene su mérito y hemos visto en sus últimas películas como ha ido mejorando como actor, ya no es el niño mimado de Titanic que caía mal. Y parece que Scorsese pretende ser el que le dé la oportunidad de llevarse una estatuilla (como ya ha hecho con el Globo de Oro). La peli por momentos recuerda vagamente a las tan queridas Uno de los nuestros o Casino, vale que son palabras mayores pero se asemeja en algunos sentidos. Por ejemplo, el protagonista narra en voz en off durante gran parte de la película, además siempre acaba liándola al final de la peli, hay escenas cómicas y para colmo también cuenta con un secundario que aún está más loco que él, Donnie (interpretado por Jonah Hill) podría ser la versión yonki de Joe Pesci – evidentemente sin llegar al nivel de carisma de éste último-, pero tienen un cierto aire. Por esas cosas se disfruta de la peli a pesar de sus tres horas de duración, este Scorsese siempre se pasa de metraje, al menos no es aburrida ni se hace pesada, gracias en parte al guion que no peca de simple, es ágil y hay momentos para todo, con diálogos brillantes y llenos de humor.

Sin duda una muy buena peli con mucho humor negro, que mejor que empezar el año de esta manera y veremos si por fin Leonardo DiCaprio consigue ese premio que tantas veces se le ha escapado, si no habrá que esperar a que Martin Scorsese le incluya para la próxima peli. Cumple con las expectativas que ha generado. 

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