Jackie Brown es una película de crimen y suspense dirigida por Quentin Tarantino, basada en la novela Rum Punch de Elmore Leonard. La película marca un punto de inflexión en la carrera de Tarantino, alejándose de los excesos estilísticos y la violencia exagerada de Pulp Fiction y Reservoir Dogs para ofrecer una obra más madura y matizada, sin perder la esencia de su cine. Protagonizada por Pam Grier, Robert Forster, Samuel L. Jackson, Bridget Fonda, Michael Keaton y otros actores destacados, Jackie Brown es un homenaje a los filmes de blaxploitation de los años 70 y una compleja narrativa sobre traición, lealtad y supervivencia.

La trama sigue a Jackie Brown (Pam Grier), una azafata de avión que, tras ser arrestada por tráfico de dinero en efectivo para un traficante de armas, Ordell Robbie (Samuel L. Jackson), se encuentra en una encrucijada. El agente de la ATF, Ray Nicolette (Michael Keaton), y el fiscal, Mark Dargus (Daniel Von Bargen), intentan usarla como informante para atrapar a Ordell, mientras que la propia Jackie trama un plan para hacerse con una suma de dinero que cambiaría su vida, manipular a Ordell y salir impune.

Pam Grier ofrece una actuación extraordinaria, mostrando tanto la dureza como la vulnerabilidad de su personaje, quien tiene que jugar inteligentemente sus cartas para salir del peligro. La elección de Grier, una figura icónica de los años 70 en películas como Foxy Brown y Coffy, le da al filme un aire de nostalgia y autenticidad. El director logra integrar de manera excepcional la historia de Jackie con la de otros personajes, como el ex policía Max Cherry (Robert Forster), quien se enamora de ella de una manera sutil y casi silenciosa. La química entre Grier y Forster es uno de los puntos más destacados de la película, y su relación agrega una capa emocional a la historia.

La película se distingue por su guion inteligente y diálogos agudos, características que Tarantino perfeccionó en su carrera. La narrativa no se presenta de forma lineal; en cambio, Tarantino utiliza saltos temporales y una estructura fragmentada para contar la historia desde diferentes perspectivas, creando un rompecabezas intrigante que mantiene al espectador en vilo. Las interacciones entre los personajes y la manera en que se van desvelando sus motivos hacen que la trama se enriquezca y se complejice en cada escena.

La música en Jackie Brown también es un elemento clave. La banda sonora, compuesta de temas soul, funk y R&B, complementa perfectamente el tono de la película, añadiendo atmósfera y subrayando la nostalgia de la era en la que la protagonista es una figura emblemática. La elección musical de Tarantino es más sutil en esta película en comparación con sus trabajos anteriores, pero se integra perfectamente con la historia y realza la tensión de cada momento clave.

A pesar de ser menos reconocida que Pulp Fiction o Reservoir Dogs, Jackie Brown es una de las obras más refinadas y matizadas de Tarantino, destacando por su complejidad, desarrollo de personajes y narración intrigante. Es una obra que premia a los espectadores que buscan más que un simple espectáculo visual: es una película que recompensa a aquellos que se sumergen en sus capas y analizan sus personajes y sus motivaciones.

Jackie Brown es una película que se aparta del estilo de Tarantino más ruidoso y violento y ofrece una visión más sofisticada y madura de sus habilidades como narrador. Con actuaciones memorables, un guion intrincado y una dirección precisa, es una obra que merece ser reconocida como una de las mejores de su filmografía y un testimonio de la habilidad de Tarantino para hacer cine que no solo entretiene, sino que también desafía e impresiona.

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Con Reservoir Dogs, Quentin Tarantino hizo su carta de presentación al cine, dijo aquí estoy y este es mi estilo. Y solo una película después, Tarantino hizo la que para mí (pero que cada vez tengo más claro) la mejor película de su carrera. Pulp Fiction es la mejor película de Tarantino hasta la fecha y es una de las mejores películas de la historia, así de claro lo digo y cada vez que la veo más me reafirmo (de hecho la tenemos puesta como una de las mejores películas de todos los tiempos).

¿Y por qué es tan buena?, pues porque todos sus apartados lo son, así de simple. Para empezar, tiene una estructura narrativa interesante, la forma de empezar, el estilo de capítulos y su desorden sirven para tenerte más atento de lo normal, captando mejor los detalles. Aunque pienso que si la historia fuera seguida, no perdería tanto, es un factor interesante pero no me parece lo mejor de la peli.

Lo mejor sin duda, son los diálogos y sus personajes. Grandes diálogos (sobre todo las discusiones de Vincent y Jules), continuos homenajes y guiños cinéfilos y situaciones repletas de humor negro e ironía (como en el tiroteo en el que ninguna bala da a los protagonistas, en alusión a las películas en las que los «malos» siempre fallan). Cuando te conoces las frases más populares es porque esa película lo ha hecho bien, y en esta peli tienes unas cuantas memorables. Si a esto le añadimos a unos personajes con carisma, interesantes, con evolución en la trama, tienes ya la mayor parte de la peli hecha. Todos están muy bien definidos, desde los matones Vincent y Jules, pasando por Butch, Marsellus, Mia, los atracadores y por supuesto, el señor Lobo. Cada uno con frases y escenas para enmarcar.

El reparto sirvió para dar a conocer a algunos actores y dar una segunda oportunidad otros que ya estaban en horas bajas, como a John Travolta que ya estaba de capa caída en esa época. Bruce Willis ya era conocido (Jungla de cristal) y Uma Thurman y sobretodo Samuel L. Jackson aunque ya habían hecho pelis anteriores es a partir de esta donde todo el mundo empieza a conocerlos. Además repetirían con Tarantino, Samuel en la siguiente Jackie Brown (1997) y Uma en la duología de Kill Bill (2003,2004). Además, en Pulp Fiction tenemos algunos de los actores amigos de Tarantino que ya habían salido en Reservoir Dogs como Tim Roth, Harvey Keitel o Steve Buscemi (si es que llegas a reconocerlo).

Y aquí no acaba la cosa, si encima añadimos una banda sonora que ya ha quedado marcada en la cultura pop, ya no solo de la época si no de la historia de la música, siendo la música de la intro (Misirlou) y la del baile de Chuck Berry – You Never Can Tell las más icónicas y que todo el mundo ha escuchado. Todo destila ese aire noventero que hoy en día ya se puede considerar retro.

En fin, no soy capaz de encontrarle nada malo a esta película, ni si quiera la duración es un problema, todo dura lo necesario. No todo será perfecto pero lo roza. Te puede gustar o no, pero nadie duda de que Tarantino ha creado un estilo digno de ser estudiado en las escuelas de cine. Y Pulp Fiction es su obra cumbre. No hay nada de esta peli que no se haya dicho ya por los cinéfilos y expertos en la materia, así que mejor os dejo con la frase más conocida de la peli, aunque mi favorita es la del señor Lobo cuando dice: “Bueno pero no empecemos a chuparnos las pollas todavía.” Larga vida a Tarantino.

«Ezequiel, 25-17: El camino del hombre recto está por todos lados rodeado por la avaricia de los egoístas y la tiranía de los hombres malos. Bendito sea aquel pastor que, en nombre de la caridad y de la buena voluntad, saque a los débiles del Valle de la Oscuridad. Porque él es el verdadero guardián de su hermano y el descubridor de los niños perdidos. ¡Y os aseguro que vendré a castigar con gran venganza y furiosa cólera a aquéllos que pretendan envenenar y destruir a mis hermanos! ¡Y tú sabrás que mi nombre es Yavé, cuando mi venganza caiga sobre ti!.»

Jules Winnfield

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Cuando se habla de una película o cualquier otro producto cultural, los analistas y teóricos han de afrontar una gran duda no resulta que puede cambiar radicalmente el desarrollo del análisis: ¿se debe tener en cuenta la biografía del autor? Esta podría parecer una cuestión simple y naif, pero la separación de divulgadores en dos bloques segmentados y enfrentados indica claramente que la incógnita no queda resuelta y, lejos de una solución homogénea, no parece que se vaya a llegar próximamente a un modus operandi idílico que pueda ser aplicable a cada estudio.

Parece lógico que habríamos de tener en cuenta elementos biográficos del autor cuando realizamos un análisis, o incluso apoyar puntos y argumentos concretos del estudio en las vivencias del autor de la obra. Y más cuando ponemos la película bajo la lupa para hablar de su autor y entender su idiosincrasia como creador de obras culturales y/o artísticas o su mirada personal del mundo. Si  queremos saber qué quiere decir Scorsese con su cine, tan prolífero en películas relacionadas con la criminalidad de los suburbios de Nueva York (Mean Streets ―1973―, Goodfellas ―1990― o la próxima The Irishman ―2019―, entre otras), sería conveniente conocer su ascendencia de origen italiano y su juventud en el barrio del Bronx ―donde también se crió un joven Stanley Kubrick―.

Aún así, esta no sería la tesis con la que yo comulgo. Según mi parecer, si queremos encontrar el sentido de un producto cultural mediante un análisis de proximidad, el estudio habrá de centrarse solamente en la obra. Ningún otro factor más allá del objeto de estudio en sí mismo. En el caso de los teóricos de cine, las claves para resolver el rompecabezas ―en cierta mesura, ya que la lectura total de una obra es, como mínimo, utópica― se encuentran escondidas en el tiempo de metraje que dure la cinta del filme o el archivo audiovisual ―en su reproducción digital―. Con lo que hay, se juega.

La mayoría de las interpretaciones del cine de Kubrick, por poner un ejemplo, relacionan su filmografía con mensajes crípticos sobre la llegada a la Luna y la revelación de la presencia de sociedades secretas en nuestro mundo contemporáneo. Interpretaciones y lecturas más basadas en rumores de la propia vida del director ―ser miembro de la masonería, su misteriosa huída sin retorno de los EE. UU., el aislamiento total de la civilización durante el tramo final de su vida, etc.― que en sus propias películas, con el error que ello implica. Si hemos venido a hablar de cine, hablemos de cine.

Y aunque contradiga los argumentos expuestos previamente ―que es así―, cuesta entender Érase una vez en… Hollywood ―o entender a Tarantino, más bien― si no tenemos unos conocimientos previos de la vida del director de la gran mandíbula.

Pocas personas aman más el cine que los propios cineastas. En todas las filmografías de los grandes directores encontramos uno o dos filmes que hablan del acto de hacer cine o son, directamente, declaraciones rampantes de amor al séptimo arte. Spielberg, el mago de Hollywood, produjo Super 8 (2011), de J. J. Abrams; de forma similar a Scorsese y La invención de Hugo (2011). Este mismo año hemos podido disfrutar de Dolor y gloria (2019), y el juego que plantea Almodóvar se acerca mucho a los movimientos de ajedrez ―dignos de Kaspárov― con los que David Lynch teje Inland Empire (2006), su última película, en la que la metarepresentación fílmica embiste directamente la representación ficcional.

En el caso de Tarantino, quien su trabajo en un videoclub durante su juventud permitió consumir un impensable número de películas de todo tipo, una sola película no será suficiente. Tres serán las obras del director de Knoxville que suponen un homenaje claro al hecho de contar historias con celuloide: Death Proof (2007), Malditos bastardos (2009) y Érase una vez en… Hollywood (2019). Y aunque ya contara con dos grandes obras para mostrarnos su gran cariño por el cine, será en Érase una vez en… Hollywood en la que el autor podrá remitir directamente al cine de su infancia, del que sigue perdidamente enamorado.

El pasado mes de julio se iniciaba con una noticia funesta para los seguidores de Tarantino. En una entrevista para GQ Australia el realizador anunciaba que Érase una vez en… Hollywood podía ser su última película. Aunque su objetivo siempre ha sido dirigir diez filmes, como ha repetido en innumerables ocasiones, en el artículo se puede notar un Tarantino agotado y con ganas de experimentar otros medios narrativos ―el teatro, la televisión o los cómics, como ya ha hecho anteriormente― para contar sus historias. Aún así, el director apunta que solo se plantearía retirarse de la dirección dejando su ansiada filmografía inacabada si Érase era un éxito ―a diferencia de su anterior filme: Los odiosos ocho, 2015―.

Antes de ver Érase una vez en… Hollywood no dudaba que las declaraciones del autor eran un completo farol. Un creador como Tarantino nunca sería capaz de dejar su filmografía incompleta, además que hay pruebas de que el director se encuentra sumergido en el proceso de producción de una nueva entrega de la saga Star Trek ―gran candidata a colofón final de Quentin, aunque si la podremos disfrutar en la pequeña o gran pantalla solo el tiempo lo dirá―. Y aunque después de ver su nuevo filme soy escéptico a creer que no veremos nunca otra película original de Tarantino, sí que es innegable que su última cinta empieza a oler a despedida.

El primer motivo que me lleva, me guste o no, a esta conclusión son el gran número de referencias propias que Tarantino introduce en la que es su novena película. Érase una vez en… Hollywood, sin dejar de ser una de las obras más accesibles del autor ―de esto hablaremos luego―, se convierte en una caja de sorpresas y pequeños guiños para sus seguidores más firmes hasta un punto que cuesta no catalogarla como un ejercicio de fanservice para los fans de Tarantino.

Desde algunos estilemas imprescindibles en cualquier película del director como la nada acomplejada exposición de los pies de personajes femeninos como Conejito ―Margaret Qualley― o Sharon Tate ―Margot Robbie, curiosamente su única parte del cuerpo cercana a la sexualización, ya que se nos presenta como un personaje puro, casi virginal― hasta la repetición de algunas secuencias icónicas de películas anteriores de Tarantino. Por citar algunos ejemplos: Rick Dalton ―Leonardo DiCaprio― quemando nazis como en el apoteósico desenlace de Malditos bastardos o el inicio de la secuencia del Saloon en el western en el que actúa Rick, que supone un calco exacto del comienzo de la última escena de Django desencadenado (2012). Para que os hagáis una idea, el Wilhelm Scream ―tan presente en tantas otras películas de Tarantino― aparece cuando solamente llevamos veinte segundos de metraje.

Además, en Érase una vez en… Hollywood también está presente la típica escena de enamoramiento con el personaje protagonista femenino como en tantas otras películas del autor de Knoxville. Cuando Polanski y Tate se acercan a la fiesta en la mansión Playboy, Tarantino acerca la cámara a Margot Robbie mientras esta baila inocentemente, otorgándole un pedestal mediante un slow motion y una canción suave que suena de fondo. Este tipo de escenas lo podremos encontrar ―siempre con música incorporada, como debe ser― en Pulp Fiction (1994) cuando Mia ―Uma Thurman― baila Girl you’ll be a woman son; en Jackie Brown (1997) cuando la protagonista enamora a ritmo de The Delphonics; en el baile erótico de Death Proof  o en Los odiosos ocho, en el caso más atípico, cuando Daisy Domergue ―Jennifer Jason Leigh― chupa la sangre que le mana de la nariz acompañada de Hey little apple blossom. Shoshanna también tiene dedicada una escena similar a Malditos bastados, pero más bien pletórica y empoderada, aunque esto es carne de otro análisis.

Para completar los homenajes propios con los que el director embute su novena película, encontraremos un plantel de secundarios que todos conoceremos por anteriores interpretaciones en obras de Tarantino. A Michael Madsen ―Sheriff Hacket en Érase una vez en… Hollywood― lo podemos encontrar en Reservoir Dogs (1992), Kill Bill (2003) y Los odiosos ocho; igual que Bruce Dern ―George Spahn en Érase y General Sandy Smithers en Los odiosos ocho―, Kurt Russell o Zoë Bell ―presentes ambos en Death Proff y Los odiosos ocho―.

Muchos de los espectadores afirman que Érase una vez en… Hollywood es una película poco tarantiniana o en la que encontramos una versión más contenida de Quentin. Y pese a que en esta ocasión percibo a un Tarantino menos descarado, tampoco la encuentro tan poco personal como la acusan algunos. Érase no es la película más convencional de Tarantino, ni su  mejor obra, pero las interrupciones en la narración lineal, los recursos artísticos y narrativos y la presencia puntual y determinante de la violencia estilizada la convierten en una obra inequívoca del autor, aunque en una versión más madura, reflexionada o consciente del nombre que la firma.

Aunque no sea una película tan excepcional como Pulp Fiction o Kill Bill realmente me gusta que sea así. Algunos cinéfilos la encasillan como la más convencional de Tarantino y, si bien no lo creo cierto ―Jackie Brown y, hasta cierto punto Death Proof, son mucho más cercanas a la narración clásica―, es una cuestión innegable que el Tarantino más arriesgado era el Tarantino joven.

Las tres últimas películas del realizador ―Malditos bastardos, Django desencadenado y Los odiosos ocho― ya muestran un autor que ha alcanzado el máximo de su capacidad creativa ―Kill Bill, Reservoir Dogs o Pulp Fiction― y que quiere reivindicarse como un autor maduro y uno de los mejores directores de cine contemporáneos. Por tanto, podemos entender Érase una vez en… Hollywood como una película ciertamente ambiciosa porque se nota que Tarantino se ha dejado piel y alma ―mucho más que en Django o Los odiosos― para proclamarse como un autor serio, de referencia, y no solo como un director simpático que escribe diálogos divertidos mientras la sangre emana a chorros.

Por ese mismo motivo me convence rotundamente la forma en que Érase una vez en… Hollywood está dirigida: porque vemos la vertiente moderada de Tarantino. Sin dejar algunos de los toques distintivos que lo hacen único como director, pero con una dirección más fina y madura en la que cada tiro de cámara, cada panorámica y cada corte en el montaje encajan impecablemente como en un reloj suizo. Porque todo está en un equilibrio perfecto. Si queremos sangre tenemos muchas otras obras de este autor. Si queremos a Tarantino tomándoselo en serio y rodando como Dios, tenemos esta película.

Que Érase una vez en… Hollywood no es una representación exacta de la realidad lo descubriremos en su desenlace. Que esta tampoco es la primera vez que Tarantino reescribe la historia a voluntad propia, también es cierto. Recuerdo las críticas de Malditos bastardos que exponen su poca proximidad a la realidad como un hecho nefasto, especialmente en el clímax de la película cuando el director de Knoxville no duda en abrasar las altas cúpulas del Tercer Reich.

Tarantino, más que guionista o director de cine, es un hábil narrador al que le interesa únicamente contar buenas historias. Que los hechos narrados en estas acaben coincidiendo con los hechos ocurridos en nuestra realidad es un conflicto que se la trae al pairo. Pero, aún así, él lo explicita para que nos quede claro des del mismo principio de la narración con la intención de no encontrarnos posteriormente con decepciones innecesarias. No por otro motivo la película empieza con unas letras que rezan «Érase una vez en una Francia ocupada por los nazis». Todo el metraje que podremos disfrutar a continuación será, por tanto, un cuento. Pura ficción.

Lo mismo ocurre con Érase una vez en… Hollywood. Si el propio título de la película ya remite a este toque de fábula, mito o narración infantil, lo último que podemos esperarnos será una representación explícita del asesinato de Sharon Tate y sus compañeros a manos de los seguidores de la familia Manson.

Aún así, Tarantino sí sentenciará en la película el desgraciado destino de Tate, aunque de una forma muy elegante y respetuosa: mediante una sugestión suave. ¿Recordáis la escena en la que  Cliff Booth ―Brad Pitt― debe ir a reparar la antena de televisión de la casa de Rick Dalton mientras su tocayo está rodando? Mientras Cliff bamba por el tejado del chalet del personaje de DiCaprio puede escuchar como una música dulzona y alegre, llena de vida, sale de la casa de Polanski. Es Sharon Tate, como nos mostrará la cámara, que baila inocentemente como desconociendo lo que la providencia le ampara.

Acto seguido, cuando la cámara vuelva a Cliff Booth, este se encenderá un cigarrillo: elemento claro para simbolizar el paso inexorable del tiempo hasta que este se acabe, consumiéndose y muriendo. Como un reloj de arena. La cuenta atrás se inicia junto a los últimos meses de vida de la compañera de Polanski, dirigiéndose a una muerte inevitable que tendremos el gusto de no ver. La muerte ―real― de Sharon Tate será, por tanto, cuestión de tiempo.

Para finalizar el análisis sería conveniente abordar una cuestión de gran importancia y que nos devuelve al inicio. Érase una vez en… Hollywood es una carta de amor al cine, sí, pero ¿qué novedad aporta a la filmografía de Tarantino? ¿Qué dice esta novena película que no se haya mencionado en anteriores homenajes al séptimo arte del director como Death Proof o Malditos bastardos?

Dejando de lado a Death Proof, que haría homenaje a un tipo concreto de cine ―el de serie B, motivo por el cual fue presentada junto con otro filme de Robert Rodríguez en el proyecto Grindhouse, 2007―, podemos ver que Érase una vez en… Hollywood se complementa a la perfección con la sexta película de Tarantino.

Malditos bastardos no solo es un reconocimiento al cine europeo ―sobre todo alemán, inglés, italiano y francés― de mediados del S. XX. También es una gran muestra de cómo el cine puede cambiar la historia. No solo por el contundente desenlace que todos conocemos en el que Tarantino hace volar por los aires a todo el gobierno nazi dentro de una sala de cine, sino por cómo las películas dentro del filme influyen a los propios personajes. En Malditos bastardos el cine tiene una fuerza inigualable, capaz de salir de la pantalla y cambiar la mentalidad y la percepción de las personas que lo consumen. Aquí entra un componente peligroso: el cine, como medio de comunicación de masas que es, utilizado como posible medio de difusión de la propaganda. Muy perceptible con la película protagonizada por Fredrik Zoler ―Daniel Brühl― e ideada por Goebbels ―interpretado en el filme por Sylvester Goth― para aumentar la motivación y determinación de los soldados alemanes.

Así que si en Malditos bastardos Tarantino habla de cómo el cine puede cambiar la historia, en Érase una vez en… Hollywood el director retrata la capacidad de la historia ―o de la sociedad, más bien― de cambiar el cine. En medio de la cruenta Guerra de Vietnam y el auge de la contracultura hippie, Rick Dalton y Cliff Booth habrán de ver cómo el propio Hollywood ―la capital del cine global por antonomasia― cambia de forma irremediable.

Con el final de la década de los 60, la constante presencia de imágenes de la Guerra de Vietnam en las televisiones y periódicos norteamericano dio lugar a un cambio radical en el código audiovisual. Frente a una nueva mirada de los espectadores educada en la violencia explícita y verídica, a la vez que cercana y cotidiana, del conflicto, el cine estadounidense abandonó paulatinamente aquellos géneros en los que la violencia estaba presente pero de forma estilizada y aceptada moralmente: los westerns, el cine negro y las películas de artes marciales.

La violencia pasaría a ser representada, ahora, de forma más cruda y atroz debido a que los espectadores estaban siendo expuestos al ataque explícito a los cuerpos cada noche en sus hogares. El brutal desenlace de Bonnie y Clide, que todos tenemos grabado en la mente, fue exhibido en 1967. Un nuevo tipo de guerras implicaba, en definitiva, un nuevo tipo de cine. La muerte de los ídolos y de las bellas glorias de los cuarenta, cincuenta y sesenta pasaba por la toma del relevo por una nueva generación de directores jóvenes con ganas de romper el paradigma superior: Spielberg, Scorsese, Lucas, Coppola y De Palma.

Es un hecho innegable que Tarantino se acerca al final de su carrera artística dentro del cine. En 2022 se cumplirán ya treinta años del estreno de su primer filme, Reservoir Dogs, y desde entonces tras ocho películas ha conseguido alcanzar el equilibrio perfecto entre su estilo personal distintivo y el código mayoritario. Que Tarantino es uno de los directores más influyentes de la actualidad se puede evidenciar con cada estreno de uno de sus nuevos filmes, consiguiendo atraer el interés de crítica y público a partes iguales, y no solamente del más puritano. Como gran amante del cine que es, en sus películas ha tratado de alabar las obras fílmicas que lo han hecho crecer y demostrar cómo el cine ―con la representación narrativa de unos hechos ficticios― y la sociedad ―la realidad presente en nuestro día a día― son elementos complementarios que se influyen recíprocamente, ubicando sus películas en los límites del espacio de representación.

Al final, ninguno nos quedamos indiferentes cuando miramos una película de este autor y eso solo puede llevarnos a una conclusión clara. El cine cambia la historia tanto como la historia cambia el cine, y el cine de Tarantino nos cambia a todos nosotros.

Un artículo de Carlos Cuesta

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Nos encontramos en el Lejano Oeste en el año 1858, justo dos años antes de que empiece la Guerra Civil, un pequeño grupo de esclavos camina pesadamente mientras dos hombres blancos los escoltan. Una noche, en un pequeño bosque, este peculiar grupo se topa con el Dr. King Schultz, un peculiar cazarrecompensas y antiguo dentista alemán, que anda en busca de un esclavo que haya podido a los hermanos Brittle, unos peligrosos delincuentes fugados culpables de que Django esté dónde esté. Y resulta que, el único esclavo que los ha visto es Django. Tras un pequeño altercado, la pareja formada por Schultz y Django empiezan un asociación que los convertirá en unos fructíferos cazarrecompensas. Durante este tiempo, los dos hombres se conocerán personalmente el uno y al otro, haciendo que Schultz descubra que Django tiene una esposa llamada Broomhilda von Shaft, que fue malvendida como castigo. El origen alemán de la chica y la intención del antiguo esclavo de liberarla, los lleva a ambos a seguir su rastro para encontrarla en la plantación de un peligroso negrero llamado Calvin Candie, al que intentarán embaucar para comprar la desafortunada esposa de Django.

Quentin Tarantino es un atrevido, y de los que los tienen grandes como un toro y bien cuadrados. Vale, hace un western, hasta aquí todo perfecto, pero no uno cualquiera, ya que además tratar temas habituales del género como los cazarrecompensas y los ladrones de ganado, encima toca un tema tan peliagudo como es la esclavitud y, para colmo, lo hace siguiendo con su peculiar manera de hacer cine, es decir, sin cortarse un pelo en nada, ni en los diálogos, ni el sadismo y, por supuesto, en la sangre. Aún así, si alguien pudiera pensar que trataría un tema como la esclavitud de cualquiera manera, siempre a favor del espectáculo se equivoca, pues, si eliminamos todas las capas de cine, queda un testimonio bastante realista de lo que fue la esclavitud en el sur de los Estados Unidos durante la segunda mitad del siglo XIX. Se podría decir que Django Desencadenado es una forma agradable de conocer un tema como la esclavitud, pero cuando Tarantino no trata un tema con litros de sangre, se lo toma más que en serio. Testimonio de ello en esta película quedan las escenas de brutales torturas, las peleas de «mandingos», o las pesadas caminatas de esclavos con cadenas en los tobillos. Cuando dejamos de lado estas escenas, aparecen unos diálogos punzantes, sobre todo, cuando el personaje de Django no debe ser tratado como un esclavo, a lo que una de las esclavas afirma: «¿Le tenemos que tratar como un blanco?», a lo que su propietario responde incómodo: «Yo no he dicho esto». Del mismo modo, sucede cuando descubrimos que el abogado de Calvin Candie tiene su destino marcado en la piel como cualquier otro esclavo, algo que ve Django y que, por supuesto, debe ser tomado como una «pequeña impertinencia». En este sentido, también resulta muy interesante ver como el personaje del Dr. King Schultz capee el temporal de la esclavitud, ya que si bien es algo que rechaza, liberando a Django inmediatamente después de «comprarlo», se ve obligado a convivir con ello y dejar que aquellos que la defensa, la utilicen sin inmutarse. Este comportamiento debía ser el de muchos hombres y mujeres blancos que querían repudiarlo, pero que, por su posición económica o por otros motivos, no podían evitarlo.

Pero, si bien es importante conocer estas horribles realidades de la historia de la humanidad, lo mejor será que pasemos a temas más agradables y menos serios, como… ¡La sangre!

Algo que siempre me he preguntado es si la sangre falsa la venden a granel o algo por estilo, ya que Tarantino la usa como si fuera algo que crece en cualquier árbol. A no ser que, como mínimo, le hagan algún tipo de descuento cuando la compra.

Y, hablando de sangre, Leonardo DiCaprio se metió tanto en el papel que, en la escena en que le sangra la mano, realmente le estaba sangrando, sin embargo el actor, tras darse cuenta, siguió con su brillante actuación de villano, aunque, podemos suponer que, cuando con la sangre enguarra la cara de la actriz Kerry Washington, responsable de interpreta a la pobre Broomhilda, la sangre era falsa, y más con el descuento especial que tiene Tarantino.

Una lapidaria:
«Caballeros, ya contaban con mi curiosidad, pero ahora cuentan con mi atención».

Dejando de lado este elemento, tan habitual en la filmografía de Tarantino, la verdad es que el ritmo que habitualmente utiliza el de Knoxville, le viene al pelo al género del western. El ritmo de las escenas de Tarantino acostumbra a ser pausado, incluso lento, pero cargado de una tensión que se puede romper en cualquier momento para acelerar la acción de golpe y porrazo dejándonos apabullados, y es eso exactamente lo que sucede en Django Desencadenado. Hay largas tomas a caballo, primeros planos casi estáticos, conversaciones largas y pausadas pero, de repente, un tiroteo surgido de la nada o una explosión increíble que revientan a la mitad de personajes que hay en escena.

Lo curioso es que no importa los personajes que mueran en cada escena, porque la película está repleta de personajes tan buenos, que no importa, siempre hay otro que lo remplace. Por ejemplo, al principio, el villano es Big Daddy interpretado Don Johnson, un típico esclavista del sur, cuando muere, no passa nada, ahí está DiCaprio con su Calvin Candie —del que ya hablaremos más adelante—; y, si no, también esta el personaje de Walton Goggins o el de Samuel L. Jackson para remplazarlos.

Pero bueno, creo que me estoy yendo por los cerros de Úbeda, pero es que Django Desencadenado tiene tanto que dar.

Volviendo a la película, tiene todos los elementos del western clásico, y no de un western cualquiera, nada más y nada menos que del spaghetti western. Solo para empezar el nombre de la película y de su personaje principal proviene de una película de 1966 protagonizada por Franco Nero… ¡Qué también aparece! El veterano actor italiano interviene en una breve escena a modo de cameo, dando un lugar una conversación de Django a Django: «D-J-A-N-G-O… La D es muda», a lo que Franco Nero responde: «Lo sé», ¡Pues claro que lo sabe! Él fue el primero en llevar ese nombre. Después está el tema de los créditos, presentados al principio mientras brevemente nos presentan el escenario en que transcurrirá la película. Y, como broche de oro, la banda sonora… ¡Y qué banda sonora! Repleta de clásicos del género, como los main titles de Django, Lo chiamavano King o Lo chiamavano Trinità, dándole ese toque retro que tanto gusta.

Pero lo que realmente hace especial a esta película, como ya hemos dicho un poco más arriba, es la brillante historia y la increíble puesta en escena. A pesar de durar más de dos horas y media, Tarantino consigue que en ningún momento nos aburramos, y, en gran parte, es gracias al buen trabajo que ha hecho el reparto con cada uno de sus personajes.

Para empezar tenemos a la pareja protagonista. Por un lado está Jamie Foxx que da vida a Django, un personaje que evoluciona con la historia, pasa del esclavo compungido al temible vengador a caballo, «el revólver más rápido del Sur». Por el otro, encontramos a Christoph Waltz que, una vez más, bordó el personaje que le ofreció —o le hizo a medida— Tarantino, que le valió su segundo Oscar como actor secundario —siendo el primero el que ganó con Malditos Bastardos (2009)—, y es que se lo merecía. El personaje es apacible, tranquilo y calmado, sin embargo cuando King Schultz debe disparar, dispara, y no falla.

Además de estos dos actores, que llevan el peso de la película sobre sus hombros, en Django Desencadenado podremos ver todo el repertorio de personajes típico de un western, interpretado por un elenco de postín: Kerry Washington, Samuel L. Jackson, Walton Goggins, Dennis Christopher, James Remar, David Steen, Sammi Rotibi, Don Johnson, James Russo, Tom Wopat, Don Stroud, Russ y Amber Tamblyn, Bruce Dern, M.C. Gainey, Jonah Hill, Zoë Bell, Robert Carradine, Tom Savini, Michael Parks, incluso el propio Tarantino se pone ante la cámara.

Pero sobre todos ellos, el que brilla con luz propia es Leonardo DiCaprio en el papel de Calvin Candie. Habituados como nos tiene el actor a sus personajes de bueno protagonista, cuando lo vemos aparecer en Django Desencadenado —habiendo pasado ya más de una hora de película— nos sorprende, pero es para bien. Ya que el el señor DiCaprio hace todo un señor papelón de villano, convirtiéndose en poco tiempo en uno de los grandes villanos del cine moderno.

Seguramente podría estar días hablando sobre esta película, daría para un libro, hay pequeños detalles que se nos escapan, pero están allí. Y es que Tarantino tiene algo que hace que lo odies o lo ames, incluso hay veces que necesitas ver una de sus películas más de una vez para apreciarla, sin embargo, algo que ha conseguido con Django Desencadenado, que también consiguió con su predecesora, Malditos Bastardos, es crear una película de esas de matrícula de honor. Por mucho que se niegue, debemos admitir cuando una película es buena se mire por donde se mire.

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¿Qué pasaría si en una misma historia juntásemos el polvoriento desierto de México, dos delincuentes fugados, una familia de vacaciones, las sinuosas curvas de una bailarina exótica y unos vampiros sedientos de sangre? Pues que daría lugar a una de las mayores locuras que ha visto la historia del cine… Abierto hasta el amanecer.

Jacob Fuller es un pastor, que tras la muerte de su esposa ha perdido la fe, que está haciendo un viaje hacia México con sus hijos, Kate y Scott. El viaje, si bien aburrido, transcurre tranquilo hasta que, para su mala suerte, en su camino se cruzan Seth y Richard Gecko, dos fugitivos de la justicia que van dejando un reguero de sangre y destrucción tras ellos. Los hermanos los secuestran y los utilizan como tapadera para entrar en México, donde les espera un mafioso en un bar de carretera conocido como «La teta enroscada». A pesar de la incomodidad de estar secuestrados, Jacob y su familia acceden a acompañar a los Gecko en ese antro donde el alcohol corre como el agua en el río, sin saber que acaban de cometer el peor de sus errores. Sin ser conscientes de ello, los Fuller y los Gecko han acabado en el buffet libre de una grupo de vampiros, siendo su plato principal. Durante la noche más larga de su vida, todos ellos deberán hacer lo imposible para salir con vida de esa diabólica trampa que les ha tendido el destino.

Si nos paramos a pensar qué tiene Abierto hasta el amenecer de cada uno de sus padres, es inevitable que el único resultado sea este. Por un lado tenemos al experto en efectos de maquillaje, Robert Kurtzman, que ha participado en casi un centenar de películas, entre las que se incluyen Terroríficamente muertos (Sam Raimi, 1987), Pulp Fiction (Quentin Tarantino, 1994) y El mexicano (Robert Rodríguez, 2003), y el creo la historia de de esta película. En segundo lugar, está un hombre que no necesita presentación, Quentin Tarantino, que además de interpretar uno de los personajes principales, se hizo cargo del screenplay, convirtiendo la sangrienta aventura de Kurtzman en un producto apto para el cine, añadiendo esos toques que tanto nos gustan de su cine. Y, finalmente, el responsable de dirigirla fue un joven Robert Rodríguez, que hasta entonces solo se había hecho cargo de algún corto, de su opera prima El mariachi (1992) y del taquillazo protagonizado por Antonio Banderas, Desperado (1995).

El resultado es una película muy pasada de vueltas, trepidante, divertida y sangrienta, muy, muy sangrienta. Pero, ¿qué podíamos esperar de la combinación de tres mentes tan perturbadas como las de Rodríguez, Tarantino y Kurtzman?

El protagonista de Abierto hasta el amanecer es un irreconocible George Clooney, no tanto por la falta de canas, sino por interpretar un personaje tan alejado del galán al que últimamente nos tiene acostumbrados. Clooney se convierte en el ladrón Seth Gecko que, además de conseguir huir de la justicia, deberá controlar al psicópata de su hermano, interpretado por Quentin Tarantino. Al lado de estos dos actores, estarán los Fuller, una familia interpretada por un brillante Harvey Keitel, que se mete en el papel de digno pastor arrepentido por perder la fe, por Juliette Lewis como su hija Kate y Ernest Liu como Scott, su hijo origen adoptivo de origen chino.

Y si este reparto principal ya parece increíble, además tratándose de una película de estas características —ya querrían muchos directores de «primera línea» tenerlo—, seguiremos alucinando cuando veamos a secundarios de la talla Salma Hayek, Fred Williamson, Cheech Marin o John Hawkes, además de habituales del género como los incombustibles Tom Savini y Danny Trejo.

Debo admitir que Abierto hasta el amanecer es una película que tarda un poco en empezar —algo habitual en las cintas de la «Escuela Tarantino»—, sin embargo, cuando lo hace, es de golpe y por la puerta grande. Esta película tiene ese doble juego tan característico del director de Knoxville, entre la trepidante, violenta y sangrienta acción, y los diálogos mordaces y llenos de referencias y juegos de palabras —además de un tacos por un tubo—, que nos llevaría a pensar que es obra suya y no de su discípulo, Robert Rodríguez. Ahora bien, algo que marca la diferencia con otros títulos de la filmografía de Tarantino —además del hecho de estar dirigida por Rodriguez, claro—, es que aparece el elemento sobrenatural de los vampiros. Si nos fijamos, las películas de Tarantino contienen mucha sangre, pero nunca monstruos ni cosas por el estilo, incluso la peli de terror, Death Proof —perteneciente a la bilogía de Grindhouse—, no contiene ningún elemento sobrenatural o extraño.

Lo curioso de Abierto hasta el amanecer, está en que, si bien la acción empieza de golpe, también se acaba de este modo, dejándonos durante unos segundos con un «Y ¿ya está?» en la boca, hasta que nos la cierran de un plumazo con un plano brillantemente argumentado, antes de meternos los títulos de crédito.

Abierto hasta el amanecer es una de esas películas que, al estrenarse, fueron recibidas con cierto recelo, pero que el tiempo la ha puesto en su lugar ensalzándola hasta el lugar dónde pertenece, el Olimpo de la Serie B y el Pulp.

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Antes de empezar a hablar de The Hateful Eight —lo siento, la traducción de Los odiosos ocho me supera, haciendo que la peli pierda solo por el título—, debemos tener dos cosas muy claras:

Primera: The Hateful Eight no tiene nada que ver con Django Desencadenado. Sí, es un western de Quentin Tarantino, pero hasta ahí, nada más que ver. Mientras que Django es un claro tributo a los spaghetti western de los sesenta, con la típica patina sanguinolenta de Tarantino, The Hateful Eight es mucho más que eso.

Segunda: Si nos dijeran que The Hateful Eight no es una película de Tarantino, habría momentos que nos lo creeríamos. Hay ciertos elementos imposibles de evitar, como la colección de tacos, la repetición hasta el infinito de la palabra «negro» y cierto nivel de sangre, pero no son más que una cubierta, ya que la historia que nos cuenta está tan alejada de lo que nos había mostrado hasta ahora, tanto en contenido como en continente, que rápidamente nos olvidamos de los tacos y la sangre.

Unos años después de la Guerra de Secesión, durante una fuerte ventisca de nieve arremete en las salvajes montañas de Wyoming, ocho extraños personajes deberán recluirse en una pequeña cabaña de paso en mitad del camino para protegerse del temporal. Un cazador de recompensas, un verdugo, su prisionera, un sheriff, un mejicano, un hombrecito, un vaquero y un general confederado. Lo curioso es que, todos parecen no conocerse, pero a medida que las palabras vuelen por el aire, también lo harán las balas.

En las frías horas de la noche, los personajes se darán a conocer en unos diálogos en los que la tensión ira in crescendo, pero la forma de presentarlo, siempre da la impresión de que no sucederá nada, y solo será una larga e incómoda noche. Pero sabemos que Tarantino no es así. Llegados a este punto, en el que parece que la historia se ha estancado y solo nos falta esperar a que Tarantino derroche toda la sangre falsa que todavía no ha utilizado, de repente… ¡Pam! Aparece un pequeño hecho que te atrae nuestra atención de nuevo hacia la trama, haciendo que esta tome una dirección completamente diferente de la que había tenido hasta ahora.

La puesta en escena, si bien espectacular y muy cuidada, es muy sencilla. En muchos sentidos podría decirse que es una película de estilo teatral, hay pocos personajes y toda la acción —o al menos la principal— transcurre en un solo escenario que será partícipe de todo lo que suceda en él. Una cabaña perdida en las montañas de Wyoming, aislada durante una fuerte ventisca, es el escenario perfecto para que cualquiera historia se desarrolle…

Pero, ¿quiénes son los «odiosos ocho»? Antes de responder a esta pregunta, debemos saber que, ninguno de ellos, está en la cabaña sin una maldita buen razón.

Samuel L. Jackson es el Mayor Marquis Warren, un oficial de color del ejército del Norte, que una vez acabada la guerra se ha reconvertido en cazador de recompensas, un hombre que no duda en disparar contra aquel que le pueda dar unos buenos mil dólares. Un hombre inteligente y, que durante toda la película, nos demostrará que, a pesar de la situación, siempre está un paso o dos por delante de los demás.

Kurt Russell interpreta a John Ruth, un verdugo o «ahorcador» que se dedica a cazar su propias presas, aunque, a diferencia de Warren, lo hace con vida para poder colgarlas de lo más alto del cadalso y hacer justicia. Un hombre duro y desconfiado, que hará todo lo que esté en sus manos para llevar a su prisionera a Red Rock, donde cobrará la recompensa.

Jennifer Jason Leigh es Daisy Domergue, la única mujer «odiosa», una asesina condenada y cuya cabeza vale sus buenos diez mil dólares. A pesar de recibir constantes castigos de Ruth, Daisy no dudará en abrir la boca cuando pretenda decir algo, aunque con ello se gane un puñetazo o taza de café ardiendo en la cara.

Walton Goggins da vida al flamante sheriff de Red Rock, Chris Mannix, que viaja para tomar el cargo que el gobierno de la Unión le ha concedido, aunque en su interior es un auténtico hombre del Sur, por lo que tendrás sus más y sus menos con el Mayor Warren, y aunque muchas veces parece un bocazas imbécil, al final sabrá tomar una buena decisión y reconocer quiénes son los buenos.

Demián Bichir es Bob, un mejicano al cargo de la cabaña de Minnie y Sweet Dave, los dueños, que se hace responsable de todo, desde la cocina a los caballos, para que sus huéspedes puedan pasar de la mejor manera la noche bajo la ventisca que los acecha. Sin embargo, es un hombre muy lejos de su hogar, por lo que tiene más de un secreto que esconder.

Tim Roth interpreta a Oswaldo Mobray, el supuesto nuevo verdugo de Red Rock, que se hará cargo de la ejecución de Daisy Domergue en cuanto lleguen a la ciudad. Es un hombrecillo astuto que hace su trabajo y que aborrece la violencia, intentando poner paz en todos los posibles conflictos que se presenten en la cabaña. Aún así, parece saber más de lo que cuenta.

Michael Madsen se pone en la piel del misterioso Joe Gage, un vaquero de camino a casa de su madre por Navidad, y que está escribiendo su propia biografía. A pesar de que intenta mantenerse apartado del resto de miembros de la cabaña y de sus discusiones, para conocer muy bien como funciona el lugar, dónde están las cosas, y que hay más allá de sus paredes, da la impresión de que estuviera esperando algo.

Finalmente, el veterano Bruce Dern interpreta al General Sandfor «Sandy» Smithers, un antiguo oficial del sur que se ve obligado a vivir en un país cuyas leyes no comparte, aunque ya no tiene edad para discutir con los del Norte. A pesar de un sangriento pasado al mano de la caballería de los Confederados, aún parece ser un venerable anciano en busca del desaparecido hijo.

Esto es como los personajes se presentan durante los primeros capítulos de The Hateful Eight, pero debo advertiros de que no todos son lo que parecen, y que más de dos mienten como auténticos bellacos. ¿Quiénes? Ahí está la clave de la historia que nos presenta Tarantino.

Seguramente os estaréis preguntando, si estos son los «ocho», ¿a quién interpreta Channing Tatum? Pues excelente pregunta, id a las salas y disfrutad del giro argumental que nos sorprenderá a todos, en el que también participarán James Parks, Dana Gourrier, Zoë Bell, Gene Jones, Lee Horsley, Keith Jefferson, Craig Stark y Belinda Owino.

Lo primero que sorprende es que, como ya comentaba al principio, es la poca cantidad de sangre que hay en The Hateful Eight. A pesar de que hay mucha pintura roja, esta película no es clásico derroche de sangre al que nos tiene acostumbrados Tarantino. Pero no nos confundamos, The Hateful Eight es una película violenta, muy violenta, incluso más que algunas de sus predecesoras. Sin embargo, esta violencia es muy realista, muy seria y muy cruda, a la vez que está muy bien dosificada durante las tres horas de película, de tal manera que pasa a un segundo plano.

En este sentido, uno de los elementos que más llama la atención es que The Hateful Eight no es un western a usanza. Sí, tiene todos los elementos para serlo, pero tanto la historia como la forma de presentarla, en la que Tarantino vuelve a utilizar sus famosos «capítulos», cual libro. Como también he querido puntualizar al principio, The Hateful Eight no se parece a Django Desencadenado y, por lo tanto, tampoco se parece a los spaghetti westerns de los sesenta, pero tampoco se parece a la obra de John Ford o sus semejantes, sino que es otro estilo de western. La forma de presentarla —con el recortado elenco y el único escenario— impide los grandes duelos bajo el sol, o las idas y venidas a lomos de caballos al trote, sino que es un obra en la que todo el peso recae en el guión y en la interpretación de los protagonistas. Además, si bien hay disparos, contadas son los balas que se desperdician, y ninguna es la ocasión en la que se vacía el cargador sobre alguien, sino que cada vez que se desenfunda un revólver, es por una más que justificada razón argumental. No los he contado, pero poco me equivocaría al decir que solo se efectúan una veintena de disparos, algo que en Django se sobrepasa en una sola escena. ¿Qué quiero decir con esto? Pues que nadie vaya a salas esperando ver algo parecido a Django, ya que se encontrará con un western más serio y con una trama muy bien elaborada y sin brechas, en mi humilde opinión, The Hateful Eight es un western de estudio, no es un gran espectáculo, sino una gran película.

Aunque en el pasado, justo después del estreno de Django Desencadenado, el mismo Ennio Morricone, uno de los maestros de las bandas sonoras —sobre todo de westerns—, dijo que jamás trabajaría con Tarantino, parece que la nueva dirección de este western, lo convenció para hacerlo diferente. El maestro italiano compuso una banda sonora original de unos cincuenta minutos, haciendo que, por primera vez, Tarantino haga una película musicalizada de este modo. Aunque, como no podía ser de otro modo, el de Knoxville utilizó canciones que nos sonarán —aunque no a western, como fue el caso de Django—, con canciones pertenecientes a títulos tan diferentes a un western como La cosa (John Carpenter, 1982) o Exorcista II: El Hereje (John Boorman), también compuestas por Morricone.

Para seros sincero, es una película que me ha dejado literalmente apabullado. Cuando el último fotograma se fundió en negro y empezaron a salir los créditos, me quede sin habla, simplemente me pareció perfecta y muy bien hecha, tanto en la forma como su historia. Es por este motivo, creo, sin temor a equivocarme, que, para mí, el tan esperado año 2016, cinematográficamente se ha acabado a primeros de enero, justo después de ver The Hateful Eight. Si me dijeran, este año ya no se estrena ninguna película más, mi respuesta sería: «¡Me da igual! Siempre tendré The Hateful Eight».

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«Cuando la gente me pregunta si fui a la escuela de cine les digo: “No, fui al cine”». Y debe ser así, porqué se nota cuando uno ve una película de Tarantino, que este hombre ha visto mucho cine y tiene claro lo que le gusta.

Cualquiera podría decir que la única gracia de las películas de Tarantino es la sangre y la violencia extrema, sin embargo, se estaría equivocando al concentrar todo el estilo de este realizador en un solo elemento de los que le caracterizan. Si se tuviera que escoger una sola de las características de su estilo —que por suerte es algo que tenemos que hacer—, debería escogerse su especial habilidad en la mescolanza de géneros muy dispares. Repasando su filmografía —tanto como director como guionista— veremos que ha trabajado suspense, cultura pop, humor, blaxploitation, ninjas y samuráis, grindhouse, bélico, western, vampiros, gore y un largo etcétera. Y lo mejor de ello es que no lo ha hecho cogiendo cada vez un género diferente, ni mucho menos, sino que se ha dedicado a mezclarlos, incluso dando lugar a diferentes estilos de rodaje, según si en esa escena utilizaba uno u otro. En este sentido, Kill Bill es el ejemplo más claro de este coctel de géneros, ya que en una sola película —para aquellos que no lo sepan la intención de Tarantino era estrenar las dos partes juntas— tenemos elementos de las películas de samuráis, películas de ninjas, thrillers de acción, escenas realizadas como anime, y todo ello ambientado en el suroeste de Estados Unidos, escenario típico de westerns. Por otro lado, referente al cambio de estilo de rodaje según la escena, encontramos Malditos Bastardos, en la que se cruzan varias historias y se llevan a cabo de forma distinta —cambiando enfoques, fotografía, banda sonora, etcétera— según si se narra la historia de Aldo Raine, más del estilo de las películas bélicas clásicas, como Los violentos de Kelly (Brian G. Hutton, 1970) o Doce del patíbulo (Robert Aldrich, 1967); mientras que las escenas protagonizadas por Shoshanna son llevadas a cabo de forma más drámatica e intimista, acorde con la historia que se está contando. Es por esto que Tarantino tienen ese algo especial, esa misteriosa habilidad, en convertir las tramas e historias clásicas de la Serie B —kung-fu, ninjas, western, vampiros—, en grandes éxitos del cine.

Venga, va, ahora hablaremos de la sangre. Bien es sabido que Tarantino tiene una tendencia natural a usar en exceso la sangre, llegando al extremo que tuvo que poner en blanco y negro la escena de «Los 88 maníacos» de Kill Bill para pasar la censura americana. No puedo negar que sin los litros de sangre, muchas veces exagerados —como sucede en la escena del tiroteo en casa de Calvin Candie, en la que la sangre sale a borbotones de los cuerpos, incluso cuando están muertos, siguen soltando grandes chorros de sangre cada vez que reciben un balazo—, el cine de Tarantino no sería lo mismo. Pero lo que siempre me he preguntado, ¿le hacen algún tipo de oferta en sangre falsa? A ver, visto como un negocio, si yo fuera un fabricante de sangre falsa haría lo que fuera para conseguir un contrato en exclusiva con este tío, porque literalmente me haría de oro. Pero volviendo a la sangre y la violencia, ya clásicas del estilo de Tarantino, es algo que le ha granjeado gran número de críticas, muchos porque no entendían el motivo de su uso y muchos otros por tener miedo que esta violencia, supuestamente gratuita, desembocara en violencia real… ¡Es que nadie piensa en los niños! Pero, por un segundo, imaginémonos como sería Django Desencadenado sin la sangre y la violencia, o Malditos Bastardos, o Reservoir Dogs… ¡O Pulp Fiction! Seguramente se hubieran convertido en cintas carentes de sentido, ya que muchas escenas e historias de Tarantino no se entenderían sin todos esos litros de sangre saliendo a chorro de todas partes. Sin ir más lejos, la mítica escena en la que Michael Madsen corta la oreja a Kirk Baltz en Reservoir Dogs, fue tan fuerte que incluso la gente abandonaba la sala por no poder soportarla, incluso Rick Baker, especialista en efectos de maquillaje, tuvo que dejar de ver la peli porque, como él mismo afirmó: «la violencia de esa escena era enervante por su alto grado de sensación de realismo».

La pregunta que supongo que todos os estaréis haciendo —y si no lo hacéis, deberíais—, es ¿de dónde ha salido todo este imaginario que ha utilizado Tarantino en sus películas durante más de veinte años? Pues es algo muy sencillo, y que hace referencia a su escuela, el cine. A pesar de haber nacido en Knoxville, Tennessee, desde que tuvo dos años Tarantino creció y se educó al sur de Los Ángeles, en un barrio con un alto grado de mezcla étnica, estando expuesto a un gran número de influencias y culturas populares. Para colmo, cuando tuvo quince años abandonó los estudios para dedicarse en cuerpo y alma a tomar clases de actuación. Además, Tarantino creció en un lugar en el que las salas de cine todavía proyectaban un sin número de películas de kung fu, artes marciales y una larga lista típica de la serie B, y terminó trabajando en un videoclub, en el que discutía día y noche de cine, a la vez que recomendaba películas a los clientes, y se fijaba con ávido interés el tipo de películas que le gustaba alquilar a la gente. No es de extrañar pues, que después de recibir esta curiosa y ecléctica educación cinematográfica, el tipo de cine que ha escribe, dirige y produce este realizador tenga un estilo tan característico.

Tarantino es uno de los maestros modernos del cine, ya que con solo siete películas estrenadas hasta el día de hoy ha conseguido hacerse un hueco entre los grandes del cine de todos los tiempos. ¿Qué cómo sé que es un maestro, un autor que dirían algunos? Pues muy sencillo, porque le odias o lo amas, pero no te deja indiferente. Igual que sucede con Alfred Hitchcock o Woody Allen, Tarantino o te gusta mucho o no te gusta nada lo que hace, y es normal, porque su cine tiene un sello muy identificativo, y no me refiero solo a la sangre y la violencia, sino también al tipo de historias que narra y como lo hace, de esa forma tan poco convencional que lo ha convertido en lo que es, simplemente… Tarantino.

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