Cuando HBO anunció El caballero de los siete reinos, muchos pensamos que sería el spin-off pequeño del universo de Juego de Tronos: una historia menor, sin dragones ni guerras gigantes, casi un interludio entre producciones más ambiciosas como La casa del dragón. Y, en cierto modo, lo es. Pero lo curioso es que precisamente ahí está su mayor virtud. Esta primera temporada demuestra que el mundo creado por George R. R. Martin no necesita ejércitos colosales ni presupuestos desorbitados para funcionar. A veces basta con un caballero errante, un escudero espabilado y un buen puñado de personajes con alma.

La serie adapta el primero de los relatos de Dunk y Egg y lo hace con bastante respeto por el material original. Aquí seguimos a Ser Duncan el Alto, un caballero tan grande como ingenuo, y a su joven escudero Egg, en una historia que recuerda más a un cuento medieval que a una gran saga épica. La trama gira en torno a un torneo de justas y a los conflictos que surgen alrededor, algo que en otras series sería apenas una subtrama, pero que aquí se convierte en el eje narrativo. Es una historia sencilla, incluso modesta, pero contada con cariño y con un ritmo que deja respirar a los personajes.

La diferencia con Juego de Tronos es evidente desde el primer episodio. Aquella serie jugaba a lo grande: conspiraciones políticas, múltiples tramas paralelas, decenas de personajes y una sensación constante de que el destino de todo un continente estaba en juego. El caballero de los siete reinos funciona justo al revés. Es más íntima, más cercana y mucho más ligera de tono. Aquí no estamos viendo cómo se decide el futuro de Poniente, sino las andanzas de dos viajeros que van aprendiendo cómo funciona el mundo. Y esa escala reducida le sienta sorprendentemente bien.

También se distancia bastante de La casa del dragón, que pese a tener momentos interesantes siempre ha sido una serie obsesionada con el espectáculo, los linajes y las intrigas familiares. En El caballero de los siete reinos todo es más humano y terrenal. Los conflictos son pequeños, pero las emociones resultan más cercanas. Los personajes tienen motivaciones claras y evolucionan de forma natural, algo que recuerda mucho a las primeras temporadas de Juego de Tronos, cuando el peso de la historia recaía más en la construcción de personajes que en la pirotecnia visual.

En ese sentido, el dúo protagonista funciona de maravilla. Peter Claffey encarna a Duncan con una mezcla perfecta de nobleza, torpeza y honestidad que hace que el personaje resulte inmediatamente simpático. Y Dexter Sol Ansell, como Egg, aporta la inteligencia y la picardía necesarias para equilibrar la pareja. La química entre ambos es el verdadero motor de la serie, y gran parte del encanto de la temporada reside en ver cómo se desarrolla su relación.

Visualmente la serie también tiene personalidad propia dentro del universo de Poniente. No es tan sombría como sus hermanas mayores; de hecho, el uso del color es algo más vivo y la fotografía apuesta por una estética más luminosa. Los paisajes tienen presencia y los interiores están rodados con cierto aire pictórico que refuerza la sensación de estar viendo una historia casi legendaria. Y aunque la serie no vive de las grandes batallas, cuando llega la acción —especialmente durante el torneo— está bien coreografiada y se siente física, brutal y creíble.

El tono general también es distinto. Hay humor, algo poco habitual en este universo, pero está dosificado con bastante inteligencia. No convierte la serie en una comedia, pero sí introduce un punto de ligereza que encaja muy bien con el carácter humilde del protagonista. De hecho, por momentos la historia recuerda más a un relato picaresco, casi a una mezcla entre Don Quijote y El Lazarillo de Tormes pasada por el filtro de Poniente.

Comparada con Los anillos de poder, la diferencia de enfoque es todavía más evidente. Aquella fue una de las producciones más caras y promocionadas de la televisión reciente: un despliegue enorme de presupuesto, marketing y ambición que parecía querer demostrar en cada plano lo gigantesca que era. El problema es que tanta grandilocuencia acabó jugando en su contra. Entre paisajes digitales interminables, tramas que se tomaban demasiado en serio a sí mismas y personajes que nunca terminaban de conectar con el público, la serie terminó dejando una sensación bastante fría pese a su escala monumental.

El caballero de los siete reinos hace justo lo contrario. Es una producción mucho más modesta, más pequeña y casi familiar dentro del universo de Poniente. Tiene menos presupuesto, menos ruido publicitario y ninguna necesidad de impresionar constantemente al espectador con grandes efectos digitales. Y, sin embargo, ha conectado mucho mejor con el público. Donde Los anillos de poder parecía obsesionada con ser la serie más grande del momento, El caballero de los siete reinos se limita a contar una buena historia con personajes interesantes. A veces el secreto no está en hacer algo más grande, sino en hacerlo mejor.

Eso no significa que todo sea perfecto. Al tratarse de una temporada corta —apenas seis episodios— hay momentos en los que ciertos personajes secundarios aparecen y desaparecen con demasiada rapidez. Y algún toque de humor escatológico en los primeros capítulos resulta un poco innecesario, como si la serie quisiera recalcar demasiado que no es tan oscura como sus predecesoras. Son detalles menores, pero están ahí.

Aun con esas pequeñas pegas, la primera temporada de El caballero de los siete reinos es una sorpresa muy agradable. No pretende competir con la escala épica de Juego de Tronos ni con el espectáculo de La casa del dragón, y quizá por eso funciona tan bien. Es una historia sencilla, casi un cuento medieval sobre honor, amistad y caballería en un mundo donde esos valores ya no abundan. Y a veces, en medio de tanta superproducción obsesionada con ser la más grande del streaming, se agradece encontrarse con algo que simplemente quiere contar una buena historia.

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Cuando James Gunn anunció que quería hacer una serie centrada en Peacemaker, ese antihéroe violento y algo patético que conocimos en The Suicide Squad, confieso que lo tomé con escepticismo. ¿De verdad hacía falta una historia sobre ese tipo que decía “I cherish peace with all my heart — I don’t care how many men, women, and children I need to kill to get it”? Pero claro, James Gunn tiene un don: convertir a los inadaptados en protagonistas entrañables, y Peacemaker es prueba de ello.

Estrenada en 2022, fue un bombazo inesperado: irreverente, sangrienta, absurda y con corazón. Tres años después, la segunda temporada llegó en 2025 para demostrar que el caos puede evolucionar, que incluso un asesino con problemas con papá puede tener crecimiento emocional… y, sobre todo, que DC todavía puede ofrecer series con identidad.

La primera temporada funciona casi como una terapia encubierta disfrazada de serie de acción. Christopher Smith (John Cena) regresa tras los eventos de The Suicide Squad para integrarse en un equipo del gobierno que combate una invasión alienígena de mariposas mentales —sí, literal— mientras intenta procesar su culpa, su crianza y su necesidad de ser amado.

Lo que me encanta de esta temporada es su tono: un equilibrio imposible entre la violencia caricaturesca, el humor más bestia y momentos de verdadera vulnerabilidad. James Gunn logra que un personaje que podría ser una broma andante se convierta en alguien trágicamente humano.

El equipo —Danielle Brooks como Adebayo, Freddie Stroma como Vigilante, Jennifer Holland como Harcourt y Steve Agee como Economos— aporta variedad y dinamismo. Ninguno está solo para hacer reír: todos tienen su pequeño arco, sus heridas, sus decisiones cuestionables.

El humor funciona porque hay honestidad detrás del ridículo. Cena se entrega completamente al personaje: torpe, emocionalmente bloqueado, pero incapaz de dejar de intentar “hacer el bien”, aunque no tenga claro qué es eso. Y claro, el soundtrack ochentero, los créditos con esa coreografía absurda y gloriosa, y las peleas que parecen videoclips de metal le dan una identidad única.

¿Lo mejor? Su energía. ¿Lo peor? A veces, la trama se dispersa un poco con subtramas absurdas que rompen el ritmo (el arco de las mariposas podría haber durado un par de episodios menos). Pero en general, fue una de las series más refrescantes de su año.

Tres años después, la segunda temporada llega con un tono un poco distinto: menos paródico, más introspectivo, sin perder la acción ni el humor. Ahora Peacemaker se enfrenta a las consecuencias reales de sus actos: su imagen pública, la desconfianza del gobierno y, sobre todo, su propio trauma. Lo interesante es que Gunn (aquí como productor ejecutivo, con episodios dirigidos por Peter Safran y Jody Hill) mantiene la esencia punk pero añade capas emocionales más oscuras.

Esta temporada se nota más ambiciosa en escala y más madura en escritura. El conflicto no es solo físico (aunque sí hay nuevas amenazas sobrenaturales, más conectadas con el universo DC post-Superman de Gunn), sino moral: ¿puede alguien como Peacemaker realmente redimirse? ¿O su código de “paz a cualquier precio” lo condena a repetir sus errores?

El arco de Adebayo también brilla más: pasa de ser la “novata” del grupo a una mujer dividida entre su ética y las presiones institucionales. Harcourt, por su parte, asume un rol más central como líder emocional, mientras que Vigilante continúa siendo ese bufón adorablemente perturbado que aporta ligereza.

Técnicamente, la serie sigue siendo espectacular: las escenas de acción tienen coreografías más elaboradas y los efectos especiales, sin ser de gran presupuesto, se integran mejor. Pero lo que realmente destaca es la evolución del tono: menos “parodia sangrienta”, más “sátira con peso emocional”. Es como si la serie hubiera crecido con su protagonista.

Lo único que me chirría un poco es que en su intento de conectar más con el nuevo universo cinematográfico DC, algunos cameos y guiños se sienten algo forzados. Aun así, no rompen la experiencia: simplemente recuerdan que Peacemaker sigue siendo el punto medio entre lo gamberro y lo épico.

En conjunto, Peacemaker es una joya rara dentro del universo DC: una serie que no teme ser absurda, brutal, emocional y divertida al mismo tiempo. La primera temporada brilla por su frescura y descaro; la segunda, por su evolución emocional y su cohesión narrativa. Ambas se complementan: una presenta al personaje, la otra lo humaniza.

Aunque no todo es perfecto (algunos excesos de tono, ciertos episodios que se sienten de relleno), su mezcla de humor, acción y desarrollo de personajes la hace sobresalir. Peacemaker logra lo que muchas adaptaciones de cómic no consiguen: equilibrar el espectáculo con la introspección sin perder su identidad. Y sí, lo admito: sigo sin saltarme el opening. Es que no se puede evitar.

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Creada por el siempre sensible Hirokazu Koreeda, Makanai: la cocinera de las maiko es una serie basada en el manga de Aiko Koyama. A través de sus nueve episodios, Koreeda traslada su reconocible universo de emociones contenidas y relaciones humanas a un entorno tan fascinante como poco explorado: el de las casas de maiko (aprendices de geisha) en Kioto. El resultado es una obra que, más que narrar una historia convencional, invita a la contemplación, a saborear la belleza de lo cotidiano y el calor de los vínculos femeninos que se tejen alrededor de una mesa.

En un panorama audiovisual dominado por la prisa, Makanai se atreve a ir a contracorriente. No busca el conflicto ni el dramatismo; prefiere el murmullo al grito, la mirada al discurso. Es una serie que se toma su tiempo, y ese tempo pausado no es un defecto, sino parte esencial de su mensaje: la vida también ocurre entre fogones, entre risas suaves y aromas familiares.

Koreeda vuelve a demostrar su maestría en la dirección de actores y su talento para capturar la ternura sin caer en el sentimentalismo. La historia gira en torno a Kiyo (interpretada por Nana Mori) y Sumire (interpretada por Natsuki Deguchi), dos amigas de Aomori que se trasladan a Kioto con el sueño de convertirse en maiko. Sin embargo, mientras Sumire muestra talento natural para el arte del entretenimiento, Kiyo descubre que su verdadero don está en la cocina. Desde esa revelación, la serie encuentra su centro: la vocación como forma de felicidad y la amistad como sustento vital.

El guion, firmado por el propio Koreeda es sobrio y preciso. No hay giros dramáticos ni tramas forzadas. Cada episodio se estructura como un pequeño relato independiente, una viñeta que, en conjunto, conforma una meditación sobre el sentido del trabajo, la tradición y la madurez emocional. La cocina se convierte en metáfora: preparar una comida para otros es un acto de amor silencioso, una forma de cuidado que trasciende las palabras.

Visualmente, Makanai es una delicia. La fotografía de Ryuto Kondo —habitual colaborador de Koreeda— crea un retrato de Kioto tan luminoso como sereno. Los interiores de madera, los tejidos coloridos de los kimonos y la luz natural filtrándose entre los tatamis construyen una atmósfera casi pictórica. Cada plano parece pensado para ser contemplado. Es un trabajo de cámara que no impone, sino que observa; que permite que el espectador sienta el espacio, el tiempo y la textura de los gestos.

El reparto es impecable en su naturalidad. Nana Mori aporta a Kiyo una dulzura que nunca se vuelve ingenua; su alegría es tranquila, genuina, una presencia que reconforta. Natsuki Deguchi, en cambio, interpreta a Sumire con una mezcla de disciplina y fragilidad que encarna bien las exigencias del mundo de las maiko. A su alrededor, las mujeres mayores del okiya —en especial la matriarca interpretada por Keiko Matsuzaka— representan diferentes maneras de entender el deber, el sacrificio y la transmisión de la tradición. Koreeda no idealiza ese universo, pero lo trata con respeto. Muestra la rigidez del sistema, sí, pero también la dignidad con que estas mujeres encuentran belleza en la rutina.

En términos de ritmo, la serie puede resultar lenta para quienes busquen emociones más intensas. Pero ese sosiego no es simple lentitud: es coherencia estética. Koreeda filma la repetición diaria —cocinar, limpiar, ensayar— como una coreografía doméstica que revela el sentido profundo de la convivencia. Su estilo recuerda al de Yasujiro Ozu, con planos fijos y silencios prolongados que dicen más que cualquier diálogo.

La música de Yoko Kanno acompaña con sutileza, aportando una capa emocional que subraya los momentos clave sin subrayarlos en exceso. Es una banda sonora que respira con las imágenes, reforzando esa sensación de intimidad y de vida en equilibrio.

Desde el punto de vista del mensaje, Makanai reflexiona sobre la aceptación de uno mismo. No todos los sueños se cumplen como los imaginamos, y eso no significa fracasar. Kiyo no se convierte en maiko, pero encuentra en su papel de cocinera una plenitud que no depende del reconocimiento externo. En tiempos en que el éxito suele medirse en visibilidad, esta historia reivindica el valor de lo invisible: el trabajo silencioso, la constancia y la alegría de cuidar a otros.

Como espectadora, me dejó una sensación de serenidad y gratitud, algo poco frecuente en el audiovisual contemporáneo. No es una serie que se devore, sino que se saborea. Y aunque no todos tendrán la paciencia para su ritmo contemplativo, quienes se dejen llevar por su cadencia descubrirán una experiencia profundamente humana. Una serie luminosa, delicada y coherente con la mirada de Koreeda: un elogio a la calma, a la amistad y a la belleza de lo cotidiano, donde cada plato servido es, en realidad, una forma de amor.

Makanai: la cocinera de las maiko es una obra pequeña en apariencia, pero grande en sensibilidad. Koreeda nos recuerda que la emoción no necesita grandes gestos para existir; basta una sopa caliente, una sonrisa compartida o el sonido del cuchillo sobre la tabla para entender que el afecto también se cocina a fuego lento.

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Star Wars: Skeleton Crew es una serie de televisión de acción y aventuras ambientada en el vasto universo de Star Wars. A pesar de las altas expectativas y el potencial de la serie, presenta una serie de debilidades y problemas que dificultan su éxito y la satisfacción de los fans de Star Wars.

Skeleton Crew es una serie que sigue las aventuras de un grupo de niños en busca de su camino a casa después de quedar varados en una parte desconocida de la galaxia. La historia comienza cuando estos jóvenes, que viven en un planeta en el borde exterior, descubren accidentalmente una antigua nave espacial y deciden explorarla por curiosidad. Sin embargo, la nave se activa y los transporta lejos de su hogar, dejándolos solos y perdidos en el vasto universo. A lo largo de la serie, los protagonistas deben enfrentar diversos desafíos y peligros mientras intentan encontrar la manera de regresar a su planeta natal. En su viaje, se encuentran con personajes tanto aliados como enemigos, lo que les obliga a aprender a trabajar juntos y confiar en sus habilidades para sobrevivir.

Uno de los principales problemas de Star Wars: Skeleton Crew es su trama inconsistente y poco convincente. La historia se siente fragmentada y carece de una dirección clara. Los episodios están llenos de tramas secundarias que no aportan mucho al desarrollo de la narrativa principal, lo que resulta en una experiencia de visualización desconectada y confusa. Además, la serie introduce nuevos personajes y eventos que no logran integrarse de manera coherente con la mitología establecida de Star Wars, lo que puede resultar frustrante para los fans más dedicados.

Aunque Skeleton Crew intenta introducir una nueva generación de personajes en el universo de Star Wars, el desarrollo de estos personajes es superficial y poco satisfactorio. Los protagonistas carecen de profundidad y sus motivaciones no están bien definidas. Esto dificulta la conexión emocional con el público y la inversión en sus historias. Además, algunos personajes clave son introducidos y eliminados rápidamente, lo que añade una sensación de inestabilidad y falta de cohesión a la narrativa.

La serie cuenta con un elenco variado, pero las actuaciones son desiguales y, en muchos casos, decepcionantes. Jude Law interpreta al protagonista principal, pero su actuación carece de la intensidad y el carisma que se espera de un líder en el universo de Star Wars. Por su parte, tos actores jóvenes, aunque talentosos, no logran destacar y sus personajes parecen planos y poco memorables, mientras que los actores secundarios no consiguen aportar la profundidad necesaria para enriquecer la trama.

Aunque la serie cuenta con un alto presupuesto y efectos visuales avanzados, la calidad de la producción es desigual. Algunos episodios presentan secuencias de acción impresionantes y escenarios visualmente impactantes, pero en general, la calidad de la animación y los efectos especiales varía considerablemente. Esto afecta la inmersión y la experiencia visual del espectador, ya que algunos episodios parecen estar mejor producidos que otros.

El ritmo de Skeleton Crew es otro problema significativo. Los episodios a menudo se sienten alargados y carecen de la tensión y emoción necesarias para mantener el interés del espectador. El tono de la serie es inconsistente, oscilando entre el drama serio y el humor ligero de manera que puede parecer discordante y fuera de lugar. Esta falta de consistencia tonal afecta negativamente la cohesión de la serie y dificulta la creación de una atmósfera envolvente.

A pesar de estar ambientada en el universo de Star Wars, Skeleton Crew a menudo se desvía de los elementos y la mitología que han hecho de la franquicia un fenómeno cultural. La serie introduce conceptos y eventos que no siempre encajan bien con la narrativa general del universo, lo que puede resultar frustrante para los fans más dedicados. Además, la serie no logra explorar de manera efectiva las conexiones y relaciones entre los personajes y eventos establecidos en otras producciones de Star Wars.

En resumen, Star Wars: Skeleton Crew es una serie que, a pesar de su prometedor punto de partida, no logra estar a la altura de las expectativas. La trama inconsistente, el desarrollo superficial de los personajes, las actuaciones desiguales, la calidad de producción variable y el ritmo inconsistente son problemas que afectan negativamente la experiencia del espectador. Aunque cuenta con algunos momentos destacables y secuencias visualmente impresionantes, la serie en su conjunto carece del impacto y la coherencia necesarios para ser considerada una entrega digna del universo de Star Wars.

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Ahsoka es una serie del universo Star Wars que sigue al personaje de Ahsoka Tano, una ex Padawan de Anakin Skywalker que desempeña un papel importante en la lucha contra el Imperio. A pesar de las expectativas y el potencial de la serie, presenta una serie de debilidades que impiden alcanzar el nivel de excelencia que los fans de Star Wars podrían esperar.

En la primera temporada de Ahsoka, seguimos a la ex Jedi Ahsoka Tano en su misión de encontrar y rescatar a Ezra Bridger, un joven Jedi desaparecido. Ahsoka se adentra en las regiones desconocidas de la galaxia, donde se enfrenta a amenazas tanto nuevas como familiares, y descubre secretos ocultos sobre la Fuerza y su propio destino. En su viaje, Ahsoka forma nuevas alianzas y reencuentra viejos amigos, todo mientras lucha contra las fuerzas del Imperio y trata de evitar que una nueva amenaza emerja. La temporada está llena de acción, misterio y momentos emotivos, que profundizan en el carácter de Ahsoka y amplían el universo de Star Wars.

La trama de Ahsoka es uno de los principales problemas de la serie. La historia a menudo se siente forzada y carece de coherencia. Los episodios están llenos de tramas secundarias que no aportan mucho al desarrollo de la narrativa principal y, en ocasiones, resultan aburridas y repetitivas. La falta de un hilo conductor claro y consistente provoca que la serie se sienta fragmentada y difícil de seguir. Además, la serie introduce conceptos y eventos que no siempre encajan bien con la narrativa general del universo Star Wars, lo que puede resultar frustrante para los fans más dedicados.

Aunque Ahsoka Tano es un personaje querido y complejo, su desarrollo en la serie a menudo se siente superficial y poco satisfactorio. Ahsoka es retratada como una guerrera solitaria y enigmática, pero la serie no profundiza lo suficiente en sus motivaciones y conflictos internos. Además, se introducen nuevos personajes que carecen de profundidad y cuyo desarrollo es deficiente, lo que dificulta la conexión emocional con el público. Algunos personajes clave son presentados y eliminados rápidamente, añadiendo una sensación de inestabilidad a la narrativa.

La serie cuenta con un elenco variado que incluye tanto actores conocidos como nuevos talentos. A pesar de las expectativas, las actuaciones son desiguales y, en muchos casos, decepcionantes. Rosario Dawson interpreta a Ahsoka Tano, pero a pesar de su experiencia y talento, su actuación carece de la intensidad y la emoción que el personaje exige. Dawson ofrece una interpretación plana y distante que no logra capturar la complejidad de Ahsoka. Eman Esfandi interpreta a Ezra Bridger, pero su actuación no logra destacar, y su personaje parece carecer de la energía y el carisma que se espera. Hayden Christensen, que regresa al universo de Star Wars como Anakin Skywalker/Darth Vader, tiene una participación breve y poco memorable que no aporta mucho a la narrativa de la serie.

La calidad de la estética en Ahsoka es desigual. Aunque algunos episodios presentan secuencias visualmente impresionantes, en general, la animación carece de la fluidez y el detalle que se espera de una producción de Star Wars. El estilo visual de la serie puede resultar inconsistente, con escenarios y diseños de personajes que varían drásticamente en calidad de un episodio a otro. Esto afecta negativamente la inmersión y la experiencia visual del espectador.

El ritmo de la serie es otro problema significativo. Los episodios a menudo se sienten alargados y carecen de la tensión y emoción necesarias para mantener el interés del espectador. El tono de la serie también puede resultar confuso, ya que oscila entre el drama serio y el humor ligero de una manera que puede parecer discordante y fuera de lugar. Esta falta de consistencia tonal afecta la cohesión de la serie y dificulta la creación de una atmósfera envolvente.

A pesar de estar ambientada en el universo Star Wars, Ahsoka a menudo se desvía de los elementos y la mitología que han hecho de la franquicia un fenómeno cultural. La serie introduce conceptos y eventos que no siempre encajan bien con la narrativa general del universo, lo que puede resultar frustrante para los fans más dedicados. Además, la serie no logra explorar de manera efectiva las conexiones y relaciones entre los personajes y eventos establecidos en otras producciones de Star Wars.

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Star Wars: The Bad Batch es una serie de animación de Lucasfilm Animation que se estrenó en Disney+ el 4 de mayo de 2021. La serie es un spin-off de Star Wars: The Clone Wars y sigue las aventuras de un grupo de clones de élite conocidos como «La Remesa Mala» o «The Bad Batch». La serie fue creada por Dave Filoni, quien es conocido por su trabajo en otras series exitosas de Star Wars como The Clone Wars y Star Wars: Rebels.

La serie se sitúa inmediatamente después de los eventos de Star Wars. Episodio III: La Venganza de los Sith y el ascenso del Imperio Galáctico. La trama sigue a los miembros del escuadrón Clone Force 99, un grupo de clones con modificaciones genéticas que les otorgan habilidades especiales. Los miembros del equipo son: Hunter, el líder del grupo con sentidos aumentados; Wrecker, el fuerte y valiente soldado con una fuerza descomunal; Tech, el experto en tecnología y tácticas; Crosshair, el tirador de precisión con una puntería excepcional; Echo, un ex-arc trooper que se une al equipo tras ser rescatado de los separatistas. El escuadrón debe encontrar su lugar en una galaxia que ha cambiado drásticamente con la caída de la República y el surgimiento del Imperio. A lo largo de la serie, los miembros de «The Bad Batch» enfrentan desafíos y peligros mientras intentan mantenerse unidos y proteger a la joven clon Omega, una misteriosa niña que se convierte en una parte fundamental de su familia.

Uno de los aspectos más destacados de la serie es el desarrollo de los personajes. Cada miembro de «The Bad Batch» tiene una personalidad distintiva y habilidades únicas que los hacen indispensables para el equipo. A lo largo de la serie, los personajes enfrentan dilemas morales, conflictos internos y la evolución de sus relaciones, lo que añade profundidad y emoción a la narrativa. La introducción de Omega aporta una nueva dinámica al grupo, ya que los miembros del equipo asumen roles de mentores y protectores, mostrando su lado más humano y vulnerable.

La animación de The Bad Batch es excepcional, con un estilo visual que combina la estética de The Clone Wars con un acabado más moderno y detallado. Los escenarios y fondos son impresionantes, capturando la amplitud y diversidad de la galaxia de Star Wars. Las secuencias de acción están magistralmente coreografiadas y llenas de adrenalina, manteniendo a los espectadores al borde de sus asientos.

La serie aborda temas universales como la lealtad, la identidad y la familia, mientras explora las consecuencias del cambio político y la opresión del Imperio. La narrativa es rica y envolvente, con giros y sorpresas que mantienen el interés del público en cada episodio. Además, la serie ofrece conexiones y referencias a otros elementos del universo Star Wars, lo que enriquece la experiencia para los fans de la saga.

Star Wars: The Bad Batch ha sido muy bien recibida tanto por críticos como por fans. La serie ha sido elogiada por su animación de alta calidad, su narrativa emocionante y su capacidad para expandir y profundizar en el universo de Star Wars. Los personajes han resonado con la audiencia, y la serie ha sido aclamada por su habilidad para combinar acción, drama y momentos emotivos.

Star Wars: The Bad Batch es una serie de animación que ofrece una experiencia cautivadora y emocionante en el universo de Star Wars. Con su animación excepcional, personajes bien desarrollados y una narrativa rica y envolvente, la serie se erige como un digno sucesor de The Clone Wars y una adición valiosa a la franquicia. Es una serie imprescindible para los fans de Star Wars y para cualquier persona que disfrute de historias de acción y aventura bien contadas.

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Star Wars: Resistance es una serie de animación creada por Lucasfilm Animation, que se estrenó en octubre de 2018 en Disney Channel. La serie fue desarrollada por Dave Filoni, aunque no se hizo cargo directamente de la dirección y la producción, conocido por su trabajo en Star Wars: The Clone Wars y Star Wars: Rebels. Resistance se sitúa cronológicamente en el período previo a los eventos de Star Wars: El despertar de la fuerza y ofrece una nueva perspectiva sobre la galaxia muy, muy lejana.

La serie sigue las aventuras de Kazuda «Kaz» Xiono, un joven piloto de la Nueva República que es reclutado por la Resistencia para llevar a cabo una misión de espionaje. Kaz debe infiltrarse en la estación espacial Colossus, una base de repostaje en el planeta Castilon, para recopilar información sobre la Primera Orden, una organización militar que amenaza con desestabilizar la paz en la galaxia. A lo largo de la serie, Kaz forma nuevas amistades, enfrenta peligros y descubre secretos mientras lucha por cumplir su misión y proteger a sus seres queridos.

Uno de los aspectos más destacados de Resistance es su colorido elenco de personajes. Kazuda Xiono es un protagonista carismático y torpe, que a menudo se encuentra en situaciones cómicas debido a su falta de experiencia en el espionaje. A lo largo de la serie, Kaz crece como personaje, desarrollando habilidades y madurez en su papel como espía y piloto. Entre los personajes secundarios, destacan: Torra Doza, una talentosa y valiente piloto que se convierte en amiga y aliada de Kaz; Yeager, un veterano piloto de la Rebelión y mentor de Kaz, que dirige un taller de reparaciones en el Colossus; Tam Ryvora, una mecánica talentosa con un pasado misterioso y una relación complicada con Kaz; y Neeku Vozo, un ingeniero alienígena con un corazón puro y una actitud siempre optimista.

Star Wars: Resistance utiliza una técnica de animación en 3D con un estilo cel-shading, que le da un aspecto visual único y vibrante, diferenciado de otras series de Star Wars. Los fondos y escenarios son coloridos y detallados, capturando la esencia de la galaxia de Star Wars»de manera refrescante y atractiva. Aunque algunos fans pueden preferir el estilo de animación más tradicional de The Clone Wars o Rebels, la animación de Resistance aporta un toque nuevo y dinámico a la franquicia.

La serie aborda temas clásicos de Star Wars, como la lucha entre el bien y el mal, el valor y la amistad, y la importancia de la esperanza en tiempos oscuros. Además, Resistance introduce elementos de espionaje y aventuras aéreas, lo que añade una capa adicional de emoción y suspense a la historia. La narrativa de la serie se centra en las misiones de Kaz y sus intentos de detener a la Primera Orden, mientras que también explora las relaciones entre los personajes y su evolución personal.

Star Wars: Resistance recibió críticas mixtas a positivas por parte de los fans y críticos. Mientras que algunos elogiaron la serie por su animación, personajes y frescura, otros criticaron su tono más ligero y orientado a un público más joven en comparación con otras series de la franquicia. A pesar de esto, la serie logró ganarse un lugar en el universo de Star Wars y expandir la narrativa en torno a los eventos de la trilogía secuela.

En conclusión, se trata de una serie de animación que ofrece una perspectiva fresca y divertida del universo de Star Wars. Con su estilo de animación único, personajes entrañables y emocionantes aventuras, la serie es una adición valiosa para los fans de todas las edades. Aunque puede que no tenga el mismo impacto que otras series de la franquicia, Resistance logra entretener y emocionar, explorando nuevos rincones de la galaxia y expandiendo la mitología de Star Wars, haciendo mucho más que algunas de las series de acción real más recientes.

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Cuando El Libro de Boba Fett fue anunciado, la expectativa era altísima. Después de la impresionante reintroducción del legendario cazarrecompensas en The Mandalorian, muchos fans esperaban una serie que explorara la brutalidad, astucia y habilidades estratégicas de uno de los personajes más enigmáticos de Star Wars. Sin embargo, lo que entregó Lucasfilm fue un producto irregular, con una narrativa desordenada, personajes mal aprovechados y decisiones creativas que diluyeron el aura imponente de Boba Fett, convirtiéndolo en un personaje irreconocible dentro de su propia serie.

Desde el inicio, la historia presenta problemas de ritmo y estructura. En lugar de mostrarnos a Boba Fett consolidándose como un señor del crimen en Tatooine, la serie se divide entre flashbacks innecesariamente largos sobre su tiempo con los tusken y una trama presente que avanza con lentitud y sin sentido de urgencia. Si bien la idea de que Boba quiere gobernar con «respeto» en lugar de miedo es interesante en teoría, la ejecución es torpe y poco convincente. En la trilogía original y en el universo expandido, Boba Fett era un personaje frío y calculador, un guerrero temido en toda la galaxia. Aquí, en cambio, se muestra indeciso, ingenuo y hasta torpe en su manejo del poder. En múltiples ocasiones parece que otros personajes lo sobrepasan en astucia, lo cual es una traición al legado del personaje.

Uno de los problemas más evidentes de la serie es su inconsistencia tonal y su falta de dirección clara. La serie no sabe si quiere ser un western, un drama criminal o una historia de redención. En lugar de aprovechar el potencial del submundo criminal de Star Wars, nos entrega conflictos aburridos y villanos insípidos como los Pyke, que nunca se sienten como una verdadera amenaza. La trama nunca establece adecuadamente por qué Boba Fett quiere ser un daimyo o qué lo motiva realmente más allá de un vago deseo de cambiar su destino. La falta de desarrollo de su carácter hace que sus acciones carezcan de peso y que sus decisiones sean difíciles de entender.

El elenco de personajes secundarios tampoco ayuda demasiado. Fennec Shand, interpretada por Ming-Na Wen, tenía el potencial de ser una aliada formidable, pero su personaje rara vez tiene algo interesante que hacer y se limita a ser la voz de la razón para un Boba que constantemente parece desorientado. Por otro lado, la introducción de la pandilla de moteros adolescentes con sus coloridos speeders fue uno de los momentos más criticados de la serie, ya que su estética no encaja con la suciedad y el realismo de Tatooine. En lugar de parecer miembros de una banda callejera peligrosa, parecen salidos de una parodia mal pensada de Star Wars.

Pero quizás el mayor pecado de El Libro de Boba Fett es que, en sus siete episodios, los mejores momentos ni siquiera involucran a Boba Fett. Los episodios cinco y seis, que se centran completamente en Din Djarin, Grogu y Luke Skywalker, eclipsan completamente la historia principal. De hecho, Boba Fett ni siquiera aparece en el episodio cinco y tiene un rol casi irrelevante en el seis. Esto deja claro que incluso los propios creadores de la serie no confiaban en su historia principal y sintieron la necesidad de recurrir a elementos de The Mandalorian para mantener el interés del público. La ironía es que estos episodios, aunque emocionantes para los fans de Star Wars, dejan aún más en evidencia lo mal construida que está la serie de Boba Fett.

Las escenas de acción, aunque en algunos momentos decentes, carecen de la intensidad y la creatividad vistas en The Mandalorian. El clímax de la serie, con Boba y Mando enfrentándose a los Pyke en Mos Espa, se siente como una oportunidad desperdiciada. Incluso la batalla contra los droides gigantes, que debería ser impresionante, se alarga demasiado y carece de tensión real. El tan esperado enfrentamiento entre Boba Fett y Cad Bane, un personaje icónico del universo animado de Star Wars, es resuelto de forma apresurada y anticlimática, eliminando a un villano con potencial en cuestión de segundos.

En términos de producción, El Libro de Boba Fett tiene algunos aspectos positivos. El diseño de Tatooine sigue siendo detallado y realista, y la música de Ludwig Göransson y Joseph Shirley es efectiva, aunque no tan memorable como la de The Mandalorian. Sin embargo, la cinematografía es inconsistente, con escenas que parecen carecer de la energía y el dinamismo esperados en una serie de acción. La dirección de Robert Rodriguez, quien previamente había entregado una excelente acción en The Mandalorian, aquí se siente descuidada y hasta caricaturesca en algunos momentos.

En conclusión, El Libro de Boba Fett es una de las mayores decepciones de Star Wars en la era de Disney. Lo que pudo haber sido una exploración fascinante del submundo criminal de la galaxia y una historia sobre la transformación de un legendario cazarrecompensas, terminó siendo una serie sin identidad, sin propósito claro y que, irónicamente, brilla más cuando su protagonista está ausente. Para los fans de Star Wars, esta serie solo sirvió como un puente hacia la tercera temporada de The Mandalorian, pero como una historia independiente, fracasa en casi todos los niveles.

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Star Trek: Discovery es una serie que ha generado opiniones divididas desde su estreno en 2017. Con un alto presupuesto, efectos visuales de vanguardia y un enfoque narrativo moderno, la serie buscó revitalizar la franquicia adaptándola a los estándares actuales de la televisión. A lo largo de sus cinco temporadas, Discovery ha transitado por diferentes estilos y temáticas, evolucionando desde una historia bélica hasta una exploración del futuro lejano en el siglo 32. Sin embargo, esta evolución no ha estado exenta de problemas, especialmente en su narrativa y en la recepción por parte de los seguidores más tradicionales de Star Trek.

La primera temporada establece el tono de la serie con una trama más oscura y serializada, alejándose del formato episódico clásico de la franquicia. En este primer arco, Michael Burnham, interpretada por Sonequa Martin-Green, es presentada como una oficial de la Flota Estelar que, tras un acto de insubordinación, es degradada y posteriormente reclutada por la USS Discovery en plena guerra con el Imperio Klingon. Este conflicto sirve como telón de fondo para desarrollar temas de lealtad, sacrificio y redención, pero también introduce cambios visuales y narrativos que no fueron bien recibidos por todos los fans, como el rediseño de los klingons y el enfoque en la acción en detrimento de la exploración filosófica característica de Star Trek.

Con la segunda temporada, la serie corrige algunos de los errores de la anterior al introducir al capitán Christopher Pike, interpretado por Anson Mount, quien rápidamente se convirtió en uno de los personajes más aclamados de la nueva era de Star Trek. Su presencia aporta una sensación de estabilidad y liderazgo que muchos sintieron que faltaba en la primera temporada. También se introduce a Spock, interpretado por Ethan Peck, en una versión más emocional y atormentada que genera opiniones encontradas. La trama de la temporada gira en torno a una inteligencia artificial maligna llamada Control y una serie de señales misteriosas que guían a la Discovery a su destino final: un salto de más de 900 años en el futuro.

Este salto temporal marca el inicio de la tercera temporada, donde la serie se aleja de las restricciones del canon clásico al situarse en un siglo 32 devastado por un evento catastrófico llamado “La Quema”, el cual ha llevado al colapso de la Federación. Con este nuevo contexto, la Discovery asume la misión de restaurar la utopía de la Federación y descubrir la causa de La Quema, ofreciendo una narrativa más optimista y alineada con los valores tradicionales de Star Trek. A pesar de esta mejora en el tono, la serie sigue centrándose en exceso en Burnham como protagonista absoluta, lo que impide el desarrollo profundo de otros personajes secundarios que podrían haber aportado mayor riqueza a la historia.

En sus temporadas finales, Discovery continúa explorando su nueva época, con tramas que giran en torno a la exploración, el contacto con nuevas especies y la resolución de conflictos galácticos, alejándose del tono bélico inicial. La cuarta temporada introduce una anomalía gravitacional desconocida como amenaza central, permitiendo un enfoque más científico y diplomático. La quinta y última temporada busca cerrar los arcos principales de la historia, consolidando a Burnham como capitana y estableciendo el legado de la Discovery en este nuevo futuro.

A lo largo de su recorrido, Discovery ha sido tanto innovadora como controvertida. En términos de producción, es una de las series más visualmente impresionantes de Star Trek, con efectos especiales de alta calidad y un diseño de producción detallado. Sin embargo, su dependencia de un enfoque más emocional y dramático ha sido criticada por alejarse de la exploración filosófica y científica que caracterizaba a las series anteriores. Aunque ha logrado revitalizar la franquicia y abrir la puerta a nuevas producciones como Star Trek: Picard y Strange New Worlds, su recepción sigue siendo mixta, con una división clara entre críticos y audiencia.

En conclusión, Star Trek: Discovery es una serie que ha evolucionado significativamente desde su primera temporada, pasando de un tono bélico y oscuro a una exploración más optimista del futuro. A pesar de sus fallos narrativos y su enfoque excesivo en su protagonista, ha dejado una marca en la franquicia y ha expandido su universo a nuevas generaciones. Para algunos, es una versión fresca y necesaria de Star Trek, mientras que para otros, representa una desviación de los principios fundamentales de la saga. Su legado, sin embargo, es innegable, y su impacto se verá reflejado en la evolución futura de la franquicia.

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La tercera temporada de Narcos marca un cambio significativo en la serie, dejando atrás al icónico Pablo Escobar (interpretado por Wagner Moura) y el cartel de Medellín para centrarse en la historia del cartel de Cali, el otro gran imperio del narcotráfico colombiano en los años 90. Esta etapa de la serie, estrenada en 2017, explora cómo Cali se convirtió en el mayor productor y distribuidor de cocaína del mundo tras la caída de Escobar, y la forma en que las fuerzas del orden colombianas y estadounidenses intentaron desmantelar su organización.

La temporada se enfoca principalmente en los cuatro líderes del cartel de Cali: Gilberto Rodríguez Orejuela (Damián Alcázar), su hermano Miguel Rodríguez Orejuela (Francisco Denis), Pacho Herrera (Alberto Ammann) y Chepe Santacruz Londoño (Pêpê Rapazote). Estos personajes representan una evolución en la manera en que el narcotráfico opera en Colombia; a diferencia de Escobar, que se basaba en la violencia y la intimidación, el cartel de Cali se caracteriza por un enfoque más sofisticado, corrupto y pragmático. Los Rodríguez Orejuela, por ejemplo, prefieren mantener un perfil bajo y establecer relaciones con políticos, jueces y fuerzas de seguridad para evitar conflictos violentos y asegurarse el control del negocio.

La narrativa de la tercera temporada se centra en la persecución del cartel de Cali y la estrategia de sus líderes para mantener su imperio mientras enfrentan amenazas internas y externas. La DEA, representada por los agentes Javier Peña (Pedro Pascal) y la nueva incorporación, el agente Chris Feistl (Michael Stahl-David), intensifica su caza contra Cali, con la colaboración de la policía y el gobierno colombiano. Este enfoque en la intriga y la manipulación política marca un contraste con la acción más directa y brutal de la primera y segunda temporada, y permite que la serie explore temas de corrupción institucional, la ambigüedad moral de los personajes y las consecuencias de la ambición desmedida.

El desarrollo de personajes es uno de los puntos más fuertes de esta temporada. Damián Alcázar y Francisco Denis interpretan a los hermanos Rodríguez Orejuela, mostrando la ambición y la arrogancia de hombres que, a pesar de su éxito, son cada vez más vulnerables a las presiones externas y la traición. Por su parte, Alberto Ammann brilla como Pacho Herrera, un personaje con una compleja mezcla de lealtad y despiadada crueldad, mientras que Pedro Pascal, quien repite su papel de Javier Peña, añade una capa de tensión al mostrar el desgaste y la moralidad en el límite de sus acciones mientras lucha por llevar a Cali a la justicia.

El final de la tercera temporada es notable por su carácter dramático y agridulce. A medida que la temporada se acerca a su conclusión, el cartel de Cali comienza a desmoronarse debido a la presión de las fuerzas de seguridad, traiciones internas y la entrega de algunos de sus líderes. Los hermanos Rodríguez Orejuela terminan siendo capturados por la policía colombiana, mientras que Pacho Herrera, uno de los personajes más carismáticos y complejos, es asesinado en una emboscada. Esta serie de eventos marca el fin de la era del cartel de Cali y la caída del último gran imperio narcotraficante que se mantuvo por encima de la ley gracias a su poder y corrupción.

El arco argumental concluye con una reflexión sobre el ciclo interminable del narcotráfico. Aunque la captura de los líderes del cartel y la caída de la organización parecen ser una victoria para la justicia, el final deja en claro que el problema del narcotráfico en Colombia (y en el mundo) es un fenómeno sistémico que no se puede erradicar solo con la captura de figuras de alto perfil. La serie concluye con la sensación de que el ciclo de violencia y corrupción continuará, y que siempre habrá alguien más dispuesto a llenar el vacío de poder dejado por los caídos.

La tercera temporada de Narcos ofrece un cambio de ritmo que enriquece la narrativa de la serie y la lleva a nuevas alturas. Si bien se aleja del foco en Escobar, mantiene la intriga y la tensión que caracterizan a la serie, con un enfoque en el poder, la corrupción y las consecuencias de un sistema que alimenta la ambición desmedida. La temporada concluye de manera impactante y realista, mostrando que, aunque los líderes pueden caer, el narcotráfico es un problema que se reinventa y persiste, dejando una poderosa lección sobre la naturaleza del poder y la perpetuidad de la lucha entre el bien y el mal.

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La segunda temporada de Narcos, creada por Chris Brancato, Carlo Bernard y Doug Miro, sigue la historia del infame narcotraficante colombiano Pablo Escobar y su imperio de cocaína. Esta temporada, que se estrenó en 2016 en Netflix, se centra en la caída de Escobar y la incansable persecución de la policía y las fuerzas del orden colombianas, lideradas por el brillante y tenaz agente de la DEA, Steve Murphy (interpretado por Boyd Holbrook) y su compañero Javier Peña (Pedro Pascal).

La primera temporada de Narcos había establecido el ascenso de Escobar (interpretado magistralmente por Wagner Moura) y su dominio sobre el narcotráfico en Colombia y el mundo. La segunda temporada amplía esa narrativa, enfocándose en la transformación de Escobar de un poderoso líder empresarial a un hombre acorralado y desesperado por escapar de la persecución. El personaje de Escobar se muestra en toda su complejidad, desde su carisma y su capacidad para ganarse a las masas, hasta su brutalidad y falta de remordimiento. Moura ofrece una interpretación que mezcla la vulnerabilidad y la ambición desenfrenada, lo que hace que Escobar sea a la vez fascinante y repulsivo.

La temporada comienza con Escobar huyendo de su lujosa cárcel, La Catedral, tras un conflicto con el gobierno y el deseo de escapar de la vigilancia. A partir de ahí, se inicia una cacería humana, donde la presión de las autoridades, el ejército y la DEA se incrementa mientras Escobar intenta mantenerse un paso adelante. La historia se vuelve más intensa y peligrosa, explorando la traición, el miedo y las alianzas temporales, mientras Escobar busca salvaguardar su vida y su legado.

Uno de los aspectos más destacados de esta temporada es la construcción de tensión. Los guionistas saben cómo mantener a los espectadores al borde de sus asientos, alternando entre las maniobras de Escobar, las operaciones encubiertas de la DEA, y las estrategias del gobierno colombiano y de los carteles rivales. Esta dinámica se amplifica con la entrada de nuevos personajes, como el policía colombiano Horacio Carrillo (Mauricio Mejía), quien se convierte en una pieza clave en la persecución del narcotraficante, y la participación de los aliados y enemigos de Escobar, que muestran lo volátil y traicionero que es el mundo del narcotráfico.

La segunda temporada no solo aborda la figura de Escobar, sino también la realidad de un país sumido en la violencia y la corrupción, donde las instituciones de gobierno luchan por mantener un orden mientras el dinero y el poder de los carteles de drogas corrompen a todos a su paso. Este retrato de la Colombia de los años 80 y 90 es uno de los aspectos más impactantes de la serie, mostrando un panorama más amplio y complejo que va más allá de la figura de Escobar.

Los elementos visuales y la dirección de la serie siguen siendo de alta calidad. Las escenas de acción están bien ejecutadas y las secuencias de persecución transmiten un sentimiento de urgencia y peligro. Además, la banda sonora, que mezcla temas de música latina con clásicos de la época, crea una atmósfera auténtica y envolvente que complementa perfectamente la narrativa.

En cuanto a las actuaciones, además de la destacada interpretación de Wagner Moura como Escobar, Pedro Pascal se destaca como Javier Peña, un agente que muestra la ambigüedad moral y la complejidad de su trabajo. A medida que la temporada avanza, la relación entre Peña y Murphy se ve puesta a prueba, reflejando el costo emocional y moral de la persecución del cartel de Medellín.

Así pues, a segunda temporada de Narcos es una obra más madura y poderosa que su predecesora. Con un guion sólido, una dirección efectiva y actuaciones memorables, la serie lleva al espectador a través de la caída de uno de los criminales más notorios de la historia. La historia no solo muestra la brutalidad del narcotráfico, sino que también ofrece una visión más profunda de la corrupción y la desesperación que afligen a todos los involucrados. Es una temporada que eleva a Narcos de una simple historia de crimen a un drama épico que examina la complejidad de la ambición y el poder.

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La serie de Obi-Wan Kenobi ha sido uno de los proyectos más esperados de la franquicia Star Wars, pero lamentablemente no cumple con las expectativas, dejando a muchos fanáticos decepcionados. La historia, que prometía profundizar en los años de exilio del icónico Jedi tras los eventos de La Venganza de los Sith, se queda corta en términos de desarrollo narrativo y coherencia.

Uno de los problemas más evidentes es el guion. La trama, que se centra en la misión de Obi-Wan para proteger a la joven Leia, resulta poco convincente y a menudo se siente forzada. Los diálogos, que deberían reflejar la sabiduría y la complejidad de los personajes de Star Wars, terminan siendo planos y carentes de la emoción que caracteriza a la franquicia. Además, algunos giros de la trama y decisiones de personajes parecen fuera de lugar y no aportan nada significativo al desarrollo de la historia o a la mitología de Star Wars.

La serie también padece de un ritmo irregular. Mientras que algunos episodios intentan capturar la tensión de una persecución o un conflicto, otros se sienten lentos y dilatados, con escenas que parecen diseñadas únicamente para extender la serie sin aportar avances sustanciales a la narrativa. El manejo de la tensión y la acción en general no logra capturar la esencia de las películas originales.

Los personajes, especialmente los antagonistas, no terminan de convencer. Reva, interpretada por Moses Ingram, fue presentada como una figura central en la serie, pero su desarrollo como villana es inconsistente. Aunque tiene un trasfondo interesante, su arco argumental se siente apurado y falta de profundidad, resultando en un personaje que no logra generar el impacto que se esperaba. Los otros villanos, como el Gran Inquisidor, se ven reducidos a meros elementos de relleno que apenas añaden algo al drama.

En cuanto a la actuación, Ewan McGregor se esfuerza por retomar su papel de Obi-Wan Kenobi, pero ni siquiera él logra redimir la serie. Aunque su interpretación es sólida, los momentos de introspección y dilemas morales se ven empañados por un guion flojo y situaciones poco creíbles. Por otro lado, la participación de otros actores no logra destacar, y el reparto en general se siente desaprovechado.

El aspecto visual y los efectos especiales no logran salvar a Obi-Wan Kenobi de ser una decepción. Si bien hay momentos visualmente atractivos, la serie no alcanza el nivel de calidad que muchos esperan de una producción de Star Wars. La falta de una dirección clara y una producción más pulida hace que la serie se sienta como un producto de menor calidad comparado con otras entregas de la franquicia.

En definitiva, Obi-Wan Kenobi es una serie que intenta explorar un capítulo fascinante de la vida de uno de los personajes más queridos de Star Wars, pero que se pierde en la ejecución. La falta de una narrativa sólida, la escasa evolución de los personajes y el ritmo irregular hacen que la serie sea difícil de disfrutar para cualquier aficionado al universo de George Lucas. Es una oportunidad perdida para profundizar en un período clave de la saga y un recordatorio de que no todas las apuestas de Star Wars logran el éxito esperado.

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La estela de Salvar al soldado Ryan es muy, muy larga, no solo por la calidad de la peli de Spielberg, que es indiscutible, sino que sentó las bases del cine bélico inspirado en la Segunda Guerra Mundial que se produciría a partir de ese momento. Es decir, no solo fue un punto de inflexión, sino que también estableció el nuevo patrón oro del género. Es por ello que no es de extrañar que todos quisieran reproducir su éxito, sin que ninguno de ellos lo superase… salvo las propias producciones de Spielberg.

Después del éxito de Salvar al Soldado Ryan, el propio Spielberg junto con Tom Hanks produjeron la inigualable serie Hermanos de sangre que crearía escuela a nivel televisivo, siendo de las primeras en demostrar que la pequeña pantalla no era contrario a calidad. Una década después vendría, también de la mano de HBO, The Pacific, y, ahora, casi quince años después de esta, ha llegado a nosotros la cuarta entrega de este particular universo bélico, Los amos del aire.

Tras explorar el día a día de una unidad élite como los paracaidistas y los sufrimientos de los marines en la campaña del pacífico, por tercera vez nos adentramos en la nostalgia y el amor por la épica de los estadounidenses por sus héroes del pasado, centrándonos en los pilotos de bombarderos que desarrollaron sus misiones en los cielos europeos.

Como en las anteriores ocasiones, esta serie, además de contar con la trepidante acción a bordo de los aviones y la tensión que se vivía en estas fortalezas volantes, lo que monopoliza toda la narrativa es el factor humano. Es decir, como las tripulaciones se enfrentaban a las realidades del combate. Desde un despegue relativamente tranquilo, pasando por los fallos mecánicos, los bombarderos antiaéreos y los ataques de los cazas alemanes, hasta las muertes en combate, los aviones derribados, los saltos en paracaídas y los aterrizajes de emergencia. En pocas palabras, lo que realmente conduce la trama, es como estos pilotos, navegantes, artilleros y demás tripulantes superan el hecho de saber que atacaban lugares habitados por civiles como sus familias, saber que un amigo ha sido gravemente herido o ha muerto. Y cómo debían sobreponerse para seguir luchando por el supuesto bien común.

Uno de los principales cambios respecto a las series anteriores, es que el elenco de actores está encabezado por dos caras ya bastante conocidas. En primer lugar está Callum Turner como el Bucky Egan que viene de aparecer en títulos como Emma o la segunda y tercera entrega de Animales fantásticos, Los crímenes de Grindelwald y Los secretos de Dumbledore. A su lado se encuentra Austin Butler en el papel de Buck Cleven, un hombre que últimamente está en todas partes y parece destinado a convertirse en la nueva gran estrella de Hollywood, con títulos a su espalda como Dune: Parte dos, Bikeriders o Elvis. Sin embargo, a pesar de ser los protagonistas y de ser capaces de comerse la pantalla, no lo hacen, y la historia se pluraliza lo suficiente para que todos tengan su momento de gloria, como ocurre con un breve Barry Keoghan, con escaso Ncuti Gatwa o un siempre efectivo secundario como Stephen Campbell Moore.

A pesar del reparto coral, la acción la protagonizan, sobre todo, los pilotos Egan y Cleven, y el navegante Crosby, que ejerce también como narrador. Serán ellos los que vivirán todo lo que hemos dicho anteriormente, cumpliendo su deber en misiones imposibles, llevando de regreso sus aviones e, incluso, luchando desde el interior de los campos de prisioneros en territorio nazi. Esta última, una vertiente interesante y hasta cierto punto novedosa, ya que se nos muestra a estos prisioneros en el campo asignado, como en La gran evasión, pero también en movimiento en los últimos días de la contienda.

Como no podía ser de otro modo, el cuidadoso trabajo de documentación y producción son uno de esta serie, sobre todo cuando son cosas que no se notan, en una ambientación tan perfecta que no pondremos en duda nada de lo que vemos, porque nos lo vamos a creer todo a pies juntillas por lo bien hecho que está.

Salvando algunas diferencias respecto a Hermanos de sangre, creo que Los amos del aire es el punto intermedio entre los combates intensos de Band of Brothers y el drama personal de The Pacific, encontrando el equilibrio entre ambos aspectos y logrando estar, de sobras, a la altura de sus predecesoras, a la vez que añade una pieza más al gran lienzo de historias que fue la Segunda Guerra Mundial.

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A pesar de que The Pacific es conocida por muchos como la segunda parte de Hermanos de Sangre, lo que en ello se nos narra sucedió antes de lo sucedido en Hermanos de Sangre. Los primeros americanos que entraron en guerra no fueron los que lucharon contra los nazis en una guerra sin cuartel por toda Europa, sino el Cuerpo de Marines de los Estados Unidos de América que desembarcaron en las islas del pacífico donde los japoneses —que habían iniciado la guerra con el ataque a Pearl Harbor el 7 de diciembre de 1941— habían creado un imperio que amenazaba a Australia y a los propios Estados Unidos.

Como es imposible narrar la historia de todos y cada uno de los marines que participaron en batallas tan importantes en la Guerra como Guadalcanal, Peleliu o Iwo Jima, la serie se centra en la experiencias de cuatro hombres, Robert Leckie, Eugene Sledge, Sidney Phillips y John Basilone. A través de sus vidas descubrimos como sufrieron los hombres que lucharon en el pacífico, como a pesar de no tener las mismas recompensas que los soldados del teatro europeo, lo dieron todo para luchar por su país. Lo que la serie quiere dejar claro es la dureza de los combates, tanto por las condiciones climáticas —que incluyen sequía, monzones, humedad, barro, enfermedades, y un largo y horrible etcétera— como por los rivales que tenían enfrente. Los japoneses no eran, como los propios protagonistas nos comentan, soldados normales, no se rendían, podían no comer, no beber, no tener armas, pero se mantenían en la primera línea de fuego hasta que la última gota de sangre les saliera del cuerpo. La divinidad imperial y los códigos de conducta japoneses hacían de estos hombres los más duros de pelar de toda la guerra.

Tras el éxito cosechado con Hermanos de Sangre, Steven Spielberg y Tom Hanks dieron por terminada su tarea, pero enseguida vieron que se habían olvidado de hombres que entraron en guerra antes, que estuvieron en guerra durante más tiempo, y que normalmente son olvidados, los Marines. Así que, sin prisa pero sin pausa, junto con un magnífico equipo se pusieron a trabajar en la producción de The Pacific, inspirándose en los relatos autobiográficos de Leckie y Sledge, entre otros, así como en el asesoramiento de Hugh Ambrose, hijo del asesor de Hermanos de Sangre, Stephen Ambrose.

Sin duda alguna, como era de esperar, el éxito de esta cinta estaba asegurado desde que se anunció que se realizaría, pero como también era de suponer, gustó mucho menos que Hermanos de Sangre. Como historiador militar debo decir que la introducción de lo que podríamos llamar “la vida cotidiana del soldado” —como eran antes, que se encuentran durante y después de la guerra— es interesante, pero esta cinta peca de exceso en este sentido. Por otro lado, y como crítico, lo que más me disgusta de la serie es la poca personalidad, es decir, mientras que Hermanos de Sangre veíamos a un grupo de soldados que evolucionaba con la guerra, morían o sobrevivían, pero siempre eran los mismos hombres, en este caso la mitad de la serie está enfocada a un grupo, y la otra mitad a otro, ambos conectados por la amistad de Eugene Sledge y Sidney Phillips. Con los personajes de Hermanos de Sangre vivías las mismas experiencias, te llegabas a sentir identificado, sufrías con ellos, en este caso ves como sufren los marines pero no sientes esa conexión con los personajes, incluso hay algunos personajes que pueden caerte mal o causarte una sensación extraña, identificándolo sus caracteres de forma equivocada.

A pesar de ello, y de no llegar al nivel de su predecesora —algo normal, ya que el nivel de esta serie es tan alto que resulta inalcanzable—, The Pacific mantiene la esencia y el estilo creado por Salvar al soldado Ryan y Hermanos de Sangre, dando lugar a una magnífica tercera entrega. Una serie brillante, que una vez empiezas a ver el primer capítulo no puedes parar hasta que termina, un imprescindible de los seriéfilos y de los amantes del cine bélico.

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“No fui un héroe, pero serví en una compañía de héroes” — Mayor Richard Winters.

Con esta sencilla pero evocadora frase termina Hermanos de sangre, tal vez una de las mejores series bélicas de carácter histórico que jamás se han realizado, y seguramente, también una de las mejores series de la historia de la televisión. Este es uno de esos casos en que una serie tiene tal producción detrás que si los realizadores hubiesen querido se hubiera convertido en una saga de películas, pero por una vez se buscó complacer al público contando una historia, y no el máximo beneficio.

Justo después de la exitosa Salvar al soldado Ryan, la pareja formada por Steven Spielberg y Tom Hanks, quedaron tan cautivados por los relatos de los veteranos y de las crónicas de los soldados, que sabían que tras esa ficción que contaron había millares de historias que darían para una película. Decidieron centrarse en una, la relatada por el historiador Stephen E. Ambrose en su libro, Hermanos de sangre. Este historiador —asesor de Salvar al soldado Ryan, entre otras muchas películas y documentales— narra en su libro, las vivencias de un grupo de hombres que estuvieron juntos desde que se alistaron en la infantería aerotransportada y se entrenaron en el Campo Toccoa, hasta que vieron como terminaba la guerra desde el Nido del Águila, propiedad de Adolf Hitler. Este grupo de hombres se convirtió en la Compañía E, del 2º Batallón, del 506º Regimiento de Infantería Paracaidista de la 101ª División Aerotransportada del Ejército de los Estados Unidos de América, más conocida como la Compañía Easy, liderados durante casi toda la guerra por Richard Winters, este grupo de hombres se vio en las situaciones más complicadas, como un salto casi imposible sobre Normandía, o el sitio en el Bois Jacques.

Antes de empezar alabar esta serie —porque no se puede hacer otra cosa—, debemos fijarnos en su faceta histórica. La infantería aerotransportada, es decir, las tropas paracaidistas del ejército, no eran soldados de infantería normales, eran hombres extremadamente preparados, un cuerpo de élite, ya que sus misiones acostumbraban a ser de las más difíciles. Durante la Segunda Guerra Mundial, no entraron en combate hasta el Día D, pero no porque tardaran a alistarse, sino porque mientras otros cuerpos, como los Marines, enseguida, y sin apenas instrucción, ya eran enviados al frente, a los paracaidistas se les preparó durante años antes de lanzarlos sobre Normandía. En su primera misión, fueron lanzados tras las líneas enemigas situadas en las costas de Francia, para atacar a los alemanes por la espalda y conseguir establecer una cabeza de puente. Por decirlo de forma simple, eran la avanzadilla, y por lo tanto no eran carne de cañón, sino soldados profundamente experimentados.

Una cosa tenemos que tener clara, esta serie no tiene defectos, ni errores, ni siquiera en el contexto histórico, es una de las series mejor hechas de la historia. Puede que a gente le guste más o menos, o que simplemente no le guste el género bélico, pero la serie, por si sola, no tiene ningún fallo. Al contrario, solo tiene puntos positivos. En este caso como nos enseñan toda la evolución de los personajes, que viven, quienes mueren, por donde pasan, en seguida conectas con ellos, te sientes identificado con unos u otros, pero vives mucho más, compartes con ellos la dureza de la guerra, y sufres por ellos, y tampoco es de extrañar que la primera vez que se vea la serie cuando algún personaje es herido o muere, sufras igual que sus compañeros. A pesar de ello, es decir, a pesar de contarnos todos los detalles de la vida militar de estos hombres, el ritmo no desciende en ningún capítulo, todos son trepidantes, y aunque algunos sean más sentimentales y otros tengan más acción, siempre hay la dosis exacta de cada elemento para que al final de un capítulo no puedas evitar ver el siguiente.

Otro de los motivos por el cual te siente identificado con los personajes mientras vez la serie, es que antes y después de cada capítulo, algunos de los supervivientes de la odisea de Compañía Easy nos cuentan, de primera mano, que sintieron cuando estaban allí, como vivieron los buenos y los malos momentos.

El éxito cosechado por la serie, así como los magníficos resultados de crítica, son gracias a una excelente producción. Tras la serie hay un profundo trabajo de documentación, guion y dirección, así como de rodaje, ya que el rodaje empezó poco después del estreno de Salvar al soldado Ryan. Y sin duda alguna también se debe a un magnífico trabajo interpretativo, cuyo mayor peso recae sobre las espaldas de Damian Lewis, que encarna al Mayor Winters, siendo uno de los protagonistas de la serie, junto a él una mezcla de actores británicos y americanos, como Ron Livingston, Donnie Wahlberg (hermano mayor de Mark Wahlberg), Scott Grimes, Rick Gomez, James Madio, Michael Cudlitz, Dexter Fletcher, Ross McCall, Neal McDonough, Frank John Hughes, Matthew Settle y el asesor militar y especialista Dale Dye, encarnan a los miembros de la Compañía Easy. En la cinta también participan actores, en aquellos momentos casi desconocidos, como las grandes estrellas Michael Fassbender y Tom Hardy, en pequeños papeles muy secundarios. Y es que los actores no solo estudiaron su papel, sino que antes de empezar a rodar, el reparto principal pasó por un campo de entrenamiento, dirigido por Dale Dye —por donde también pasaron los actores de Salvar al soldado Ryan, y por donde pasarían los de The Pacific—, donde durante un par de semanas estuvieron siguiendo una instrucción enfocada a conocer los detalles de como se comportaban los soldados de la Airborne, así como a interiorizar sus papeles en sus diversos roles.

Es normal que, después de todo el esfuerzo, tanto físico como mental, que hubo durante la realización de esta serie —aunque a veces creas que se trate de una superpelícula de más de diez horas—, el resultado fuera tan bueno. En pocas palabras, es simplemente brillante y perfecta.

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Japón. Interior. Noche. Silencio. Un hombre de traje oscuro y gesto tranquilo se encarga de atizar a unos delincuentes con el fin de hallar al rehén que tienen estos y al que le encargado liberar. Lo consigue. [Cambio del blanco y negro a los colores cálidos de California]. Los Angeles. Exterior. Día. Solo un banda sonora de jazz suave. El mismo hombre conduce un deportivo hasta la mansión de un gran productor de cine para escuchar su caso: su nieta ha desaparecido y quiere que él la encuentre.

Dicho así, esta trama tanto podría ser la de una cinta protagonizada por Humphrey Bogart y Lauren Bacall en la edad dorada del cine negro de los cuarenta, o la última serie estrenada en la plataforma de Apple con Colin Farrell como protagonista ambientada en la actualidad… como resulta que es. Farrell se pone en la piel de un detective privado al que no le gusta usar armas, ama el jazz y es una enciclopedia andante de cine. Por ese motivo, cuando el gran productor Jonathan Siegel le encarga encontrar a su nieta, no puede resistirse, a pesar de lo que le aconseja Ruby, una suerte de agente para sus casos. A partir de esta premisa bastante arquetípica, pero muy bien gestionada por parte de la producción para que nos parezca un tributo o una fuente de inspiración y no un refrito, se desarrolla una historia repleta de trapos sucios, engaños, prostitución, drogas y ese largo etcétera, pero que en buenas manos puede dar unas historias increíbles… como es el caso.

Con ocho episodios que no superan los cuarenta minutos, estamos ante un producto perfecto para maratonear, que nos enganchará enseguida y querremos saber qué sucede con Sugar, Siegel y Olivia, siendo esta más una excusa para el devenir de la trama que no un elemento clave en su desarrollo.

Sugar es una de esas series de las que es difícil hablar sin estropear el final. Es decir, la factura es perfecta, con ese estilo tan reconocible del cine negro, todos los actores están a la altura de la situación, sobre todo un Colin Farrell al que se le ve disfrutar en su trabajo y, finalmente, pero no menos importante, un historia cautivadora, sin ser abasalladora resulta compleja, con un giro final que… Madre mía, qué giro argumental. Es cierto que para aquellos más avispados, habrá elementos que nos harán olernos que hay algo más, algo diferente en esta cinta, algo ajeno al género que, incluso intuyéndolo nos dejará con la boca abierta cuando se nos muestre en pantalla… y no digo más, salvo que preparaos para la sorpresa.

Dejando a un lado este giro Sugar tiene dos puntos clave que no dejan lugar a dudas sobre su calidad. El primero de ellos es su imagen, hay un tratamiento muy cuidadoso del color y la luz, potenciando esos tonos ya tan reconocibles de la ya legendaria California hollywoodiense; también unos encuadres atrevidos, sin caer en la comodidad del plano estático, sino que la cámara se mueve y se adapta según la necesidad de la historia, para permitirnos adentrarnos en la escena, casi como si fuéramos parte de ella. Dando, como resultado, un conjunto tan bellamente artístico que desde el opening a la mayoría de planos, se podrían ver y disfrutar sin necesidad de una historia tras ellos.

El otro elemento clave es cómo la historia se desarrolla, cómo se resuelve el caso y cómo se nos presenta el giro final, de tal modo que no hay necesidad de una segunda temporada, a pesar del final abierto, ya que se nos ha presentado tan magníficamente a Sugar y su manera de ser y trabajar, que sabemos de sobras que seguirá cumpliendo como lo ha hecho en estos ocho episodios, porque él es así. Voy a ser sincero, claro que me encantaría poder disfrutar de una segunda entrega y una resolución para el caso personal de Sugar, pero se nos acompaña tan bien hasta el final que no hace falta, porque en nuestro interior, aquellos que conectemos con el personaje, sabemos que lo logrará.

Como podéis ver solo tengo palabras de alabanza para esta serie y las tengo, sobre todo, porque me ha sorprendido, no esperaba que lo hiciera, sino que más bien esperaba un producto de relleno de AppleTV+, pero como está sucediendo últimamente, los de Cupertino me están dejando anonadados con productos de fiabilidad asegurada como Los amos del aire, alegres reencuentros como The Snoopy Show o perfectas sorpresas como Sugar que, sin duda, vale la pena ver, porque nos dejará sin palabras.

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Estando aún de luto, Cate viajará a Tokio para visitar el apartamento que su padre Hiroshi tenía allí, y averiguar más cosas de su enigmático padre, pero lo que no esperaba es descubrir que su padre tenía otra mujer y otro hijo, más o menos de su edad, que también desconocía de su existencia. A pesar del rechazo inicial, ambos unirán esfuerzos para comprender quién era Hiroshi Randa, hijo de Bill y Keiko Miura, y su obsesión por los monstruos como Godzilla que están amenazando la Tierra. Para ello irán en busca de Lee Shaw, un antiguo militar que colaboró con los abuelos de ambos, y único superviviente del origen de Monarca… y que se conserva sorprendentemente bien teniendo más de noventa años. Mientras tanto, si es que se puede decir así, seguiremos el rastro de Bill, Keiko y Lee Shaw cuando eran jóvenes y estaban trabajando para saber más sobre los monstruos y demostrar la teoría del tierra hueca, de donde provienen estos. En una carrera contrarreloj en ambas líneas temporales, todos los protagonistas deberán enfrentarse al poder y al rechazo de sus ideas, ya que siempre será difícil de creer que una horda de seres titánicos puedan invadir la tierra.

A la vez que la saga va creciendo en los cines con ya cinco entregas y todas de bastante éxito, no fue ninguna sorpresa cuando se anunció una serie ambientada en el MonsterVerse. A pesar de que no esperaba demasiado de esta, lo cierto es que me ha sorprendido positivamente, ya que la poca profundidad de las tres últimas entregas, en comparación a la calidad de Godzilla de Gareth Edwards o Kong: La Isla Calavera, me hacía esperar algo simplón; sin embargo lo que me he encontrado ha sido un serie interesante, bien hecha y con la suficiente acción titánica para estar a la altura de las pelis.

Sin abusar de ella, hay suficientes monstruos como para compensar el miedo a que solo fuera gente hablando, con peleas bastante espectaculares y las suficientes apariciones de Godzilla para que Monarch se pueda considerar parte del MonsterVerse. Además, se trata de una serie bien concebida y bien hecha, no solo por el buen uso del CGI, sino por la concepción cinematográfica de esta, siendo más una peli larga que no una serie en sí misma, situándose en la nueva ola de series de alta calidad. Pero, definitivamente, lo que realmente me ha atrapado es lo que hábilmente conecta todas las cintas del MonsterVerse, ya que sus diez episodios sirven como precuela y secuela tanto de Godzilla como de La Isla Calavera, rellenando los huecos de los que las pelis no se habían ocupado, dando consistencia al universo y aportando vida a momentos importantes de la trama de la franquicia que solo se habían tratado de forma tangencial.

Tampoco debemos olvidar a un reparto interesante pero repleto de caras poco conocidas que, sin embargo, lucen con brillantez y saben meterse al espectador en el bolsillo con facilidad, dando vida a personajes tan importantes para la franquicia como el propio Bill Randa de John Goodman, que también aparece en un cameo más que necesario para conectar con su aparición principal en La Isla Calavera. Pero los que se llevan la palma son las dos versiones de Lee Shaw, interpretadas por Kurt Russell en la actualidad y por su hijo Wyatt cuando es joven, y dejando a un lado lo anecdótico de que padre e hijo den vida al mismo personaje, lo cierto es que Kurt Russell siempre será Kurt Russell y su hijo logra demostrar que es algo más que un apellido afortunado, para dar vida a un personaje con mucha profundidad como Lee Shaw.

En resumidas cuentas, aunque no deja de ser un complemento de las pelis y una serie de ciencia ficción sin más ni más, lo cierto es que Monarch es buen entretenimiento más que aceptable para todos aquellos que quieran ir más allá de la espectacularidad de las pelis, profundizando en elementos importantes para el MonsterVerse como el origen del MonsterVerse o el apogeo de Apex Technologies, siendo esta serie el nexo perfecto entre las dos primeras entregas y las tres posteriores cuyos tonos eran bastante distantes. En definitiva, una serie interesante y acertada que será una pieza esencial de la franquicia mientras no la exploten demasiado con más de dos o tres temporadas, pero eso está por ver.

La entrada Monarch: El legado de los monstruos T.1 (AppleTV+, 2023) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Un asesino misterioso está acabando con las vidas de viejos amigos jedi del maestro Sol, y para evitar que prosiga y que él sea el siguiente, deberá pasar por encima de las directrices del consejo jedi y emprender una investigación para saber quién o qué hay detrás de todo el asunto. Pero no estará solo, a su lado tendrá a su antigua padawan, que dejó a los jedi, Osha, cuya implicación en el caso es algo personal, ya que parece que todo esté relacionado con el día en el que se unió a la orden y en el que perdió a su familia y a su hermana gemela Mae. Por si todo esto no fuese suficiente, Sol y los jedi deberán hacer frente a una amenaza mucho peor, una que reside en el lado oscuro de la fuerza y que parece dispuesta a arremeter contra la orden, con la clara intención de destruirla.

Desde que Star Wars pasará a ser propiedad de Disney, estaba claro que esta última se dedicaría a sacar el mayor provecho de la inversión… pero lo ha hecho con más pena que gloria. Salvo pelotazo inicial de las nuevas pelis estrenadas en la gran pantalla, el tema televisivo y la necesidad de empuje de la plataforma de streaming, salvo el hito que fue El mandaloriano, lo cierto es que no ha conseguido despegar en ningún momento, y, desafortunadamente, The Acolyte no será la destinada a ser el buque insignia del nuevo Star Wars ajeno a los Skywalker.

Sin embargo, algo que se tiene que tener en consideración desde un punto de vista positivo, es que salvo un par de guiños al público más warie, lo cierto es que toda la historia gira alrededor de unos personajes que nada tienen que ver con los últimos días de la República y el Imperio, siendo los jedis el único elemento de conexión con lo que ya conocíamos. Es decir, esto nos permite sentir que estamos en el mismo universo pero en el mismo momento de siempre.

A la vez que descubrimos este nuevo horizonte, situado, al menos, cien años antes de los sucesos de la saga Skywalker, se nos entrega una gran dosis de acción con un protagonismo de los sables y de la lucha cuerpo a cuerpo. Para sorpresa de nadie, resulta que los jedis también son buenos en las artes marciales y no les hace falta el sable de luz para defenderse… pero qué maravillas nos regalan cuando lo hacen. Sin llegar al extremo acrobático de las precuelas, aquí se recupera la lucha ágil y no tan pesada de las secuelas, en unos combates bien coreografiados que harán las delicias del público.

En la frontera entre lo bueno y lo malo se encuentra el leitmotiv de toda la trama, la eterna lucha entre el bien y el mal, o lo que es lo mismo, los jedis y los sith. Lo bueno pasa porque parece que detrás de todo no está Palpatine y que los sith tienen una forma más primaria, más enfocada al presente y no a grandes planes de futuro, dando lugar a un villano interesante y enigmático. Pero lo malo pasa porque parece que en esta galaxia muy, muy lejana todas la tramas relacionadas con los jedis tiene que girar alrededor de su enfrentamiento con los sith; en este caso en particular, recuerda mucho a la incógnita de Darth Maul en La amenaza fantasma, que los jedis no tienen muy claro de dónde viene. Como si no pudiera haber más enemigos a los que hacer frente en el imaginario de Star Wars para siempre redundar en lo mismo. ¿Dónde están los yuuzhan vong y las otras especias no sensibles a la fuerza que podrían poner en jaque a la orden jedi? Mira que hay recursos en historias ya existentes, a parte de los de nueva creación, de los que se puede sacar provecho para el futuro de la franquicia… pues no, jedis y sith, siempre.

A pesar de todo esto, que, en su mayoría, puede ser considerado como elementos positivos para la serie, lo cierto es que, a la hora de la verdad, la serie es sosa, cuesta conectar con ella y con sus personajes. Vamos que se deja ver y se disfruta, pero siempre de manera intrascendente, ya que una vez ha terminado, apenas nos acordamos, por ejemplo, del nombre de los protagonistas. Sucede de igual modo que ocurría con las series anteriores con un Andor desubicado, un Boba Fett descafeinado o un Obi Wan absolutamente desaprovechado, un quiero y no puedo que, como viene siendo costumbre, nos deja con la miel en los labios.

Y hablando de dejarnos a medias, después de un final bastante rompedor y adulto, lo cierto es que, a pesar de todo, se nos deja con ganas de más, para descubrir qué sucede con estos nuevos sith, quién es el ser que se esconde en las sombras, al que muchos ya han puesto nombre, y qué papel jugará el único cameo de “pequeña” envergadura que hay en la serie. Todo está por ver, pero tendrá que mejorar mucho para conseguir, al menos, acercarse el nivel del mandaloriano.

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La guerra, la guerra no cambia nunca. La serie Fallout de Prime Video, adaptada de la icónica saga de videojuegos, ha conseguido lo que pocas adaptaciones logran: honrar su fuente original mientras crea una experiencia cinematográfica independiente y apasionante. Los creadores han logrado mantener la esencia de la saga de videojuegos Fallout con un respeto evidente por el material fuente, ofreciendo una narrativa visual y temática rica que encantará tanto a los veteranos de los juegos como a los recién llegados.

Desde un punto de vista visual, la serie es un triunfo. La estética retrofuturista, característica de los videojuegos, se ha trasladado a la pantalla con una fidelidad impresionante. Los paisajes desolados, las ruinas postapocalípticas y los detallados refugios subterráneos están recreados con un nivel de detalle que sumerge al espectador en este mundo devastado, hay muchos guiños a los videojuegos repartidos por el escenario. La ambientación mezcla la suciedad y la decadencia del yermo con la tecnología de los años 50, creando una atmósfera única y nostálgica. Además, la serie no escatima en escenas de acción y violencia, bastante bien ejecutadas, con un CGI a la altura.

La historia de Fallout comienza en Los Ángeles, 219 años después del apocalipsis nuclear de 2077, siguiendo la vida de los tres personajes principales: una moradora del refugio 33, un miembro de la Hermandad del Acero y un necrófago (una especie de zombie). Esta elección de personajes permite explorar diferentes facetas del universo de Fallout, desde la vida protegida y engañosa en los refugios hasta la lucha por la supervivencia en la superficie. También contamos con flashbacks, donde vemos la vida antes de la guerra y de los entresijos de la empresa Vault-Tec, la creadora de los refugios.

La serie se mantiene fiel a la atmósfera y filosofía de los videojuegos de Fallout. Elementos icónicos como los refugios antinucleares, la Hermandad del Acero, el Enclave y el humor negro están presentes y bien integrados. La trama incorpora referencias y detalles que los fanáticos reconocerán y apreciarán, como la obsesión por la energía nuclear y la parodia de la sociedad estadounidense y el comunismo.

Sin embargo, la serie también se toma algunas libertades creativas respecto a los videojuegos como que, en la serie, los necrófagos parecen ser inmortales y regeneran sus heridas, (algo que en los videojuegos es totalmente falso, son igual de fuertes que un humano, solo que estos aguantan más la radiación), han cambiado la posición de la ciudad de Shady Sans, cuna de la NCR (New California Republic). El uso de las servoarmaduras da la sensación de que utilizan energía infinita, cuando en los videojuegos duran muy poco. Faltaría que hubieran mostrado algún que otro monstruo como los sanguinarios (muy habituales en los videojuegos). Todo esto no seria un problema si no fuera porque han dicho que la serie es canónica, y forma parte del lore de Fallout, por lo que no tendrían que variar aspectos que en los videojuegos ya están más que asentados.

En definitiva, Fallout se posiciona como una de las mejores adaptaciones de videojuegos hasta la fecha, luchando con The Last of Us. Su capacidad para capturar la esencia de la saga original mientras ofrece una narrativa interesante, los personajes carismáticos, la trama intrigante y la cuidada ambientación visual hacen de esta serie un deleite para cualquier espectador. Si bien mantiene la fidelidad al espíritu de los videojuegos, también se atreve a innovar y adaptar, logrando un equilibrio que asegura su éxito tanto entre los fanáticos como entre quienes descubren este universo por primera vez.

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Una noticia sacude Radiador Springs, la hermana de Mate —de la que nadie sabía nada— se va a casar en el otro extremo del país, él no quiere saber nada y quiere eludir la cita, pero Rayo lo convence para ir al acompañarlo, pero mientras que el corredor espera una viaje de lujo, Mate consigue llevárselo en un viaje por carretera… y todo lo que ello significa. Frente a ellos se extienden kilómetros y kilómetros de carreteras en las que podrán encontrarse de todo, desde hoteles encantados, exposiciones de dinosaurios, circos o monstruos legendarios.

A pesar de que, como siempre, Pixar y Disney enfocan sus productos a un público infantil, cuando uno se detiene a ver las historias que en esta miniserie se narran verán que van un poco más allá, y los adultos descubriremos referencias a la cultura popular no accesible a los más pequeños, o reflexiones sobre la vida no muy habituales en el imaginario de Pixar. Es decir, Cars en la carretera es algo más que coches con sentimientos, sino con unas vivencias, unos pensamientos y unas experiencias que nos sorprenderán.

Pero bueno, tampoco os creáis que es la quinta esencia de la filosofía moderna porque, se quiera o no, siguen siendo las aventuras de Rayo McQueen y Mate a lo largo y ancho de las carreteras americanas del universo de Cars. Cada episodio se podría decir que funciona de manera independiente, ya que en cada uno de ellos se cuenta una historia de un tipo o de otro, bastante dispares, que pueden ir de una de terror —la ya mencionada casa encantada al más puro estilo de El resplandor— a la guerra postapocáliptica —de clara inspiración madmaxiana—, a los más puros de comedia de situación, todo ello para hacernos disfrutar de un buen rato. Sin embargo, si nos detenemos un poco veremos que se nota —y bastante en algunos momentos— que se trata de un producto más de Disney para llenar su plataforma de streaming, como también lo fue la serie secuela de Monstruos S.A. Además, da la impresión de que estamos viendo lo que fueron ideas rechazadas para las pelis de Cars o lo que quedó de una hipotética cuarta entrega que, de momento, no ha llegado. Por otro lado, también sorprende, una vez más, la falta de relación que tienen algunas tramas entre sí y como el gran final de Cars 3 —en el que Rayo se convertía en el director de equipo de Cruz— pasan a mejor vida como si no hubiera pasado nada; parecido a lo que sucedía con los hechos narrados en Cars 2.

Lo cierto es que si bien son nueve episodios de unos diez minutos cada uno —que en un cálculo rápido viene a ser una hora y media, es decir, lo que viene siendo una peli estándar—, consiguen captar la atención del espectador, grande o pequeño, hasta el punto que te los zampas como si nada, y te quedas con ganas de más, ya que si bien Rayo y Mate son la constante, la narraciones diferentes, los tempos bien tratados y la incorporación de nuevos personajes que le dan juego, hacen que no se haga tan pesado como sucedía con La película de Mate, también conocida como Cars 2. Sin embargo, lo que personalmente hecho de menos es lo que hace de la primera Cars una tan especial, que son los personajes originales, los que dan vida a Radiador Springs; una serie de Cars hubiera sido la ocasión perfecta para conocer más cosas sobre Fillmore, Rojo, Flo o Ramón, como sucedía en Las 500 ½ de Radiador Spings que descubríamos quiera Stanley, el fundador del pueblo y difunto marido de Lizzie.

A pesar de todo y de estar lejos de la primera peli, Cars en la carretera supera un poco el mero producto de relleno de Disney+ y le da mayor profundidad a uno de los universos más extensos dentro de la factoría Pixar.

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Después de pasar de la noche a la mañana de ser programador para una gran corporación a productor exitoso de televisión, Albert S. Ruddy pone la vista en su siguiente paso en el mundo del espectáculo, producir películas en Hollywood. Sacando provecho de su manera de ser, Ruddy convencerá a Robert Evans, uno de los jefazos de Paramount, para que lo fiche como productor junior. Después de esto, lo que caerá en manos de Ruddy no será otra cosa que los derechos de El padrino, una novela de éxito escrita por Mario Puzo, pero que tiene en contra a muchos italoamericanos como, por ejemplo, Frank Sinatra o algunos políticos de Nueva York… por no hablar del gremio de los mafiosos. A pesar de tener a todo el mundo en contra y solo con el apoyo de Evans, Ruddy empezará la producción sin miedo fichando al autor del libro para escribir el guión junto con talentoso pero joven Francis Ford Coppola, que también se encargará de la dirección. Por el camino deberá lidiar con las negativas del estudio para contratar a actores desconocidos como Al Pacino o problemáticos como Marlon Brando, así como los mafiosos con Joe Colombo a la cabeza, con quien entablará una extraña relación de amistad y respeto.

Aprovechando el cincuenta aniversario de su estreno, Paramount produjo para su plataforma de streaming esta miniserie enfocada a ser una suerte de making of de una de las mejores películas de la historia —si no la mejor—, El padrino. Lo cierto es que la serie al completo se basa en las memorias del propio Albert S. Ruddy, que también ejerce de productor, por lo que se podría decir que lo que tenemos ante nosotros son la experiencia de la producción de esta peli desde el punto de vista de Ruddy. La verdad sea dicha, se trata de una serie que no nos descubre nada nuevo y se nota que Paramount ha tirado de uno de sus mejores productos —lo que, al fin y al cabo, hacen la mayoría de estudios— para seguir explotándolo, por lo que a priori podríamos pensar que se trata de algo banal y superficial, pero se nota el cariño con el que ha sido hecha. Es por ello que cuando uno ve The Offer consigue meterse en la historia por una ambientación perfecta, un ritmo muy bien medido que no aburre pero tampoco va muy rápido —los diez episodios son la justa medida de la serie—, así como una elección perfecta del reparto, sobre todo de las caras conocidas, que nos permite atar todos los cabos si tenemos presente la cinta original de 1972.

Así, para empezar, tendremos a un Miles Teller muy digno en el papel principal de Albert S. Ruddy, que llena la pantalla y logra captar nuestra atención para hacernos de una suerte de cicerone por las bambalinas de El padrino. A su lado hay nombres como los de Matthew Goode, Dan Fogler, Burn Gorman, Colin Hanks, Giovani Ribisi, Juno Temple, Jake Cannavale e, incluso, un más que bien escogido Lou Ferrigno como Lenny Montana, vamos el actor que dio vida al mítico Luca Brasi. Todos ellos, junto con una buena retahíla de actores secundarios harán las delicias y nos convencerán de que estamos frente a los personajes reales, como es el caso de Justin Chamberts —recién salido de Anatomía de Grey— que se mete en el papel de Marlon Brando hasta el punto que si bien vemos que no es Brando, consigue captar la esencia y los gestos para que, por unos instantes, lo creamos.

Lo dicho, no sería ninguna mentira decir que la trama de la serie no tiene nada nuevo y que todo se puede saber desde cualquier fuente, pero tanto como para llegar a decir que es una página de Wikipedia que se puede ver en lugar de leer, como algunos críticos han apuntado, no es el caso. Se nota una cuidada labor de producción para que el resultado final se gane el favor del público que ve cumplidas sus expectativas, a la vez que cumple con su cometido principal, que no es otro que el de celebrar los cincuenta años de un clásico que ha resultado ser imperecedero, a pesar, como vemos en La oferta, la mayoría de gente no daba ni un duro por él. Mucho más que interesante y accesible para todo el mundo, sean acérrimos de The Godfather o no, ya que se trata de una oferta que no podrán rechazar… lo siento, no me he podido resistir.

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Después de cosechar todos los éxitos posibles en el Hollywood de principios del siglo XX, Walt Disney se fue apartando paulatinamente de la producción de películas —para lo que ya tenía un brillante equipo en el que confiar—, para centrarse en su siguiente gran sueño: crear un parque de atracciones al que poder llevar a sus hijas. Sin embargo, hasta ese momento, los parques de atracciones eran lugares sucios, con gente desagradable… lo que viene siendo una feria, pero él se propuso hacerlo diferente, crear un lugar en el que grandes y pequeños pudieran divertirse juntos sin miedo al entorno, un lugar limpio, tranquilo y lleno de magia en el disfrutar… un lugar llamado Disneyland.

Si eres de aquellos que sueñan en vivir en un parque de Disney, el que sea, no importa cual, y que siempre ha pensado que sería maravilloso trabajar en un de ellos aunque fuera barriendo el suelo de Main Street, estamos ante el programa perfecto, ese que nos deleitará y nos contará cosas que tal vez sabemos, pero muchas otras que nos harán ser todavía más fervientes seguidores de la factoría del ratón y los parques que tiene esparcidos por el mundo. Además, se nos da una visión muy amable de Walt Disney —sea cierta o no— y de toda la empresa que se dedica a hacer los parques, ya que se poner mucho énfasis en el hecho de que hay un esfuerzo en mezclar la ingeniería y la imaginación —de aquí el nombre con el que los bautizó Walt Disney— para que todo aquello que hay en las pelis de Disney que las hacen —o las hacían— especiales lleguen a ser algo tangible para el público de los parques.

A pesar de que el objetivo principal del programa es hacer un repaso exhaustivo a la historia de los parques, del primero de California, a las últimas atracciones que se han incluido en los parques, así como lo que depara el futuro, lo cierto es que se pueden distinguir dos partes muy claras. Por un lado tenemos la parte más nostálgica, esa protagonizada por Walt Disney y su hermano, así como la fase de los ochenta y noventa, que, por decirlo de algún modo, se podría catalogar como el nacimiento y expansión por el mundo, formando esa primera parte —y, personalmente, mi favorita—; mientras que la segunda sería la dedicada a esos avances tecnológicos —que, sin embargo, existen desde el principio— que superan con creces nuestra imaginación, hasta el extremo de conseguir efectos cada vez más realistas que pueden ir desde la recreación de las rocas flotantes de Pandora hasta la modernización con mapeado de imagen de las atracciones más clásicas, para que la magia que nació allá por los cincuenta no se apague jamás.

En este sentido, es cierto que toda la primera parte, aquella que llega hasta los noventa, tiene ese encanto que siempre tiene el pasado —ya que, como todos sabemos, cualquier tiempo fue mejor—, sea porque vemos y oímos de testigos de primera mano cómo se levantó el primer parque o cómo se crearon algunas atracciones ya clásicas, como Piratas del Caribe o Space Mountain, como por el esfuerzo que se hizo para sacar adelante estos proyectos titánicos que, al principio, parecían estar destinados al fracaso. Y es que, se quiera o no, la sensación que hay es que al principio, aunque siempre hay la sombra del negocio, es que existía un sueño por crear algo maravilloso y grande que dejaría al mundo impresionado —el propio Disney pasaba más horas en los parques que en los estudios—; mientras que en la recta final, ese halo de creatividad no se pierde del todo pero se ve que hay más de negocio que de arte, ya que se nos muestra no solo la búsqueda de nuevas tecnologías, sino el aprovechamiento y reciclaje de viejas atracciones para adaptarlas al público actual y las nuevas licencias —como Marvel, por ejemplo— de las que dispone la compañía.

A pesar de todo lo que se puede criticar, como amante del Disney más clásico y de los parques y de todo lo que los rodea, lo cierto es que es una serie documental que he disfrutado todas las veces que la he visto, y recomiendo su visionado a aquellos que, si pudieran irían cada semana a un parque, ya que la producción se ha esmerado en hacer que el espectador se traslade a estos maravillosos lugares como si estuviera allí mismo. Imprescindiblemente Disney.

La entrada The Imagineering Story (Disney+, 2019) se publicó primero en LASDAOALPLAY?.

Más de mil años antes de que Geralt de Rivia viva las aventuras más importantes de su vida —concretamente aquellas que representa la serie protagonizada por Henry Cavill—, el mundo en el que vive ya existía, en él también había hechiceros, elfos y enanos, pero no humanos, los que reinan en el presente de Geralt y de Jaskier. Precisamente es a este al que se le presenta un hado del tiempo para narrarle la mayor historia que jamás hubiera podido jamás contar, la historia de la creación del primer brujo y de la Conjunción de las Esferas, un suceso que marcará un antes y un después en la historia del mundo.

Como era de esperar, después del éxito que tuvo The Witcher en Netflix, estos no tardaron en preparar todo un universo a su alrededor para seguir ordeñando la teta de la licencia que han pagado. Además de la serie principal, que ya afronta la tercera temporada —con los cambios de reparto de por medio con la caída de Cavill como protagonista—, también se ha realizado una peli de animación contando los orígenes de Geralt y, sin sorpresa alguna, la presente miniserie, una precuela. En lugar de explorar los años jóvenes de Geralt y abusar del carisma del personaje, se tomó una decisión apropiada al relatar un momento tan importante en el devenir del mundo del brujo como fue la aparición del primer brujo y lo llamado como la Conjunción de las Esferas. Para hacernos una idea, ambos sucesos, como muestra la serie fueron contemporáneos, pero si lo primero hizo aparecer a estos mercenarios dopados, lo segundo trajo a los humanos cuando miles de portales espacio temporales los llevaron allí, cambiando por completo la biodiversidad de ese mundo. Debemos pensar que la aparición de los hombres hizo recular a los elfos hasta el punto de casi extinguirlos, por lo que marca un antes y un después.

Dejando a un lado la potencia de un argumento como el que sirve de premisa para la serie, lo cierto es que a la hora de la ejecución se queda lejos de la calidad de The Witcher. Lo cierto es que si se compara resulta un producto completamente comercial enfocado a estirar el chicle, y así ha respondido el público y la crítica que la han machado suspendiéndola en IMDb o en Rotten Tomatoes. Y si somos quisquillosos, la verdad es que ninguno de los cuatro capítulos se sostiene por ningún lado, y no por que no sepan contar la historia, sino porque lo hacen de forma superficial y muy comercialmente. De algún modo se podría comparar con un especial del canal Syfy, es decir, que no es nada del otro mundo pero que se deja ver si uno se presta al espectáculo fantasioso descarado, y no a una lectura de alta fantasía, género al que se adscribe la obra de Sapkowski y al que pretende unirse la serie de Henry Cavill.

Alguien podría decir que es un trabajo mal hecho, tanto por parte del guión y la dirección, a cargo de gente con un bagaje televisivo importante pero no sonado, como por la vertiente interpretativa, que a parte de una Michelle Yeoh preoscarizada —que sirve de cabeza de cartel—, está repleto de caras absolutamente desconocidas; sin embargo, en su defensa, diré que cumplen con el cometido que se les pedía, pero, desafortunadamente, no con las expectativas que había en ellos tras el éxito de The Witcher, cuya sombra es demasiado alargada.

Así pues, aunque ha recibido bastante varapalos y se ha convertido como el sparring perfecto para que The Witcher siga teniendo ese halo de calidad, si uno la ve con buenas intenciones y solo con ganas de pasarlo bien durante cuatro capítulos, podrá disfrutar de Blood Origin como un niño; si, en cambio, se espera una obra de arte, no lo encontrará.

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Después de los sucesos del Libro de Boba Fett —que nunca fue una serie independiente, sino un interludio de The Mandalorian—, Din Djarin y Grogu siguen viviendo aventuras por esa galaxia muy, muy lejana que todos ya conocemos. Sin embargo, debido a lo que se ve obligado a hacer para proteger al pequeño jedi, el cazarrecompensas tuvo que saltarse las normas del credo de los mandalorianos, por lo que ha sido repudiado por estos. A pesar de ello, le han dado una oportunidad si regresa a Mandalore y recoge la prueba de que ha estado en el planeta natal de todos ellos. Mientras todo esto tiene lugar, la amenaza de Moff Gideon vuelve a planear sobre ellos, sobre todo cuando un concilio en la sombra de viejos imperiales lo están preparando todo para acabar con la floreciente Nueva República, empezando por los mandalorianos, que, a la práctica, son unos soldados de élite muy bien preparados que se la tiene jurada al Imperio por lo que este les hizo, y que si liman sus diferencias y se reúnen, serán una verdadera amenaza.

Tras tres temporadas y media —si tenemos en cuenta a la dedicada de Boba Fett—, aunque es cierto que sigue teniendo ese gancho que no han tenido otros productos de Star Wars desde su llegada a Disney, incluso superando en calidad a las películas de la nueva trilogía, se nota cierta fatiga. Como puede suponerse de una tercera temporada, inevitablemente, seguramente porque ya no es algo tan innovador, se nota cierto cansancio y las tramas ya no son tan originales. En este sentido se dejan de lado los hilos argumentales de cazarrecompensas, los enfocados a la aventura más pulp y clásica, para enfocarlos a la trama de los mandalorianos, hasta el punto que se pierde esa esencia de western espacial de la primera temporada por completo, para ser lo que todos ya suponíamos que era, una continuación de algunas de las historias que se presentaron en The Clone Wars. Algo que no es necesariamente malo, pero que difiere de la esencia original. Por otro lado, pero a colación de lo mismo, de los ocho episodios, aunque la mayoría están centrados en la Din y Grogu, hay un par de ellos que no tienen ningún sentido o que aportan poco o nada, recuperando personajes secundarios intrascendentes, aunque con inevitables conexiones futuras o con historias solo enfocadas a meter cameos con calzador.

Pero bueno, volviendo a una visión general de la tercera temporada de esta serie, si bien es cierto que no está al mismo nivel que la primera temporada —algo difícil de conseguir—, sigue siendo lo mejor de Star Wars —y de la plataforma de streaming de Disney—, y sigue teniendo algo lo suficientemente contundente para ser el espolón de proa de la gente de Mickey Mouse. Por decirlo de algún modo, sigue siendo algo increíblemente bien hecho, pero que, por un lado, carece de la frescura que tenía al principio y, por el otro, se percibe la intención de incluir a los personajes en un universo mayor; ha dejado de ser una serie pequeña y relativamente independiente de todo lo que se había hecho hasta entonces, para ser algo que conectará con algo mayor, como, por ejemplo, la anunciada peli de Dave Filoni, o la serie de Ashoka.

Con todo esto, cualquiera podría decir que esta tercera temporada me ha decepcionado o no me ha gustado, y sin embargo no es así, después de las decepciones de Boba Fett, Obi-Wan Kenobi y Andor —sí, esta última me decepcionó por lo poco warie que es—, lo cierto es que The Mandalorian me demostró una vez más que Star Wars tiene mucho por dar, siendo un universo muy amplio pudiendo explorar más cosas que la saga de los Skywalker.

Así pues, aunque hay un cambio de rumbo tanto en el tono como en la historia, lo cierto es que sigue siendo todo un espectáculo televisivo con el que divertirnos a lo grande, y que parece no estar encorsetada —o no tanto— por las necesidades económicas del negocio del streaming. Aunque ha perdido un poco de fuerza, lo cierto es que sigue siendo una serie con viento de popa y que, si se trata con cariño y no se estira como un chicle, podrá llegar a buen puerto con un final a la altura de lo que empezó hace unos años. Y perdón por la metáfora marinera.

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